《爱乐之城》院线重映：十年后，谁还在为这场爱情而遗憾？

转眼之间，这部电影就要迎来自己的十周年纪念了。自上映以来，它已经在豆瓣上获得超过100万人评价，分别在豆瓣、iMDb和烂番茄上获得8.4分、8.0分与91%的新鲜度。它累计收获了240余个奖项，其中包括6个奥斯卡奖。

这是一个爱情故事，也是一次向好莱坞歌舞片的黄金时代做出无以复加的致敬的尝试。包裹在爱情与歌舞的幻象之下，这也是一个关于梦想与现实的艰难抉择的故事，是一个全力以赴向未来奔赴的故事。

这个2月，你会为这场裹满遗憾的爱情，走进电影院吗？

以经典的好莱坞式歌舞片为外壳，《爱乐之城》想讲述的，是一个爱情与梦想如何相互守望的故事。

故事的两位主人公相识于微时，他们注定了要在故事的结尾走向成功，也注定了走向爱情的终结。

这个故事发生在当代洛杉矶，但它的精神内核与主人公都扎根于过去：

塞巴斯蒂安是一位生活窘迫的爵士钢琴家，他一心一意热爱着爵士乐，想要开一间属于自己的俱乐部，同时，他也对聆听、演奏与演出场地表现出执拗的纯粹主义；

米娅则从小就对好莱坞心怀憧憬，她放弃了学业和律师前景，在华纳兄弟片场做咖啡师，总翘班去试镜，为了能得到一个角色——任何角色而拼尽全力。

两人初登场时看似水火不容，但他们的处境其实惊人地相似：都是坚守老派情怀的追梦人，困在以消磨理想为常态的商业娱乐世界里。

这两个孤独的追梦人，相互之间说得最多的，是梦想；当他们鼓励对方坚持下去、不要为现实妥协时，理由也是梦想。当梦想的力量眷顾他们时，天空都是柔和的紫罗兰色，天文台里可以腾空而起、翩然起舞，也让好莱坞这片竞争丛林显得不那么残酷。

然而，当他们被迫面对每对情侣都要经历的现实问题——“未来该如何安排？”，围绕在梦想周围的梦幻色彩开始剥落，因相互欣赏而走到一起的两人，显露出截然不同的底色。

六年来，米娅活在咖啡馆打零工、无数次试镜失败、无数个无意义的社交派对的夹缝中。在遇到塞巴斯蒂安之前，她没有认真设计过自己的人生，仿佛只要继续这样的日子，她就依然处在安全地带，生活就还能在摇摇欲坠中维系一种平衡。然而扒开她给自己浇筑的逐梦外壳，会发现她可以振振有词地说自己试镜的作品很像《无因的反叛》，身为演员的她却根本没有看过这部老片；她可以努力为自己创造独角戏的舞台，却根本承受不了一次演出失败，哪怕这在这门行当里只是家常便饭。相比于投身电影艺术这个伟大梦想，她更像是执着于“追逐梦想”这个人设本身。她看似坚强，其实从未真正地成熟，所以才会让塞巴斯蒂安怒不可遏地对她狂吼：你就是一个“baby”。

推动她一步步走向成熟的人，是塞巴斯蒂安。是他的鼓励，让她辞去了咖啡馆的工作，开始专注于创作自己的剧本，而这场演出将在日后给她赢得改变命运的机会；在她因为独角戏失败回到家乡，准备彻底放弃做一名演员时，是他驱车几个小时，把她拽去参加那场至关重要的试镜。他击碎了她以追梦为借口而逃避现实的幻想，让她直视日光之下的街道，发现当时两人共跳踢踏舞的那片街景原来这么难看，原来现实世界是这样的面貌。她接纳了这个世界，也接纳了自己，完成了一段由内而外的蜕变。

