——————————————
精彩观点：
“公共教育虽然要‘通俗’，但它不等于‘低俗’，公共教育依托的是美术馆对收藏的深入研究，所以合美术馆对待专家的态度，不能是专家的出场、品牌的宣传，而是专家怎样能够深入实际地进入到合美术馆的收藏、研究和展示的过程中。”
“青年艺术家首先是自己要对正在做的事情有一个清晰的判断、认识，知道其潜在的意义。有了这个前提后，要有韧性，不断地坚持下去、日积月累。”
“艺术创作的主体是精神自由和文化担当的表达，这一直都是艺术发展中被讨论的核心问题之一。从艺术史的角度来看，艺术创作中存在的人文关怀和社会担当是不可或缺的重要线索。一种缺乏独立思考仅仅追求视觉性和自我至上的艺术创作，其实质是脱离时代性格之外的自我陶醉。”
“艺术创作的终极关怀是对于自由和责任的体现，是具有思想、性格和独立的表达体。人们越来越需求在艺术作品中感受到某种强大的立场，这是艺术创作不可回避的文化责任。”
“广大艺术家更要坚持改革创新，努力开创文艺创作新天地，要大力推进文艺观念、内容、风格、流派的创新，使文艺创作的体裁、题材、形式、手段得到充分发展。积极学习借鉴各地的好经验好做法，进一步探索新形势下文艺工作的新规律、新机制。”
——————————————
以下为现场专访实录：
傅中望手稿研究展是国内第一次以手稿为主题的专题展
《创意地产》:作为国内著名的批评家，请问您对此次傅中望手稿研究展在创意天地的举办，有着怎样的看法？
殷双喜:我对这个展览很期待，因为在我的印象里，近年来，一些重要的艺术家展览中会出现部分手稿，但这个手稿的概念比较宽，包括速写、草图、为创作而搜集的一些局部资料等。而以手稿作为主题作专题展，傅中望手稿研究展可谓是开创国内第一次，学术性和专业性很强，开创意义与地位毋庸置疑。
而且傅中望是一名很特殊的艺术家，他在创作过程中有大量的手稿，数量众多、编排有序、有很强的档案意识，非常具有研究价值。
同时，傅中望的作品非常注重寻求一种与现实生活、与人们的社会经验相契合的表达方式，面向社会现实与自身思考问题。在当代社会日新月异的变革洪流中，艺术家还原自身最真实东西，并与我们的环境相结合，这个特性非常宝贵。
所以，傅中望手稿研究展是一个很好的展览，但这个展览比较学术、专业，可能会造成某些观众的困惑、不理解，观众如果没有艺术方面的知识储备，就会对艺术家创作的前因后果不了解，就会像面对“天书”一样看不懂这种手稿展，这个会影响展览的传播效果。
但是，我们也不能期望所有展览能面面俱到，虽然我们说观众的多少是衡量一场美术馆展览是否成功的重要因素，但是也不能绝对地说观众越多越好。
打个比方，如果我们请一个流行歌星来馆里演唱，那么人数一定爆棚，但这个流行演唱会与艺术、与这个美术馆无关，就没有实现美术馆的任何学术价值。
手稿的特殊价值在于“过程的呈现”
《创意地产》:您认为手稿在艺术家的艺术创作中，有着怎样的价值与作用？
殷双喜:“燕过留痕”，实际上，“手稿”是科学家、艺术家思维的旅行，清晰地呈现出科学家、思想家的思维方向。在西方，大学导师给研究生上课时，就要求研究生上台完整演示某个问题的推算过程，而不是光要一个结果，这个过程能呈现演算者的思维方向和思维能力，所以“过程的呈现”是手稿的特殊价值。
一般的展览都是最后结果的呈现，好比演员化好妆、站在舞台上经过灯光照射的衬托，就会显得格外美丽动人，但这是人的某一面，而要更真实看到演员的真实面目，就应该看到一步步的整个上妆过程:从出发点（素颜）到每一步上妆后所体现的不同之处。
说到“手稿”，不禁让人想起科学家的手稿，当年数学家陈景润在攻克数学难题、演算“哥德巴赫猜想”的过程中，光是计算用的草稿就足足装了几麻袋，这也是很宝贵的研究“手稿”，对于后来者探析科学家的创作过程具有极高的学术研究价值。
在绘画界有个概念，叫“素描”，“朴素”的“朴”指的是没有经过雕琢的木头，所以古人谓之“大朴不琢”，“素”指的是没有染色的思想。比如我们现在所处的紫缘酒店，其设计以黑、白基调为主，墙上照片也是黑白色，这就体现了“朴素”精神贯穿其中，它虽然没有用五色渲染，但是能清晰看出事物的本性，而且不失高雅；
