奥拉维尔·埃利亚松(Olafur Eliasson)
丹麦籍冰岛艺术家，近年来全球最受大众欢迎的艺术家之一，他的作品语言能够超越国籍，引发社会各个阶层的讨论。2016年“全球私人美术馆占有率最多的艺术家”榜中，年仅49岁的埃利亚松获得全球第8位，排名仅次于毕加索。
埃利亚松真正的创作早在艺术学院学习期间就已经开始了，1993年他创作了一件与彩虹有关的作品—《美丽》(Beauty)，通过喷射的水雾与光线作用使观众在特定角度看到彩虹的光晕，感受不同的光色魅力。当然这件作品现在看来似乎并不成熟，技术难度相对于他以后的作品也不可同日而语，但却明确地向世人显露出埃利亚松今后艺术道路的方向。
从1997年起，他的个展去到了世界各地的著名博物馆，纽约现代艺术博物馆、柏林马丁葛罗比物斯博物馆、圣保罗美术馆和威尼斯双年展等等。
2003年泰特美术馆“天气计划”（Weather Project）展览现场
2003年，泰特现代美术馆腾出了整个涡轮展厅，邀请当时只有36岁的埃利亚松在此举办个展。
5个月的展期，吸引了200万人次的到访，一时间让埃利亚松变成了全社会的焦点。借着这轮“太阳”，埃利亚松向全世界告白了他的艺术观。
“说这件作品好与不好的人都有，可是人们进来后意识到，在我身边就有和我观点完全不同的人，我们却可以包容彼此。
2003年泰特美术馆“天气计划”（Weather Project）展览现场
1967年出生在丹麦首都哥本哈根的一个普通家庭，小时候的艺术熏陶来自他做厨师同时也是名业余艺术家的冰岛籍父亲，而他的母亲则是当地的一名裁缝。父母离异后，埃利亚松和热爱艺术的父亲一起搬到了冰岛生活，那里独特的自然和人文景观塑造了埃利亚松敏锐的感知力，对他日后的创作影响深远。
除了炙热的太阳，埃利亚松的许多作品都与光有着密切联系，而这一切都要追溯到他的幼时时光。小时候的每个夏天，他都会和父亲在冰岛度过一段惬意时光。有一次父亲在船舱上面悬挂了一只笔，船颠簸时笔就在纸上走出水波的痕迹，让埃利亚松在无形中学会了如何把感官的敏感转换成作品，光与影也成了他创作的一大特色。
《美》，1993年，黑色的房间里，细细的水雾从天花板缓缓而落，光折射在水珠上，散出一道彩虹幕，美到不可思议。
冰岛的一切也融入了他的视野，成为他艺术创作的底色。天气、降雨、河流、冰川、彩虹…统统涌入到他的脑海里，成了他信手拈来的素材。
《你的彩虹全景》，装置，2006-2011年，展示于丹麦奥胡斯艺术博物馆（ARoS Aarhus Kunst Museum）。
2006年，埃利亚松与工作室迎来了最复杂的一个项目，纽约政府邀请他为这座城市打造几件公共装置。
埃利亚松在纽约漫步了很久，最终决定在城市中打造四个人造瀑布，以期用水流触发市民对空间的感知。在资金链断裂之后，他突破重重困难，终于让这个作品在2008年完美面世。
《纽约瀑布》（New York Waterfalls），装置，2008年
《你的星星》，装置，斯德哥尔摩，2015年
暂存性或者说瞬间的体验也是埃利亚松所关注并在作品中试图探讨的。他的很多作品都是处于变化中，偶发或者临时性的。而且不同于平静的对视式的传统观看方式，埃利亚松的作品往往需要全方位的身心体验，很多时候需要观众进入作品内部，在感受作品的同时也成为作品的一部分，这种互动对于埃利亚松作品的实现度是必不可少的，否则其作品的绝妙之处就很难发挥出来。
他曾在瑞典斯德哥尔摩创造出一条绿色河流，在伦敦泰特美术馆中创造了一个昏黄太阳，在纽约创造出四条银带般的瀑布，他还在丹麦奥尔胡斯市留下一道永远的彩虹...