在这段关系里，塞巴斯蒂安反而是率先接受现实的那个人。在遇到米娅之前，他一直固守在自己的世界里，发疯一样执着于爵士乐的种种细节——它的名人轶事，它的历史，还有弹错一个音符的灾难性，却不肯直面这种艺术已经日薄西山。谈及自己梦想中的爵士乐俱乐部时，他强调它必须要叫什么、一定要在哪里，对这些外在形式的强调到了可笑的地步。面对昔日好友抛出的橄榄枝，他能够毫不客气地拒绝，因为他不肯向商业妥协，因为他清高。

米娅与妈妈的一通电话，就让他放下了这一切。他加入了一支商业化的流行爵士乐队，从最初那个对谁都不屑一顾、“管他们怎么想”的爵士乐热血疯子，转变成一名在商业音乐流水线中游刃有余的键盘手，拍杂志、做采访、全国巡演……那些略带俗艳的放克合成器旋律，标志着他开始努力承担责任，开始学着与他曾经不屑一顾的现实世界交手。他越来越成功，也在米娅的世界里投下巨大的阴影。曾经那个爵士乐艺术的梦想，也距离他越来越远。因此才爆发了餐桌上的那段争吵，导致米娅向他质问：你难道忘了自己的初心吗？

米娅与塞巴斯蒂安，看似同频的两人，他们的个人成长却是两条方向相反的轨迹。

在他们不再痴迷于梦想实现的美好幻觉，开始学会接受现实世界的游戏规则时，从那一刻起，也就注定了他们不能在一起。

但《爱乐之城》之所以是一部令人念念不忘的影片，就在于它没有让梦想随着爱情的偏离而终结。

这一切的一切，就如导演所说：

正因为他们曾经相爱，然后分开，才最终成为了他们各自所期望的样子。

歌舞片会让人成为一个浪漫主义者。它们教会我们：有些情感太过强烈，无法仅用言语表达，必须歌唱；有些爱意太过汹涌，你只能迈开脚步去舞动。

在《爱乐之城》中，男女主人公相遇、争执、相爱，并在一系列歌舞段落中完成情感流转。影片中对20世纪40至50年代好莱坞歌舞片的致敬尤为全力以赴。这并不是对那些复古、华丽的片段徒有其表的复刻，而是根植于影片导演达米恩·查泽雷本人对歌舞片的热爱。

查泽雷与歌舞片结缘，还要追溯至他的中学时代。在一个假期，他那位法国人父亲把全家人带回了自己的家乡。突然之间，巴黎成了查泽雷的新家，而他被迫要从零开始，一个人面对这座完全陌生的城市。

既不认识任何人，也不知道一个人能干点什么，要从哪里开始认识巴黎？最后，查泽雷选择的方式，是电影院。他开始一家一家地刷巴黎的艺术影院，放什么就看什么。这可谓一次电影洗礼，让查泽雷经历了电影趣味的全面改造，让他从那个看着印第安纳·琼斯长大的小男孩，成了迷恋上好莱坞黄金年代的迷影人。

日后，在哈佛大学的视觉和环境研究专业准备毕业时，他交出了一份名为《公园长椅上的盖伊与玛德琳》的毕业作品，几乎就是《爱乐之城》的简洁版。之后，他揣着要拍一部歌舞片的梦想来到洛杉矶，然后就和《爱乐之城》中屡次试镜、屡遭拒绝的米娅一样，他的提案被所有制片公司拒之门外。于是，他先拍了一部更加商业化的《爆裂鼓手》。看来，梦想实现的那一刻总是要拐个弯才能来。

好莱坞黄金时代的歌舞片有着不少现代继任者，然而试图重现那种灵动而梦幻的表达的作品却少之又少。《爱乐之城》最出众的一点，便是它将大量精力投入到动作与音乐本身，让角色传递情感时的肢体动作与声音的分量相当。从影片开场的群体歌舞《阳光又一天》开始，标志性的长镜头贯穿全片，让观众不仅能看清舞步，更能看到舞者完整的肢体表达。

*本文图片来自网络

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