作为独立的艺术种类，“手稿”自有其独特的艺术价值。如诸位大师们，他们廖寥几笔的创作草稿就已经价值不菲，你根本不用分是基础性强的速写还是独立的艺术品。这些即便看似寥寥几笔的素描作品，其后面的功力也非常了得，有时随便一条起伏弯曲的线条，体现的却是艺术家对形体、结构、特征、节奏、韵味、艺术史的深刻理解与掌握。所以，“手稿”过程是艺术家同一时间要考虑许多问题的综合思维活动。
这很像高考数学、英语等科目考试的稿纸，是不能带出考场的，因为除了要看到考生的演算结果，阅卷老师也希望能从中看到演算过程，这也是帮助判断考生在考试过程中是否舞弊的重要方式之一。
中国当代艺术在整体上要“混杂” 个体上要专深
《创意地产》:2014年10月17日，您参加了一场关于合美术馆的学术论坛，当时很多艺术家表示中国当代文化处于一种“混杂”的状态，您如何看待当代艺术创作中所凸显的西方现代艺术与中国传统文化的交融？
殷双喜:从整体上来看，中国当代艺术应是一种“混杂”的、自然野生的状态，不要像人工花园被剪得整整齐齐的；很多艺术家在创作时，或者因为政治因素，或者因为金钱因素去讨好、去适应，而不是发自艺术家内心的。
在艺术界，最忌讳的是千篇一律，最鼓励的是百花齐放。每个人都应该像大自然的生物，都有属于自己的发展空间，在太阳的光辉下自由成长。所以从整体上看，中国当代艺术无论是“雅”，还是“俗”，都有自己的发展空间，展示出艺术世界的多样性。
但对于艺术家个人与作品来讲，应讲求专深，即强调专业的深度和质量，每个艺术家在某个时段都要对自己感兴趣的工作做得专业、有深度、做到位。在这个信息泛滥的时代，有些艺术家产生了选择性的困惑，想要的太多，导致最后创作的作品出现的声音非常庞杂。
这比如一个交响乐团是由弓弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器等数10种不同类别的乐器与乐器演奏家组成，每种乐器有着各自不同的特色和个性、交相辉映，但每名乐器演奏家一定是其领域的专业、精华人才，对艺术作品的演绎必须非常到位，才能在交响乐团里形成自己不可或缺的个性。
现在有些艺术家的个人能力与想法不匹配，他其实不具备驾驭众多媒材和主题的能力，但他又想弄得非常“高大上”，最后创作出的作品也必然非常空洞、没有思想内涵，所以艺术家在某个时期对某个专题应踏踏实实、一步一步地深入做好。这种深度与当代艺术整体讲求丰富性其实并不矛盾，因为你的作品做得越深，越能与其他人的作品凸显个性、差异性。
所以，即将于2015年5月在德国展出的“西云东语：中国当代艺术研究展”，面对的不仅有普通观众，还有非常多的专业观众，他们自有一套评价标准来看待中国当代艺术这个展览“到底是学习国外当代艺术的山寨版，还是中国当代艺术自身草根版的创新与突破？”，相信大家自有选择。
其实，我们中国人的智慧与能力是非常不错的，当前我国很多方面的技术已是世界领先水平，我们对此应有民族自信，比如我国的长距离特高压输电不但领先世界，还已成为世界特高压输电的国际标准，这个特别振奋人心；我国的高铁技术已陆续输出到世界各国基础领域建设中；海尔等白色家电已在国外多个国家建厂生产；我国的当代艺术发展不一定要争世界第一，但一定要在世界范围内得到尊重，也就是有自己的创新与特色、而且有质量，这应该成为中国当代艺术未来发展的一个方向。
筹备“西云东语”德国展=研究德国当代艺术体制+遴选中国特色作品+提高收藏品质量
《创意地产》:在去年10月17日召开的合美术馆学术研讨会上，您当时提到一个观点，我印象很深刻：您提出“西云东语：中国当代艺术研究展”之德国之行，怎样才能把中国当代艺术30年的发展和艺术家的发展现状有一个客观梳理，让德国观众能真实了解中国当代艺术的发展截面，对于这种梳理，您有哪些具体的建议？
殷双喜:对中国当代艺术的研究必须要放到世界当代艺术发展的图景中去看，这样才能客观、公正地了解中国当代艺术的产生、发展、现状与未来。
第一，如果说我们要把中国当代艺术成果拿到德国去展览，那就首先要对国际当代艺术，尤其是对德国的当代艺术发展现状有一个全面了解与判断，德国是一个艺术大国，它所包含的双年展、博物馆、艺术家、观众、传媒、市场是一个发展成熟的系统工程，德国的当代艺术发展得非常好。
