对于这部华语片，没有差评

 评分系统：

 ★★★★★ 年度十佳

 ★★★★☆ 一定要看 

 ★★★★ 不容错过

 ★★★☆ 值得一看

 ★★★ 可以看

 ★★☆ 偶有亮点 

 ★ 别看

 x 令人反感

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 适合人群范围：
 全年龄/10+/16+

 适合情侣

 适合带父母

蔡导拍得太扎实了，人物环境的质感做得很足，开篇就被带了进去，越卷越深。但现实的逻辑其实是架空的，重点是人物关系的张力和不断翻涌的流动性，节奏把握的很好。每个镜头都有精心设计，简洁又有信息量。现实事件可以抽象为符号化，新生命的孕育和对过去的赎罪同步展开，当窗户黑洞无法填满原谅无法等来时，向前走的希望最终破灭赎罪宣告失败，最后崩塌的宿命必然来临。所以片子其实对欧洲观众来讲非常友好，入围威尼斯主竞赛和辛芷蕾夺得影后都实质名归！

专注于极致的人物状态和人物关系的内在对抗，有着内在张力极强的对手戏，导演的策略就是用演员的表演调度来托举影片的主旨。情感模式根植于一种东方式的隐忍、牺牲与集体主义道德观下的个人负罪感，情感当然不外放，而是倾向于一种内在的自我煎熬和自我欺骗。蔡尚君精准地抓住了当下中国社会芸芸众生的精神面貌和心理现状。那种身心的疲惫和撕裂，内在的巨大消耗，情感创伤的永恒与无解，都在扎实的人物塑造以及高度凝练的镜头语言之中被推向了顶点。全片最后一镜，前景人流如潮，两个破碎的灵魂被瞬间推入了世界的“背景”之中，日常生活的洪流将他们淹没，时间不为任何个体的悲剧而停留。太阳照常升起，却遗忘了你我。如此沉重而真实。这部电影具有一定的文化特异性，不确定有多少西方观众能读出影片所传递的那种情感重压。辛芷蕾这个表演该拿影后了。

孽缘巨大的破坏力和毁灭性，比较值得琢磨的是张颂文与辛芷蕾肚中的孩子间或许存在的某种莫名呼应的同构关系，十几年后又在大银幕上看到蔡尚君，依旧未曾相信任何绝路之外的可能性，值得走进影院的作品，尤其对于当前大陆院线国产电影整体近乎麻木的情绪氛围来说更是如此，一种格外值得留意的关乎当下个体与角落的残酷而鲜活的生命体验。

很像是一个十年前的电影，但属于在十年前也是最好的那一档次华语片。辛芷蕾表演真的没得挑，这个能量，其实不需要撕奖，实至名归的。威尼斯主竞赛也实至名归。

是对女演员最友好的那一类本子，给到辛芷蕾的发挥空间非常大，而她也没有辜负主创的信任，很好的完成了一个难度很高的角色。

虽然电梯一幕不符合安全常识（请勿随意扒电梯门），但这幕无疑是全片的意象核心：要从这命运的泥泞中逃出生天，只能以另一个人为代价。不仅仅是美云和葆树，电影里的人物都以这种逻辑求存，包括那个倒闭制衣厂的老板娘。这不正是某种现实的写照？因此比起故事的苦情，更难得的是对这种状态的精准捕捉。破败的城市、肮脏的空间、发霉的空气，人们在逼仄中生存。最后一场戏有点用力过猛，但那种自毁的情绪切实传达到了。

其实不差，比起大部分无聊做作且言之无物的院线电影，至少在某些时刻、并且是非常关键的节点制造出了很强的情感浓度（当然肯定主要原因要归功于表演），阻止了影片的一泻千里。非常赞同除此之外是有一些并不必要的复调，但是似乎全世界各地的观众都还蛮喜欢看这种drama言情疼痛故事，我隔壁的韩国阿姨笑的很开心～

