名和晃平 | Kohei Nawa- 大数跨境

漫艺术

2019-02-22

导读：生命最原初的律动。

我对于这个地球上的所有现象和物质的兴趣要早于我的创作本身。有时候正是这些持续变化着的物质在引领着我去发现那些使人类的感知力可视化，或是将无形的“力”可视化的现象。在另外一些情况下，我则会非常慎重地进行研究，来选择用哪种材料和组织形态去创作，才能更加接近我试图在一样独特的作品身上产生的表现力。

——名和晃平

Kohei Nawa

（b.1975）

Kohei Nawa, a Kyoto-based artist who is currently active in digital art, sculpture and architecture. He received his Ph.d in Fine Arts Sculpture from the Kyoto City University of Arts and currently working as an assistant Professor there. In his practice, glass beads, prisms, glue, plaster and spray foam are fittingly used to distort and magnify the objects original contours, in an attempt to replace the object by "a husk of light" as the artist himself explained.

名和晃平，生活工作于日本京都，近年在国际上崭露头角的年轻艺术家，雕塑家。2003年从从京都市立艺术大学雕塑系毕业后留校任教，担任艺术设计系助理教授。名和晃平多采用玻璃珠子，棱镜，胶水，石膏和泡沫等材料覆盖创作对象的原始面貌，重新勾勒其线条，来表达他对表层的感知和思考。

名和晃平的作品持续关注一个核心概念—细胞。作为构成一切生物的基本观念，细胞的增殖和死亡是宇宙间生命更迭的最基本形式和过程。也许，艺术家创作的原始动力和灵感是提醒我们生命最本原最纯粹的存在方式。

Moment

作品Moment中，艺术家控制匀速摆动式绘画装置—滴墨移动设备，在纯白的画布上留下了直线，曲线，漩涡线等团。随意性和精确计算两种截然不同的方式相得益彰。根据装置气压和距离、圆周运动的速度等物理条件不同，画布上留下了不同的运动轨迹和运动力量。摆动的轨迹在视觉呈现中给予观者时间和空间的感受。

Prism

盒子相当于一个细胞，被棱镜覆盖后，随着观察角度不同，内部的物体时而出现时而消失，失去了真实质感，独特的观看体验麻痹了观众对实质物体的感知。艺术家用被棱镜覆盖的“细胞”，暗喻在信息时代被电子屏幕覆盖的日常，在其中生活的我们对事物虚实的感知也被逐渐模糊。

Force

装置Force，调和成工业浓度的黑色硅油从天花板的装置受重力作用缓慢流下，在地面形成黑色的浅塘，如同雕塑融化成为液体，既像液态化的雕塑，又保持着液体性。事先通过缜密的构思，在呈现的空间雕塑中，时间、空间和物质便成为观众的关注焦点。

Foam

Nawa混合洗涤剂、水、甘油打造了一组巨型泡沫。小泡泡在不断生成然后破灭，再不断生成…就像细胞的新陈代谢。泡泡通过自律性的生长方式，逐渐产生大块的泡泡集合，最后生成如同绵延的山脉和漂浮的云海的巨型泡沫，黑白的强烈对比也给置身其中的参观者巨大的视觉和心灵震撼。

Glue

作品Glue系列的着眼点是利用热塑性粘着剂以探寻素材与其物质性的契合度

名和晃平在他为爱知三年展创作的装置前，摄影：Kentaro Takahashi for The New York Times

本文节选于《艺术新闻／中文版》第53期，2017年11月

名和晃平：在过去与未来之间 （节选）

采访、撰文／谢斯曼

生于70年代的名和晃平是日本新一代艺术家的一员：他们深受传统文化影响，但在成长和接受教育的过程中又迎来了流行文化和新科技的冲击。对于他，热烈地拥抱前卫新兴科技，又深深敬畏甚至质疑其所带来的诸多未知并不矛盾。