当代艺术不是我们孤立的地理解了几件作品就可以，它是一种制度，是艺术世界理论，所有的艺术作品都能在艺术世界中得到评价、判断与定位。
而美术馆在当代艺术的生态系统里，是非常关键、核心的一环。过去谈艺术就是谈艺术家及其作品。现在看来，如果没有一个美术馆平台，没有传播，没有研究，这个艺术家他是走不远的。
我们过去对艺术史的研究，仅仅就是孤立在艺术家及其作品这两个点上，现在整个世界艺术史的研究方法，是从一个艺术体制的整体的角度来研究的。
第二，就是对中国当代艺术这三十年的发展，要有一个梳理和判断，那么其实当代艺术要走出国门做展览的话，应该有一个比较充分的前期准备工作，一个完善的案头论述工作，也就是说哪些艺术家和现象、哪些作品是值得我们拿出去，它要具有什么样的要点和质量，我个人来看，它首先是当代的，它对这个时代有一个密切的关注和呼应；其次，它应该是国际的，它具备对整个人类的关怀，它能够用图像、用作品的方式取得呼应，在国外观众的心理产生共鸣；最后，它应该是充满中国特色的，也就是说我们这个国家的历史传统、文化都在这个作品里面，它有一种气息存在，有一种精神存在，能够传递出这样的意思，就是说我们可以很虚心地请一些国际上的专家、观众来看，就像你到非洲，看到这个地方各种东西都充满了非洲气息，哪怕它的当代艺术也有一种非洲文化在里面，个性与民族性的结合，我觉得这样的艺术是我们应该去关注的、值得推广的。
第三，有没有可能通过一个巡回展览的过程，让国外观众对中国当代艺术发展脉络有一个基本的认识，而这个工作就是博物馆、美术馆做的事情。因为博物馆、美术馆特别重视艺术的学术研究和梳理，这个和一般的画廊做的工作不一样，画廊主要是推出艺术家、推销它的作品，对美术馆来说，它重要的是收藏、研究、展示与教育，这几个环节是环环相扣的，没有收藏就谈不上研究，没有研究的话，这个展示水平也不会高，没有展示这个公共教育也就是无源之水。
收藏、研究、展示与教育是美术馆的四大功能
《创意地产》:您对合美术馆当前的实际运营工作，有哪些具体建议与意见？您认为合美术馆要怎样才能更好地推广公共教育、推动艺术与公众对话？
殷双喜:收藏、研究、展示与教育是美术馆的四大功能。合美术馆必须加大力度在整个社会的理解启蒙、公众教育方面，否则，合美术馆倡导的当代艺术就是一条腿走路，艺术家自己跟自己玩。
公共教育虽然要“通俗”，但它不等于“低俗”，公共教育依托的是美术馆对收藏的深入研究，所以合美术馆对待专家的态度，不能是专家的出场、品牌的宣传，而是专家怎样能够深入实际地进入到合美术馆的收藏、研究和展示的过程中，发挥他真正的长处，其实专家的长处是学术、是研究，不能像明星站台，就说我要搞一个开幕式的剪彩，要请大牌明星来剪彩，大家共襄盛举。
但是我们现在的问题就是国内专家数量有限，好专家不多，而且也疲于应付，这种现象在北京比较强烈，展览规模大，展览数量多，专家大多忙于来回跑、赶场子，很难静下心来去做研究。
其实国外大的美术馆、博物馆，它们都有专门的研究人员，有收藏部、有研究部，它们的很多展览是由自己的研究部来策划的，它的研究人员需要上报研究方向及方案，研究课题，可能会研究一到两年时间，才拿出一个方案，然后根据这个方案美术馆内部开会讨论方案的可行性，对社会公众有作用，然后花一到两年时间去筹备展览，最后才开始一到两年的巡回展览。
所以说，国外博物馆的一个重要展览，需要三到五年的周期，其中展览筹备个一两年很常见，两年也不少，有时候巡展能够展好几年。有些大的名家展览，像梵高、毕加索主题展览，可能会向全球的收藏家借他们的收藏品，可能一个人的一生碰不到几次这样的展览，就像美国的大都会博物馆要搞一个毕加索的大型回顾展，可能我都会做飞机去看,它把全球顶级的收藏都汇集于此，普通的博物馆没有这个能力。
这种展览准备工作的充分、细致、严谨、缜密可见一斑，这是筹备展览的最理想状态，但就算是一场小展览也应该仔细筹备、不辱使命，就算是一个小的博物馆，也要把精力都放在提升它的质量和内涵上，所以说我们民营美术馆在中国蓬勃发展，很多地方在修建民营美术馆，像北京、上海、深圳等我国一线城市，民营美术馆会越来越多，但是如何去发挥民营美术馆的强项?