辛芷蕾演得不错，但其他实在难以下咽……地方台晚八点《冷暖人生》自制剧水平，在经历了做小三、流产、持刀捅人の文艺片女主基础三件套之后，疲惫的我对于本片的观感评价，只能停留在两个字：落后。

非常迪士尼主题公园化。主角重组一个跨物种的多元之家（与半身仿生人希雅、敌兽的孩子芽崽从对立走向合作友爱），弑父既符合铁血战士族群内部所遵守的慕强荣誉准则，又颠覆了既定的血亲家庭秩序。动作量足，编排有想法，把遭遇的未知危险物掌控转换为后期反杀的武器，希雅下半身夹腿绞杀。

把PG-13用的最妙的一次，看到结尾满地的生化人残骸惊喜了一把，不过还是更想看两个艾丽范宁在银幕里互殴啊！然后肯定不能抱《异形夺命舰》的期待去看，相比起一个定位明确早就已经非常纯粹的恐怖IP，《铁血战士》除了共享一个世界观外并无其他相似的地方，真的是一个好标准的颗粒度分明的工业爽片。

这铁血战士，长得真像浪浪山里的猪妖。

有一类角色是不需要讲那么多话甚至不需要讲话的，一旦行为如此接近人类，原初魅力和神秘感是会大打折扣的，整个系列里个人最不喜欢的一部。

当动作戏变成了流水席，也可以说是另一种难以忍受了。人人为我、我为人人，超越血缘、乃至种族的重组关系结构（新型共同体意识）似乎已成为面对当前世界的出路。

舒淇导演说她从2011年就开始构思这个剧本了，而电影的名字从头到尾都没有变过，一直是《女孩》。影片和片名一样，如同侯孝贤导演用“纯实”形容她本人，也带着一种朴实纯粹的电影感，以及女性创作者特有的真诚和温柔。那是把自己的生命体验真诚捧出来，放在岁月打磨后的光影里徐徐展开，冷静又炙热。这也是即使片中有些致敬侯导的痕迹，但依然是属于舒淇风格的作品， 是极少数用视听身临其境勾勒出了女性年少时的恐惧和困境。舒淇是真的成为了导演，那个当年躲在衣柜里的女孩，终于长成了站在暗影里不露声色的侠女聂隐娘。

从影像来看，是怀旧的，光影里满是侯导的影子。文本层面的女性叙事，则藏着舒淇最私人的表达。年近五十再来回望过往人生，寻求和解已经没有意义，我们在《女孩》里看见的是她直面伤痕的勇气。近乎残酷的暴力与恐惧，并非苦难叙事与并不刻意，只是记忆里从童年延续至今最切身痛楚的精准呈现。因为在明亮的影调下不乏温柔的人，导演寥寥几镜就勾勒出了她们让人安心的善意，这或许也是舒淇骨子里那份坚韧的来源。这种简练也存在于叙事中，留白恰到好处，不至于费解也能引人深思。而关于“门”的用法成了展现女性处境的直接表达，也是被困与破局的关键。

很感动，就是结尾有点过于草率了，其实互有对照的“女孩们”的关系本可以做的更好，却选择了这么简单粗暴的处理方式。首作入围三大主竞赛，背后这么多港澳台投资方合作伙伴，这或许已经是对于任何两岸三地新导演来说都是难以超越的成绩了。恭喜舒淇！

威尼斯版《想飞的女孩》。从柏威这两部华语主竞赛影片可以看出华语电影正在经历与世界电影话语的脱节，在议题和表达上完全无法与世界电影同步接轨，对比当前世界最前沿的艺术电影表达趋向存在着严重的创作滞后性。虽说这是舒淇的导演首作，但它既然跻身欧三大的主竞赛席位，不可避免地要以同等的眼光去看待。一些艺术电影已经开始探索如何用革命性的方法去表达最新的人类困境，另一些还在依赖传统的叙事模型，用已定型化、程式化的手法和裹足不前的表达来应对。《女孩》和《想飞的女孩》都重复着原生家庭的创伤、女性情谊的疗伤、亲缘关系的和解、个人成长的代价等等，对这类表达与拍法均停留在1.0框架内的电影真的已经审美疲劳了。倒不是主题本身有多么过时，而是处理主题的思想和影像化的语言有待更新。另外，剪辑和调色简直是灾难。

