在2017年前后，她开始举办个展，并逐渐建立起鲜明的艺术身份。评论界对她的早期展览评价颇高，认为她以女性的敏感与抽象的力量重新激活了绘画这一古老媒介。她不追求图像的“完成”，而是追求一种“生成中的状态”。她笔下的形象仿佛在宇宙微尘之间游动的生命体——有机、流动、模糊，却充满能量。

艺术评论人Roberta Smith曾评价她：“她的画像一种视觉的梦游，既混乱又有秩序，是绘画作为感知语言的一种复苏。”

基米尔的绘画世界，最核心的关键词是“梦”。但她笔下的梦并非浪漫或叙事的，而是心理性的、超现实的。她从弗洛伊德的“梦的解析”与荣格的“原型理论”中汲取灵感，将梦境理解为意识与潜意识的交界地带。

在她的画中，那些无形的意识被具象化为流动的形体——有的像生物、有的像星体、有的像神经突触。它们没有清晰的边界，却充满生命感。色彩在其中流淌，像梦境中无法固定的感受。她用层叠的涂层构筑空间的深度，用细微的光点制造漂浮的幻觉。观者仿佛被带入一个液态的宇宙，在那里，视觉与心理融为一体。

她的梦境绘画，与20世纪的超现实主义者不同。她不追求奇观，而追求“意识的质感”。她笔下的梦更像一种精神的地形图，一种映照内在结构的视觉语言。色彩在她的作品中，是最具魔性的存在。她的色彩并非装饰，而是一种能量——它流动、爆炸、对抗、互相吞噬。

她擅长使用荧光粉、霓虹颜料、黑光涂料，让画面在光照下呈现不同层次的亮度与温度。她称这种绘画方式为“光的化学反应”。她说：“我用颜色去制造事件，而不是去表达情绪。”

她的画布常常像一场色彩的爆炸——蓝、紫、橙、粉在层层透明叠加中形成空间的张力。颜料的流淌像液态金属，又像星云的扩张。观众仿佛看见的是宇宙在生成，或是思维在扩散。这种对色彩的掌控，使她被称为“情感的炼金术士”。她将色彩视为心理物质，通过叠加与分解，炼出意识深层的光。她的色彩不是为了覆盖，而是为了渗透。她让色彩成为一种心理的呼吸。

在她的展览布置中，基米尔经常让作品以群落形式出现。画作彼此呼应、重叠、延伸到地面与墙角，形成一种连续的视觉流。这种展示方式让人联想到德国艺术家Albert Oehlen的“空间绘画”理念——绘画不再是独立的对象，而是一种场域。

她也经常使用黑光与反光材料，使观众的身体成为光的反射面。观众不再只是看画，而是被画照亮、包裹，甚至“吸入”。这种互动性带有哲学意味——她在反思“主体与客体”的关系。当观众的存在成为作品的一部分，绘画就不再是一个固定的物体，而是一种“流动的关系”。这是她对抽象传统的一次更新：抽象不再只是形式的自由，而是一种感知的共鸣。

在基米尔的语境中，“宇宙”从不是遥远的天体空间，而是一种“身体内部的延展”。她说过一句耐人寻味的话：她笔下的线条、点状结构、流体形式，的确常常像神经突触，也像星系图。这种双重隐喻构成了她作品的核心：宇宙与身体的互为映射。她将微观与宏观统一在一张视觉的星图里——那既是脑海的地图，也是宇宙的剖面。

她的宇宙并不具象，但它具有“呼吸感”。色彩像气体一样流动，形状像细胞分裂一般增殖，观众能感受到一种“生命在生成”的力量。她的宇宙并非冷漠的，而是有机、温度的，是一种可感知的意识空间。

基米尔对科学与哲学的兴趣，也渗透在她的作品结构中。她阅读量惊人，从天体物理到量子意识，从荣格的“共时性”到德勒兹的“生成哲学”，都成为她视觉思考的燃料。这种思想带有某种“新唯心主义”的色彩，也让她的作品与当代“科技—灵性艺术”（Techno-Spiritual Art）相接。她在视觉上模拟宇宙的生成，而在哲学上探讨意识的本体。每一幅画，都像是一次“能量的物化”——从无形到有形，从心理到物质。

基米尔的实践可以被视为“后抽象”的一个新方向。她继承了抽象表现主义的情感强度，同时融入了当代科技的空间感与女性主义的身体意识。她不再局限于画布，而将“抽象”转化为一种整体世界观——一个关于能量、意识与生成的持续叙事。艺术评论家Jonathan Griffin 曾评价她的作品：“她的绘画让我们重新理解抽象，它不再关于形式，而关于存在。”

或许最让人印象深刻的，是她将虚拟技术与灵性体验结合的方式。她并不使用宗教符号，而是通过空间与节奏唤起某种“冥想式的存在感”。观众在她的作品中失去参照系，却在失重中获得新的自我感知。在基米尔这里，行动仍然存在，但意义发生了转变——她的“行动”不再是对抗性的，而是感知的。

她不再用画笔宣泄力量，而用色彩传导情绪；不再将画布当作“战场”，而视为“能量场”。她在其中注入了一种更具流动性、更具包容力的女性气质。她的抽象不是爆炸式的，而是渗透式的；不是高喊的，而是低语的。那是一种“女性星云”的逻辑——没有中心、没有边界，却持续生成。