民营美术馆的强项是资金有保证、管理方式灵活，不足之处是大多数民营美术馆大多是最近十年才建成的，馆内收藏量不足、管理人员的专业化程度不高、研究人员严重不足。
在这种情况下，我以前也跟光谷联合集团黄立平董事长谈过，在我们不能调动专家作为专属人员的前提下，可以通过学术项目吸引专家来参与，不求所有、但求所用，同时在专家的协助下，通过讨论逐渐地明确美术馆的定位、收藏的方向，同时要抓紧收藏，收藏永远不晚，因为可能现在收藏不到十年前、二十年前的好作品，但是新的、好的作品仍然在产生，而且以后优秀的作品也只会越来越贵，所以说收藏在任何时候都不晚，但是前提就是要有一个专家团队来把关收藏的质量。
另外，还可以通过加大与国内外收藏家的合作，引进更多的优秀收藏品到美术馆展出。
青年艺术家应内外合力 提高人文内涵
《创意地产》:合美术馆在未来的发展中，将举办系列帮助青年艺术家成长的计划与活动。请问，您对当前我国青年艺术家的成长现状怎么看？有没有好的经验借鉴，帮助他们更好地明确人生方向与成长道路？
殷双喜:通常来说，青年艺术家就好比股票市场的“潜力股”，他们当中很多人发展前景很广阔，提前购入有潜力的青年艺术家的作品，将来的回报率将会非常高，关键看收藏家有没有发现“潜力股”的眼光，应该说，有选择性地提前购入青年艺术家的作品，已成为世界各国收藏家收藏的重点、也成为评价各国艺术发展潜力的风向标。
当前，我国当代艺术在艺术家的创作活跃度、艺术作品数量方面，也可以称得上是一个大国了，2014年我国全年的艺术品拍卖总额已高居世界第二。
但令人遗憾的是，当前很多西方重要的收藏家、策展人却纷纷将眼光投向了印度、泰国的青年人，而不是中国的青年艺术家，这个问题值得我们深深反思。
这其中的原因就在于印度、泰国等国的青年艺术家创作更有活力，而中国的青年艺术家收到市场影响，在某些方面就早早地风格定型化、创新不足，因为中国的青年人从美术学院毕业后，很快就面临一些实际的生活问题，比如结婚生子、买房、养家、生存等，在这种情况下，他们就会研究目前在市场上最受欢迎的是哪种风格的作品，并朝着当前这种流行的风格创作，但这种流行风格、面貌并不是他真实想表达的东西。
所以，目前各地都在支持青年人做青年艺术家的展览、挖掘青年人，这是好事；但这也会给青年艺术家带来某种错觉：“是不是只要我随便做出来东西了，大家都能接受”，这会在无形中降低青年艺术家对自己的严格要求与高标准、导致他们深入挖掘的动力不足。
当然，导致这种现象产生的有两方面原因：一方面是因为青年艺术家对于世界艺术的发展了解的深度不够，于是通过互联网或者其它渠道获得了一些片面的信息，但这种信息只有表面价值；另一方面是因为青年艺术家对于自己的要求和判断不太清晰，艺术前辈或周围给予他的诚恳、真实的指导与建议不多。
对于前者，我建议青年艺术家要主动创造与珍惜各种机会，多走出去看看，要去国外大的博物馆看看，明确自己的方向与发展价值，以前欧洲的艺术界设有“罗马奖”，以奖励、资助有才华的欧洲各国青年艺术家去罗马学习生活2-3年，去罗马的各大博物馆去看大量的著名艺术作品。现在，中国美术家协会推出一种“海外研修”，每年选出一些艺术家、理论家去欧洲考察，每人奖励8万元去国外游学3个月，也取得了不错的效果；青年艺术家在解决了温饱问题之后，要多想想如何深入提高自己。
对于后者，我建议青年艺术家对自己的创作，要有一个3-5年的合理规划，而不是随波逐流、跟着感觉走。这与我们当前的大学美术教育有关，大学美术教育普遍重在写实教育、技术教育，艺术史、人文史等方面的人文教育相对缺乏。
首先，一个艺术家如果能在哲学、历史、文学等方面有一定的学习与吸收，就会像吸收多维维生素一样，能提高自己的综合性素养，提高作品中的人文思想。