名和晃平1975年出生于日本大阪，并在京都市立艺术大学取得雕塑艺术文学学士及雕塑艺术博士的学位。作为佛教与古典底蕴最为丰厚的古都之一，京都对名和晃平的影响是巨大的。在校期间的他热爱佛教造像和寺庙，曾一度想朝古典艺术的方向发展，直到1996年，他偶然间参看了葛姆雷在日本的首个巡回回溯展“静止中移动”（Still Moving）。

名和晃平向《艺术新闻／中文版》回忆起这段往事：“纯属偶然。当时的我对当代艺术毫无兴趣，古老的事物更吸引我，比如日本古庙、佛像之类的宗教艺术。但当我看到葛姆雷在日本的展览之后——那会儿我还在上学——我真的被他的雕塑以及他的创作逻辑震撼了。他的作品在材料和形式上都极具逻辑性，而且他对传统雕塑的态度是批判性的，这些都让我很欣赏。而且其实葛姆雷也对佛教、印度教、冥想等非常感兴趣。两年后，我得到一个机会去伦敦做交换生，也就是在那个时候，我彻底决定要开始做当代艺术。”

以“打破艺术界限”为目标的名和晃平，其20年来的创作所涉及的领域从雕塑延伸至绘画、表演艺术及多媒体装置。尽管如此，他最为人所熟知的作品大概还是“PixCell”系列：一只只由鹿标本和大小不一的玻璃球所组成的雕塑作品，而这些鹿标本全都是艺术家从网上购买的。

Kohei Nawa, PixCell-Red Deer, 2012, taxidermied Red deer, glass, acrylic, crystal beads 现藏于 National Gallery of Victoria, Melbourne © Kohei Nawa, courtesy Sandwich, Kyoto

“PixCell”系列作品首次创作于2003年，据说名和晃平无意间在网络上看到有鹿标本出售，电脑显示器上鹿标本图片的像素单位（pixel）启发了他。他将网购回来的鹿标本的表面粘上体积各异的玻璃球，一件原本“天然”的动物标本顿时幻化成为华丽的雕塑作品。

创作的过程并没有想象得那么简单，因为玻璃球并不是随机摆放的。“这个创作的过程没有任何恣意的成分。”名和晃平说。在最后覆盖玻璃球前，他已经规划、标注出所有玻璃球的位置，并已经仔细研究过每个玻璃球会给观者带来的视觉效果。

透过玻璃球，观者得以观察到被折射、扭曲的鹿表皮，原本被人忽视的细节都纷纷浮现出来，并被无限放大。更重要的是，这些玻璃球象征着细胞（cell），而细胞是最细微、最基础的生命单位，是万物的起点；将微小的物质单元放大，让鹿的表面覆盖满不计其数的“细胞”，这是艺术家对微观世界和事物本质的认知与观察集合表现在雕塑中的一种形态，作品系列名称很显然也透露了这一意图：“PixCell”是单词“pixel”与“cell”的结合体。

“看似华丽的‘玻璃鹿’摆在我们面前，但它却不是真实存在的。”名和晃平曾解释说。“玻璃鹿”华丽的表征下，是死去的生命；而被扭曲、放大的表皮细节也不再真实。针对真与假、生与死、物质与精神、微观与宏观之间的对比与思索，从一开始就伴随着艺术家的创作进程。

一面是对宇宙奥义的感性探知，一面是格外理性的创作方式，名和晃平看似矛盾的艺术方法论事实上又以一种合理的方式生长着。生于70年代的名和晃平是日本新一代艺术家的代表：他们深受传统文化影响，但在成长和接受教育的过程中又迎来了流行文化和新科技的冲击。“我们这代人不再觉得‘代表’日本是艺术创作中的一种必须”，名和晃平说。

话是如此，但没有人能够完全摆脱他的文化背景。从名和晃平的作品中流露出来的，是他这一代艺术家的新“日本身份”：热烈地拥抱前卫新兴科技的同时，又深深敬畏甚至质疑其所带来的诸多未知。