几乎是一个雄风不再的ED患者的重振之路，然妄谈所谓救赎自然不恰如其分，当做出一切尝试和努力后，却发现某种勃起的假象下实则毫无用武之地，心理的释怀与治愈并接纳实际生理处境或才能在重击下好友与爱人的闪回中重新拾得认输的重量，于是战败后依然在伤痕累累中欣慰，关乎个人也关乎美国，一种诡异的幽默感流淌其中，与擂台相对的生活场景大多以室内戏为主并隐隐填充着情景喜剧似的夸张神经质，美国选手在日本赛场结下的半生执念，布袋寅泰的独奏后《星条旗永不落》是那样孱弱，这些都值得玩味，强森在后段剃掉头发让观众更好的辨认出自己究竟是为了进一步代入角色还是进一步代入自己，传记片的单纯身份在此模糊，末尾真人本尊的登场和打破第四面墙将这种奇妙的平衡感和抽离感推向顶点，所有的演绎与构想被击碎，强壮的影像身躯轰然坍圮，一笑而过。

大篇幅的近景手持逼视Mark从运动场上的意外落败、生活中的一泻千里，视角时而在极力保持冷静但仍然聒噪的当事人和第三外来者之间不断转换，让观众在深入Mark内心和观察事态发展之间来回抽离。Benny无意渲染这项运动的热血沸腾和胜利的血脉贲张，也没有重复地讲“胜败乃兵家常事”的老掉牙的道理，一具具肉身如飞蛾扑火般投向这个在他们眼中无限着迷的运动，却也扭曲了他们对人际关系的理解。失败并不可怕，可怕的是失去那种对生活的掌控感并就此失速流离的滋味——哪怕那种掌控感仅仅在胜利的那一瞬间闪过。壮硕的肌肉仿佛是一个疲惫不堪的灵魂的刑具。但这个剧本实在是太偷懒了，大多数时候只能依靠打嘴炮来交代人物情绪，对千禧年代的呈现还算迷人，Emily在人设不讨喜的情况下发挥得还是不错！

本片最大的问题是方法的错位，不同于作为极性电影的《好时光》《原钻》，曾经风格化的视听、紧绷的叙事张力、高速的节奏螺旋和强烈的感官侵略性统统消失不见，前作是以一种文本（如“三一律”等限定条件）与视听高度吻合的动态关系所呈现的，由此去拨动观者感官神经的网络，甚至是对感官神经的劫持。而这部哥俩单飞后的新片《粉碎机》标志着这种动态关系的解体，小萨弗迪放弃了那套独一无二、高度协同的感官语法，但也并未找出一条兼容的新路径。取而代之的是叙事上的怠慢和视听上的降级。调度上毫无特点，且严重缺乏创意，也从未有情绪性剪辑介入的时刻。以前的萨弗迪兄弟或许可以说是感官粉碎机，而现在的新片就这么如流水账般铺开，堆砌着大量廉价庸常的吵架戏，失当的人生篇章截取更是无法激起情感反馈的回响。缺乏重点和结构的一潭死水。

对于这样一个改编翻拍了无数次的文本即使是德胖大概也只能在外观上提供可观的新鲜感，分外冗长的叙事节奏也为每一场景提供了足够的美学展示时间，但形式与内容的顾此失彼还是在大多数时刻让这个故事丧失了张力，闪电激活怪物这分外重要的一段呈现得如此繁琐还加上了一场过失杀人但比起詹姆斯·惠尔最初版本里那句雷霆万钧的“他是活的！”可谓事倍功半，而惠尔自身和那部电影彼此间的投射纠缠早已推动后世将这个故事的解读层次开掘延伸得相当全面，德胖这次的主题入手实在谈不上高级，怪物视角的叙事除却特有的对怪物的同情共感外也止步于俗套的悲情模式，事实上最终临别之前推动冰船的设计是非常打动我的，从非人到为人再到成神，如此简洁干练的完成了表意的递进，可惜全片只有这一处且随即落幕，或许德胖已经错过了拍摄《疯狂山脉》的最佳状态和时机。