我们的学生不能成为“技术能手、思想侏儒”，所以，人文教育是当前大学美术教育有待改革的方向。年轻人应该多看点书，吹吹萧，吹吹笛子，拉拉二胡，尤其是应该学习书法，这是中国独具特色的民族文化，有悠远的历史。一个国家一个民族不要忘记了自己的文化传统，这一点是非常必要的。
其次，从现在全国青年美展来看，青年艺术家有很好的写实功底，但是对于自然、社会、时代、人生的认识还处于成长的阶段，如何体验人生，深刻认识、表现人生和自然，是很重要的课题；
再次，就是艺术心态。这一代青年艺术家生长在商品经济条件下，容易形成急功近利的心态，极力包装自己，宣传自己，费尽心思要出名，这些都是青年艺术家容易犯的错误，在这个问题上，艺术圈长辈的办事风气败坏也是重要原因。
画派、大师是一种文化积累，是自然而然形成的，而不是打造出来的。所以艺术心态是非常重要的。如何静下心来按艺术规律积累自己的学养、丰富自己的人生阅历，自然而然地成长，这是青年艺术要思考的事。在艺术方面，不管是乡间还是城市，无处不生活，重要的是要走出去。
通过作品证明自己的价值 不能被市场牵着鼻子走
《创意地产》:您怎么看待当前我国文艺批评事业的发展现状？文艺批评怎样才能在市场经济大潮中不会迷失方向？在各种物质利诱面前，艺术批评家如何保持自身独立性、坚持公正的学术态度与商业状态的统一（这包括艺术家现在可以通过卖作品过上很好的生活）？
殷双喜:文艺评论跟艺术家一样，也是一种创造性的工作，只是他的方式跟艺术家有所区别，如何保证这种创造性避免重复雷同，那就得给批评以环境，给批评以空间，对批评要宽容。像中国古代的画家，他画了一幅画以后，他会躲在画后面虚心听观众看画后的意见，观众说三道四的，什么意见都有，他就很高兴，有表扬有批评，他接收意见，然后去修改。
这就是一个有利于批评的社会大环境，现在呢，有好多画家经不起批评，你一批评他就跳起来，跟你急，说你人生攻击，你说我不好，就直接影响我的市场，甚至还要跟你打官司。
所以说批评家要讲真话，也要有一定的环境，当然批评家自身也要有一定的职业道德，要有底线，要能判断。哪些东西能说，哪些东西不能说，比方说，违心的话、假话绝不能说，也不要乱说话，这个尺度需要批评家自己权衡。就像艺术家画画一样，他首先要对得起自己，对自己负责任。
所以我们现在不能把批评当作一个工作，按照统一的标准布置下去，那样的统一，哪怕正确，也只有一个声音。批评的声音应该是多样的，因为每个批评家的知识结构、角度都各不相同，他可以从不同的角度来看，就像一个雕塑，应该可以从360度看，感受到艺术作品的不同内涵，所以批评家要努力提高自己的专业水准，才能名副其实地讲出一些专业的意见，不是简单地道德评价或者诗画抒情，那些工作是道德家、诗人去做的事情。批评家对艺术作品要讲出真正有专业、有艺术素养的观点。
但是对这个事，批评家也不是人为地规定、强制性地要怎样怎样，要避免“文革”的大批判思维:我们必须如何如何，这个世界没有必须，只有可能。
《创意地产》：现在有不少年轻艺术家被资本操纵，造就成明星，你怎么看待这个问题？
殷双喜：美术圈与演艺圈是不一样的，演艺圈作秀有它自身的存在价值和必要，美术圈要靠作品来说话，艺术家通过作品证明自己的价值，而不是靠市场表演和操作。
《创意地产》：但是有很多偏重于学术的艺术家作品并不被市场接受。
殷双喜：能不能被市场接受其实并不重要，梵高一辈子只卖了一张画，但是他在艺术史上的地位是不可否认的。现在过分地看重市场价值是不好的，好的艺术家和艺术品最终会被市场认可，但需要一个过程，并不是说一个年轻艺术家画出好的作品后马上就能被市场认可和接受，如果一个年轻艺术家刚刚出道就很红，那就应该警惕了，是不是存在操作问题，按照正常的程序来说，一个优秀的艺术家从出道到被认可要经过一段相当长的时间。
