“刘庆和：同尘”：展厅是作品最好的舞台

对我来说，作品成型和文字成文一样，就是一个没有头绪随性发生的过程，有时觉得才思泉涌，有时觉得语塞难言，待到作品完成时所表达的主题与最初的意向已经偏差了。主体思路不明确的好处是随时可以产生新的主题，不好的方面是思路不够贯穿形象模糊。在别人看来我的创作大方向已经固定或者老调重弹，而我自己还以为找不到方向。人生过半，“迷失”的状态本该早成过去，没想到现阶段还很受用，这让我在年龄上还像是没有跨过“不惑”这道坎。一件事情想做又懒得做，最后不得不做，做了又觉得本该做得更好，这其实更像我的样子。

用“走心”这个词来形容作品完成后内心的状态还是比较准确的。因为神情从身体里抽离，留下的也许就是个壳，随即，作品解读也就变作了台词背书。鲜花后面大屏幕播放着曾经的苦难，都明白想说明些什么。有没有必要以所谓新的覆盖曾经熟悉的，这一心态是自“苏州计划”展览之后慢慢出现的，这个时候经验恰恰起了反作用。那是在作品完成的一刹那出现的挫败，一时间厌倦感随之袭来，继而有了逃离的念头儿。好的状态是什么呢，未竟实现的都是好的期待吗？还是靠实现来证明了。  

“同尘”是这次展览的主题，同时在主题下又分设了四个角度，这其实正好证明了我的工作难以切入主题的状态。经过了较长的一段时间，零散的碎片逐渐捏合在一起，呈现了几个不同感受的方向，开始轻慢犹豫，慢慢的心态随之沉重起来，心也慢热了。在同尘的路上，生活越来越像个旋转舞台，表演也越来越戏剧化，各种扮相“粉墨”登场。主动、被动的角色按照自己的视角看着对方也与观众对视，序幕展开也终将落幕。每一次展示都想与自己的以往有个隔断且有新的绽放，但终究还是沉浸在回望当中。“白话”就是回望到的那个需要解读添加注脚的年代，显现出了止步或倒行的消极姿态。有科学研究见证，到达一定深度的海底世界是无色的。现实生活中，没了颜色会让我们失去辨别力量，没有形色对比，你我之间没有参照，一片混沌。“灰%”想要讲的大概就是浓妆艳抹、富丽辉煌的短暂和灰色沉寂的绵长，因为，所有的一切都奈何不了时间将之褪色，然后送上一条灰烬之路。

定义作品的意义其实也是敏感的，留给别人或留给自己都是难题。就作品来说，在其生成的同时带出来的力量，所能产生的影响就已经说明了作品本身，好与坏都是在作品中感受到的，所以也就都是对的，同时意义也就存在了。 

2018年4月写于北京T3艺术区

入口正对的墙面，一个粉色的幕帘下，一个巨型姑娘“粉墨登场”；另一盏聚光灯照亮了一个角落的十一个蹲踞者，大部分是女性，她们背对观众，或抱头或捂脸；只有其中一个直面观众，露出一张纯真的、卡通一样的脸。她们的头顶上，悬着一块巨大的、不规则的黑石。另外的墙面，另外的聚光灯下，暧昧的红色帷幕交叠着妖娆女性的侧影；一张男人的脸；一个抱着双手的老男人的侧身像；一个穿制服的保安半身像；和一条蠕动着的巨大青虫……一一浮现。

——中央美术学院教授李军《在永恒轮回中醒来——读刘庆和“同尘”》

《离岸》，长卷式构图中加上画中画式的矩形框架，起伏的山峦置于下方，十分类似于北魏《孝子棺》中开窗户式的多层次构图。色墨画虽少，却十分精彩，尤其是《灼日》。当烈日灼空时，我们的抒情主人公不惜站在悬崖边上，也要采取了背向阳光的姿态。但这件作品中，最引人注目的它采取的视角：既非仰视，也不是俯瞰，而是一种恰到好处的平视；这一构图形式似乎意味着：在人生之路上，“他”只欲站在中间，不上不下，不高不低，十分困难地保持着平衡。

——中央美术学院教授李军《在永恒轮回中醒来——读刘庆和“同尘”》