没有任何必要选进主竞赛。德托罗重回熟悉且擅长的怪兽片领域，却没有任何将其翻新的雄心。曾几何时好莱坞叙事电影的魔力深深地吸引着我们，拜这种流水账电影所赐，叙事的力量早已被消磨殆尽。这个经典文本的焦点是通过二人的自述，让观众目睹一个灵魂的分裂面。所以叙述的交锋，话语权的争斗，作为一组“正反拍”的视角对抗是如此重要。谁是故事的发起者，谁就有资格定义故事的基调；谁有了讲述故事的权力，谁就在道德评判上占据了有利位置；谁赢得了叙事，谁就赢得了同情。这也本该是身体恐怖与哥特恐怖的绝佳结合，况且在身体的禁忌、造物的疯狂、双向的毁灭、神学的雄辩、人物关系的不可解等等方面都有着很大的发挥空间。很遗憾，它没能成为直面深渊的电影。远不够极致，特别想看法尔雅来拍。（btw影片一到暖调场景就质感极差

影片中的梦境段落，从抽动的，黑泽清般的介质想象，逐渐转向一种团队游戏，而本身的恐怖片属性，也逐渐过渡为关于成长与释怀的冒险电影。

有点像是整合了“猛鬼街”系列的第一集和第三集，用复古而颗粒感饱满的8毫米胶片呈现噩梦的做法实在Vintage，但现实部分冰湖雪原的粗糙VFX又让人难以入戏，这种分裂之间的连接和成立诞生于一种类型与年代的“恋旧”，形如通灵电话横跨时空和生死的最终治愈，一套朴实而真挚的关乎恐怖惊悚题材与传统保守情感价值观的回望和乡愁。

最开始以为片名是“余男”，看完觉得片名可以翻成：《镜子》里的《远方》与《乡愁》……细究其实还有《牺牲》和《索拉里斯》……所以翻成”远方乡愁“我就是在内涵导演。导演恐怕是这届最政治Buff叠得最多的人“生在乌克兰的叙利亚戈兰高地人”。片子拍得就是老塔+锡兰+安哲（音乐尤其是套着卡兰德罗写的我也是……）。总之就是非常的精致，但对看熟上面这几位的观众比如我就觉得比较无聊。当然汉娜·许古拉和岛上风景（比如那个堪比索拉里斯的名场面）还是相当值得一看的。蹲一个奖（可能艺术贡献？）

海水淹没大地，云层遮蔽日光，不知通往何处的铁道，不知开向何方的轮渡。看出了太多老塔、锡兰和安哲等大师的东西，说实话拍的是不错，导演的执行力也可以，但这主题实在够sb的，怎么还有人在用逼格拉满的影像去拍这么一个充满自怜情结的文本啊。本以为是对于政治避难的反解，结果还是我想多了。其次在叙事和表达上太拖沓了，片尾男主角的大段陈词更是要命。（btw 许古拉值得一个配角奖

前有罗尔瓦赫尔拍帅哥盗墓笔记，今有汤姆提克威拍尊者夺舍大法……影片格局够大，质量很硬，非常体现导演风格的多线叙事和（MV-广告式）花哨剪辑，并且这部居然还能算是个歌舞片！有两个唱段的编舞拍得还是相当不错的。仅看议题和质量，戛纳主竞赛都够格……但问题就在于，这部片子的意识形态表述，实在是让人有点担忧，不仅是外化在情节线上的对移民深入骨髓的恐惧，和对“典型德国失能家庭”的无情嘲讽与（居然是重回70年代的）想象式救赎。作为开幕片，我不知道这算不算是一种“全面右转”的信号。