《创意地产》：您对年轻艺术家有哪些期望？
殷双喜：年轻艺术家不要过分关注市场，而应该关注艺术本身的问题，选择艺术是因为热爱艺术，而不是热爱钱，当然，有了成就以后也会有钱，但绝对不能为了钱而从事艺术。
让生活更加富有创意与新鲜感
《创意地产》:感觉您在很多场合的评论观点都具有一种难以形容的精神份量与厚重感，您的这种深厚的专业素养，是通过怎样的方式实现的？
殷双喜:没有非常特殊的经验，就是需要个人的日积月累，需要一种很朴素的求知欲。年轻艺术工作者需要很朴素的求知欲，要有一颗始终对未来抱有好奇，对生活充满“创见”，这应该是我们生命、工作、生活的常态与动力。
其实，大多数时候，生活的质量高低与评价取决于人自身的主观感受与认识，住1000平米的大HOUSE与住10平米的房子，你每天能睡的最终都是同样一张床，“锦衣玉食”带给人的不一定是幸福感。
大千世界，每个人在物质世界里可能千差万别，但在精神世界里都应该追求充实与饱满，保持一颗好奇而又坦诚的做学问之心，反而能带来满满的幸福。
每个人对生活应该充满期待，这种期待不是功名期待，而应是“见所未见”、“闻所未闻”一些新鲜的东西，这种新鲜有些是机缘，有些则需要自己去创造，不创造机会就不会出现。
比如光谷联合集团能取得今天的发展成就，既是前瞻性的主观愿望的达成，也是大家的创造、努力的结果，做艺术与做事业的道理是相通的:必须是创造，而不是低水平的重复劳动，这样我们的工作才能充满艺术性，所谓“艺术性”就是其中含有创新性、独创性，我们做学问、做研究也是如此，你首先必须对学问有一种好奇心，哪怕在严肃的科学，好奇心是研究前提，永远对世界抱有婴儿一般挣着眼睛到处看的好奇心，周围的人哪怕一个笑容，婴儿都能接受到这种乐观的信息，并回报以坦诚明朗的笑容。
年轻的艺术工作者既要对自己未来的3-5年的发展有计划性地规划，但所有规划都依赖于我们每天平凡工作中的点滴积累，但有些人把这种日常工作与学习当成一种不得不做的义务与负担去完成，而没有把工作本身当成一种享受，要能创造价值，而不是混时间。
比如比尔-盖茨要求微软公司的员工可以穿着很随意的T-shirt去上班，也可以在家办公，但是你的工作内容必须有创造性。而不是要求员工每天固定8小时必须坐在办公室里，而不管其是否是在办公室上网、打游戏等蹉跎时间。
所以，我觉得西方一些著名大公司的企业文化中就蕴藏着这种充实的生活态度、一种丰富的人生价值观，这是我们值得注意和学习的。比尔盖茨、库克等美国一些IT公司的高管在工作和生活中，除了我们平常所能想象的打高尔夫、游艇，他们还非常喜欢读书、音乐、艺术，感受生活的多样性，从艺术熏陶中得到全新启示。
为什么苹果手机与三星、国产手机等在内部器件与功能上相差无几，却在我国市场占有率高达27.9%?最主要是由于苹果手机的外观设计与创意极具艺术气息，拥有非常流畅的操作体验，而且，它可以满足我们的已经不止是社交与阅读，它的Panorama(全景)、SlowShutter!（慢速快门）、IDraw、VSCO Cam、Exposure Control（曝光控制）等功能甚至可能将替代专业画家手中的画笔，成为当代艺术表达的一个符号。这种科技与艺术相融合的魅力产品,使得艺术家使用苹果公司产品即可进行艺术创作成为可能。
现在经济和文化的融合发展已经成为新世纪世界产业经济的一个重点，世界各国许多成功的企业都是在科技文化艺术商业领域进行跨界融合的新典范，科技和文化融合已经成为现代产业发展的显著特征和企业发展的战略选择。