对提克威这部新片的一切期待都化作泡影，看笑了，越往后越没谱，简直比约书亚奥本海默的《末日》还难看哎！（昨晚看完走出影院时外面正下着大雪，时间静止了，这一幕就比《光》要cinematic多了

最无聊的那种难看，保罗雕塑般的俊颜，也难掩此片的土气。一看是拍《玛丽和乔治》的导演，瞬间理解。每年戛纳主竞赛是不是有基片配额啊？这片如果换成异性恋根本不可能进吧！

改编之后增加的两个女性角色完全是废笔，连工具人都算不上；浪费了这么好的卡司，Paul和Josh完全不来电，那种暗流涌动的情愫交流根本不存在；前半部分比着原著流水账式地拍下来，算是无功无过；运镜老旧，上个世纪的人才有的调度思路；将原著中如天边流云一样稍纵即逝、不可捉摸的淡淡惆怅与战争对人的生命带来的凋敝感破坏得一干二净；可以抬走了

这史观真的是验证了何为“美国人一思考，上帝就发笑”，将大屠杀的幸存者境遇过度简化为记忆的传递、社交货币、新闻报道、电视台节目素材，但是随着媒介的变化，叙述的口气和方式欠缺更精细的打磨，没能体现出对那段历史不同角度的挖掘能力与反思深度，只能用“孤独”“安慰”“拥抱”这些非常浅显的表达，来传递大屠杀遗留下的深深的历史创伤，通过勉强煽情和强行设置泪点来大声告诉观众：你，不哭不行。

今年一种关注单元里又一部演员导演作品。人物和故事本身非常动人，尤其老奶奶实在是太太太可爱了。表面上是关于大屠杀记忆的留存和讲述，内核是对死亡及悲伤的重新认知。开头尤其棒，用一两个场景就把主角的性格形象，以及引领其后整部电影的情感纽带交代清楚，叙事十分高效，哀而不伤的基调也为接下来的发展埋下伏笔。可惜之后的拍法就越来越平庸，标准得没有一丝意外。结尾是能让人眼含热泪的，但基本源自角色和演员本身的力量，导演的贡献有限。只能说斯嘉丽·约翰逊的长片首作实在没什么个人风格可言，放在院线上映的话可以催到不少眼泪，放到戛纳就有点不够看。

丧子的阴霾挥之不去，精神难振作，妻子形同陌路，在夏日与侄女的短暂相处后，逐渐学会与痛苦共处的故事。以小田切让的角色代指长崎，核爆后重建至今，已没有了灾难的影子，但乌云未曾消散。在地的人们要想继续生存下去，必须学会面对灾难的历史，不然只能如优子一般不带走长崎一丝一毫，彻底地离开。 影片的摄影月永雄太也拍了三宅唱的《黎明的一切》，似乎将其中用坡道构建人物关系的方法用到了这部电影中 。因为长崎多坡道的关系，这点的运用更为丰富。同时影片也贡献了一场精彩的室内戏，通过障子门的隔断将几个人物在短时间内进行了多次的冲突重组，同时不忘添加细节埋下伏笔。 影片的问题是导演层面的，剧情连贯性较差，使得人物情感的转变较为突兀，导致演员成了场景表演训练，表演痕迹也因此加重，让本该写实的生活化表达变得不自然。

一看小田切让还是经典款造型就知道本片不会有什么惊喜，看完除了字面意义上的“剁手”也确实觉得如此。本片最大问题可能还是出在选角上，让松隆子踹了小田切让去跟这么普的一个男人过，剧作上得更大一点的事才有说服力……影片的“文学性”还是不错，“没必要和所有的人搞好关系”的中年废柴男日常丧写得到位，但全凭直觉生活的外甥女线就太弱（哪怕是替身文也行啊）；不过有些东西写成文字可以，拍成电影就差点意思（两人喝雨水那场戏得多强的信念感才能演……）。从另一个角度看，本片还是一部关于船厂下岗工人再就业，以及角色的国内国外移民的当下日本社会困境的电影。本片也再度印证了“后311电影”的“处理伤痛”母题，持续的干旱成为了某种“灾难”的表征，不过应对方式以及角色的态度都耐人寻味

真好！在人类的盛会中倍感疏离，却依然浑身上下闪烁着善良、温柔与不屈的光芒，曾感慨巴黎奥运的开幕式让我觉得人类还有希望，在女主的脸庞上同样能感受到那股温暖的真挚，实在天才的选角，去年夏天热泪盈眶的记忆又因她和这部电影而再添一笔。

轻盈的私人记忆在即将成为历史的“事件”中闪光和跳跃。这是筑成“宏大”的日常，是时间的光辉，即所谓的“时光”。

抛开奥运会这个背景，便是一部布哈克式的法式旅游片，通过周遭的喧嚣与不如意去看到平时被隐藏在自己内心的孤独。但奥运会的背景却十分重要，让影片上升了一个高度。将人物置身于现实的狂欢中，真实情景让虚构多了一份异质感，有了某种走出电影的感觉。而表达上也是围绕着奥运会进行的，展现巴黎在奥运期间的非日常时，也聚焦于运动之外的世界，既有系统制度带来的冷漠，也有反奥运行动的激情。当然也不全然是批判，女主对于游泳运动员的热爱，又恰恰戳中了作为一部“奥运电影”的核心。

我爱这个小片！这是独独献给奥运带给巴黎盛夏的喧嚣、奇遇、心酸和释然的小调，撕开巴黎虚假的“浪漫”称号，让那些稍纵即逝的快乐、不期而遇的小确幸和永远不会消失的互骂互呛，成为这座脏乱差城市的最好注解（但那也是我在巴黎最快乐的一段时间）

好喜欢，简单灵巧、清新怡人的一个小片，有些感伤主义的色彩，却没有丝毫的悲戚之情。更厉害的是本片在巴黎奥运会期间借景拍摄并快速完成了后期制作。每年看点这样的电影就是在救我狗命哇！

能在巴黎奥运会借景完成这部片子，导演就已经赢了。影片像是《弗朗西斯哈》《绿光》和布哈克（尤其《金银岛》和《南法》）的一个混合体，导演肯定也是熟读侯麦，片中甚至有一个颇为侯麦的“绿光时刻“。女主角笨笨的引人发笑，但是又善良得让人心疼；看着很社恐，但跟警察对线那场戏绝对堪称年度名场面。这部影片既嘲讽激进左派也嘲讽都市独立女性，同时对酷儿群体的价值观也有反思。最后落在一个”我不想跟别人分享我的生活“的极端个人主义表述上，是个有意思的表达。当然，因为借景拍摄也让影片略有些支离破碎，不过完全不妨碍它成为一部非常值得一看的佳作。

毕格罗结束了真实事件改编叙事，将目光转向了一种发生几率似乎愈加显著的假想，从“碟中谍8”到这部，相似的终极命题拷问也算是契合了美利坚政治军事精英们当下的某种精神焦虑，然而比起“碟8”痛快给出的圆满结局，《炸药屋》始终伴随着怀疑主义，即使人道主义思辨和形如各机要部门官僚去专业精英格局意识的返归平民冷暖时刻样样不缺，但抹除明确结局的做法还是让这出推演的目的变得复杂起来，归结到底或许还是毕格罗自身的原因，在电影中塑造英雄或恶棍自然简单，但现实终究没有那么明确的二元对立，多视角重现的叙事策略更像是一种质疑的审视，当好莱坞依然在银幕上拯救早已被这个国度折腾得乱七八糟的真实世界，毕格罗开始叩问为何如此及可能如何，这个结局可谓是反好莱坞反电影的究极挑衅和抗争，末日将至，没人还能继续躲藏在白日梦中独善其身。