比如创意天地项目的紫缘酒店就是科技与艺术结合、建筑与艺术结合的成果，这正是未来我们社会发展的方向，经济、科技等各方面将会越来越充满艺术感，而这种“充满艺术感”不是审美意义上的简单漂亮、唯美，而是让人感到意外与惊喜的“新奇感”，让人感到生活的不可预见性。
做“有文化的企业”是大势所趋
《创意地产》：最后，特别想听听您对创意天地项目的印象。
殷双喜:这是我第三次来创意天地项目了，每次来的所见都不一样。这两天我们入住的紫缘酒店在细节上非常别致，贯穿了一种主打理念与思路，它的外体建筑融入现代都市的时尚色彩，以米、白、灰为色彩主题的客房及套房内低调奢华风的家具充满艺术感，比如卫生间一个小小的废纸篓都是有机玻璃、透明与乳白色多个元素的结合，极像一个充满设计感的艺术品。
也就是说，设计的理念贯穿在紫缘酒店的每个细节了，从多个细节处让人感受到酒店品质的优雅与高贵。这说明紫缘酒店的开发运营商——光谷联合集团是一家“有文化的企业”，对产品的各个细节都充满文化与艺术的考量，认认真真地做艺术，用做企业的严谨来做艺术。反过来，又用艺术的创意来做企业，这两者是相辅相成的，打通了企业与艺术的界限。
如果我们中国的大型企业在未来发展中，都能这样从不同的角度切入艺术、吸收艺术，那我们中国企业在真正走向国际的过程中，就不会被人认为是“暴发户”的形象了。做“有文化的企业”不能停留在口头，让文化渗透在生活、思维的每一个细节处，文化不是一个口号、不是一个招牌，而是一种实践，渗透在日常的每一处细节修养中。
~~~~~~~~~~~~
艺术家简介：
殷双喜:
江苏泰州人。1991年毕业于西安美术学院，获硕士学位，2002年毕业于中央美术学院美术史系，获博士学位。 自1989年起，参与策划“中国现代艺术大展”（1989）、“中国美术批评家提名展”（1991—1996）、“世纪之门：1979——1999中国艺术邀请展”（1999）、“东方既白：20世纪中国美术作品展”（2003，巴黎）、“第二届成都双年展”（2005）、“人民•历史：20世纪中国美术研究展”（2008）、“写生与当代：首届学院中国画学术邀请展”（2009）等重要展览。曾担任第52届威尼斯双年展澳门专题展评委（2007），第11届全国美展评委（2009）。历年来在国内外专业报刊上发表美术理论及批评文章200多万字。
出版有专著《永恒的象征：人民英雄纪念碑研究》（2006）(2007年入选国家新闻出版署“三个一百”原创出版工程、第一届中国出版政府奖图书奖提名奖)、《现场：殷双喜美术评论文集》（2006）、《对话：殷双喜艺术研究文集》（2008），主編和编著有《穿越世纪——中央美术学院校史》（副主编）、《吴冠中全集•第4卷》、《当代中国画文脉研究丛书》（总主编）、《走向现代：20世纪中国雕塑大事记》（主编）、国家重点图书《新中国美术60年》（分卷副主编）等。
曾获吴作人国际美术基金会美术史论奖提名奖（2006）、文化部、中国文联、中国美术家协会“首届中国美术奖•理论评论奖”（2010）。 曾应邀参加第一、二届中国当代艺术国际研讨会（芝加哥大学艺术学院、北京大学美学与美育中心、中国当代艺术基金，2009、2010），亚洲艺术中的战争国际研讨会（悉尼大学艺术史系、亚洲研究中心，2009），“公共空间、艺术与集体记忆”国际研讨会（英国，伯明翰城市大学，2009），第18届国际美学大会（2010）等。
现为中央美术学院教授、《美术研究》执行主编、《中国雕塑》主编、中国美术家协会理事、中国美术家协会理论委员会委员、中国国家画院美术研究院研究员、《美术》杂志编委、中国雕塑学会学术部主任、中国美术馆策展委员会委员等。