毕格罗开始直视当代文明中最危险的核威慑体系。在这场剧力满格的时间竞赛里，毕格罗不只是去呈现外部危机，也不是来提供简单的道德答案，而是始终关注着极限压力下行动的瘫痪，系统的全线崩溃，以及个人与机制的一同撕裂。人物在倒计时中徒劳地寻找责任的归属，但在一个核武扩散的年代，问责制只是一种为了保持集体麻木所必需的契约，它是秩序与安全的幻觉。在这种核毁灭的终极恐惧之下，既没有罪犯，也没有人质，所有人都是自毁程序的祭品。所谓的防卫逻辑背后首先在于如何归因责任，而不是出于对民众的保护，搜寻可归罪的对象无关真相、正义或复仇，而只出于一种功能性的需求，即系统需要一个input，以便执行其预设的output（多层级、多部门是因为找不到输入源而焦头烂额）。问责在此是无效的，因为它指向了系统本身，而系统有权自我豁免。

世界末日前的18分钟，末日忽然到来时的措手不及拍得很到位，从玩笑到重视到紧张，情绪随着音乐、剪辑和倒计时逐渐升高。但问题在于三线叙事只是将同一个故事讲了三遍，每次讲述并没有为叙事提供任何信息，观众情绪也很难逐一递进，结尾来临时紧张感并没有比前两次更甚。 当然，毕格罗没有把重点放在如何讲好故事上，她更希望让银幕前的所有人真正感受到核危机离我们并不远。电影通过多视角的方式，尽可能地辐射到决策群里的每一个人，力图让每个人物都具备活人感，而不仅仅是国家机器，以此投射到银幕前的观众身上，让这次世界真正与“我”有关。不过这样的拍法是否也有美化政府的嫌疑，片中的这些人情味真的能左右国家机器发动战争吗？

小川绅介说：一部电影从你想看时它就开演了。对一个有幸与EVA共存成长的观众，26年的周期，9年的盼望，相信有无数影像历经了作者的头脑风暴的洗礼，使人更不能去质疑如今成片中的每一画格的“正确性”。在终点向起点眺望，庵野秀明通过碇父子等无数镜像的叠化让观众在EVA（神话/作品）存在的真实世界去幻想去面对一个EVA不曾存在的世界：

别离，对一同经历了1/4世纪马拉松的观众的影响是难以预估的，才能明白庵野的抑郁、真嗣“把绫波还给我”的愤怒、以及源度不惜弑神也要与唯重逢；只有在《终》才恍然大悟的“人类补完计划”的真意。作为缔造者和终结者的庵野秀明最难抽离却必须抽离；所谓的成长，就像神似小姐一般体面的和过往说：你好…谢谢…再见。

再次相信他人的瞬间，再次赋予言语意义的瞬间，再次让曾经体认过的互相流逝成互为他者的瞬间，再次舀动透明的美好世界回到各自组成混浊的瞬间。多年后重看，我能确定当年我着迷的的东西现在依旧没变，我并不关心庵野秀明如何焦急但装作有条不絮地画上句号，完成怎样的成长仪式，成为怎样正常的社会人，因为庵野乃至《EVA》都宛如背负着日本动画的某种责任，这些责任必定驱使着角色通往某个必然的结局，然后终结动画的一切。面对现实之逼真，自卑的动画通过这些“再次”确认自我的方式，纵身一跃到现实：关于绫波丽迅速经历的“再次”出生、成长、死亡，让所有的日常的言语都暗含着决断；关于在《Air/死与新生》中被现实侵蚀殆尽的虚构，又是如何在“再次”的终结中复魅，它不是一下子来到充满逻辑的现实，而是一层又一层剥茧抽丝暴露手绘动画之身体的每一层纹理——首先有线条，再有颜色的界定，接着是世界的呈现。若说《EVA：终》启示了什么，那就是“虚构”势要与不自由的现代共存。

梦醒的成人礼。当新剧场版对原TV构成进行了极大的通俗化改编时，后两部乐章的全新变奏反而又将作品关注的群体聚焦于庵野自己和同他相近的人。EVA的成功却成为禁锢，从昔日GAINAX的分道扬镳，到巨大的创作压力带来的精神危机，走出抑郁的阴霾，于作品本源去和解与再度出发，制作终局的旅途化作对过往的拥抱与告别，蜕变为似曾相识却又焕然一新的元作品，这不仅是完美空想造就的电影，更是五味纷呈的回忆录收尾，陪伴一路走来的你我共同去放下和交付。深深感受到最后半小时的精神漫游中庵野的坦诚、决绝与温柔，留下抚慰和寄托，以离别那维梦境的方式——动画世界与现实世界多重介质的交融补完。“再见了所有的福音战士”，《惑星大战争》的配乐预兆实拍“冲击”的降临，特摄作为理想中的最佳形式，庵野的究极补完开启，“终”后，他仍是少年。

27年之久的坑总算平了。情怀不能说没有，但事实就是：比起这个坏透了的时代，这些中二的幻想真的没那么重要了。层出不穷地往外丢设定和名词，只让人觉得烦躁。不过这个破次元壁的做法还真是蛮反传统的，虽说艺术片里并不少见，但用在这么一个时代症候甚至心灵史级别的IP上也大概只有庵野秀明能做得出来吧。看完回想一下，这个故事还真的只能这么结尾。这，值得一个致敬了。

作为几十年EVA厨，抛开感情分，重看也只能给到《终》这个评价：所有剧场版里最差的一部（甚至差过搞成新海诚式世界系恋爱番的《破》）。作为大决战的一章，全片150多分钟竟然没有一场像样的战斗演出（只有开头的巴黎部分相对较好）。除了13号机，其他新EVA的设计就像小孩子玩乐高，不同零件东拼西凑，比杂兵还杂兵，乃至于后面开始一个个EVA道别的时候把这些也放进来凑数就显得特别可笑。各种冠以宗教哲学名词的新设定一通塞，不显高深只显中二，旧版里已有的宗教概念都是自洽成体系的，新版新加的那些除了让声优念起来拗口一点装逼一点根本毫无叙事功能。还有鹭巢诗郎也不灵了，《终》里新写的BGM没有一首能听的，特别是WUNDER开战时的配乐可太突兀了。

结尾一个个角色轮流搞精神分析更是笨死了，虽然主题一脉相承，但旧剧场版里补完针对的对象有且只有真嗣一个，他是庵野秀明的投射，也成为观众的投射。新版里却变成全部主要角色的小传集锦？如果说旧版是庵野秀明拍给自己的自我和解，那整个新版就是拍给粉丝的圈钱计划，因此比起讨论剧情本身，讨论庵野秀明的心境变化其实更有意思。还有引进版那梦魇般的土鳖名字，EVA世界都轮回过一次了，此地还是一成不变，也算是“轮回”了。

低配版《死神来了》，无差别屠杀的点很好，引入家族族谱和兄弟反目成仇的戏码就有点没事找事。在院线看还是不错的，部分屠杀场面似乎裁剪放大了些，还有就是不知道为什么保留部分爆头血浆的同时又把一部分疑似做黑白和模糊处理了。

意外的好笑，奥斯古德·珀金斯收起了《长腿》充满争议的神秘主义叙事口吻，彻底放开了一通胡闹，然而各种黑色幽默的死亡段落之外，依旧紧紧围绕着一个破碎家庭的悲剧命理展开故事，珀金斯特殊的家庭成长经历似乎让他对待稳固而安逸的亲情关系始终充满怀疑，同时又笃定命运的不可知论，于是看似轻浮的血腥玩笑成为某种粉饰，观众倒也并非需要去共情创作者的私人情感，但应当强调的是珀金斯与恐怖电影间宛如片中少年和怪猴似的伴生关系。