《双重落日》，1999年
一个不断地假自然之手、科学之手，创作出永恒的气象万千的艺术家——奥拉维尔· 埃利亚松。
《你的星星》，装置，斯德哥尔摩，2015年
这些仅仅是奥拉维尔·埃利亚松作品的惊鸿一瞥，他给世界留下了无数次美的启发，凡此过往，皆成序章。
《你的全视界》, 2015
以各种面貌出现的镜面，才是埃利亚松的作品中最突出的，也是最重要的元素，圆形的、多边形的、球体的，玻璃的、金属的、水面的，单独的、组合的、叠加产生万花筒效果的，镜面加上经过精心设计的灯光效果，在美术馆的清水混凝土建筑空间里造就了大量光点。因此，展览也成了自拍者圣地，有些人盛装打扮的程度堪比仙侠片造型，他们和自己的无数镜像合影，与展览的标题形成了有趣的呼应。
《开放的金字塔》, 2016
大型装置《开放的金字塔》这件作品离地两米左右，铝制框架上覆盖反光板，构成一个凌空的金字塔形顶盖，一束光线从尖顶处的开口射向地面，营造出独角戏的舞台效果。但是站在聚光灯下抬头看，会发现自己的形象连同圆形光斑一起被反射在金字塔内部各个镜面之上，倾斜的镜面相互折射，让人产生身处立方体之中的错觉。从这第一件作品开始，埃利亚松全程都在强调，不仅是艺术作品，包括美术馆在内的空间本身，都是建构物。
少年时期学习霹雳舞的经历，让埃利亚松从生理上直观地意识到身体与空间的关系，在美术馆里，参观者的体验不是固定的、可能性是多样的，与空间规划密切相关，当然最终与人的主观选择相关。他有意让人注意到美术馆中通常被视而不见的东西，它们要么不在展览的动线之中的、要么被作品的光芒所掩盖。
因此，他将异形一般有多个触角的《和弦屋》摆放在美术馆中的特定位置，人走进这个装置之中，透过装在触角上的透镜，可以实时观察到美术馆的各个角落。
《和弦屋》
还有《暗箱》，作品所在位置原是一大面落地玻璃窗，窗外是徐汇滨江的江堤，但由于行为惯性，参观者就算注意到窗外的景色，也未必把它当成观展体验的一部分。埃利亚松将整面玻璃窗用遮光材料封起来，利用小孔成像的原理在幕墙前制作了一个圆形投影，窗外的人和物以倒影的形式被投射进美术馆——设置了观看障碍，原本被忽视的事物就成了焦点，正如艺术家所说：“展示艺术，不是只有一种真实的方式，不过是我们的选择问题。”
《暗箱》, 1999
对自然科学的热情是埃利亚松作品的另一个显著标志，这使此次展览充满宇宙感和未来感，同时令文科生很难准确地描述他作品的构成和原理。在拥有极端气候、地貌和天文景观的斯堪的纳维亚半岛及冰岛生活的经验，对埃利亚松创作的影响显而易见，他不仅仅建构我们周围的空间，也建构更宏观和原始意义上的空间。
《植物观赏》, 2003
在《东庄日照图》和《天空凝视环》中他探索了太阳和行星的运动，《环形彩虹》和《美》研究了彩虹的形成，《来自未来的桥》是一个漩涡状装置，顾名思义，漩涡深处是通向未来的道路，反映出艺术家对“螺旋和漩涡中的动能”的兴趣。
《来自未来的桥》, 2014
《你的多元视野》, 2011
因此，当我们看到一个“宇宙”（球体）和一片浩瀚星河（切面）的同时，也能看到无数张自己的脸。意识到自己的存在，这让人从炫目的幻觉中清醒过来。在哲学意义上，埃利亚松揭示了人之所见很大程度上是人头脑之中的创造，他制造了宏伟的幻象，并让观看者了解到幻象的本质和观看的本质。
《道隐无名》，2018
中国北京红砖美术馆曾开启奥拉维尔·埃利亚松时间，展览以充满东方智慧的「道隐无名」为主题， “Olafur Eliasson: The unspeakable openness of things”，引自哲学家、同时也是埃利亚松挚友的蒂莫西·莫顿。
《冰川风景》，2018
《明日共鸣器与昨日共鸣器》，2018
埃利亚松经常鼓励观众在各个作品当中穿梭，通过身体对作品的感受去感知那些无法描述的体验元素。
《未思之思图志》，2014
对埃利亚松来说，艺术作品是通过艺术家在工作室进行创作，加上艺术品实体与观众之间的互动共同生成的，观看并穿梭于艺术作品当中，观众参与了协同创作的过程之中，这对作品意义的生成起着至关重要的作用。
《水钟摆》，2010
在光、雾、影、水将构成其如梦如幻的展览空间，观众可以穿梭于不同的装置作品之间。从第一件特定场域作品《黄太阳》的强光开始，渐渐走进幽暗的世界，最后在黑暗的空间内欣赏《聚合彩虹》。
《聚合彩虹》，2016
由埃利亚松和已逝老搭档Einar Thorsteinn共同创作的作品《声音银河》也贯穿其中。
《声音银河》，2012
埃利亚松在2003年威尼斯双年展丹麦馆中首次展示的重要作品《盲亭》也在展厅外的庭院中呈现。
《盲亭》，2003
在埃利亚松看来，艺术不仅仅是作品本身，而是对可能性和相对性的不断认识，“看见自己的观看，感知自己的感知”，艺术也正是在这个层面上能够深深地感动人。
图文来源于艺维ArtHUB
图文来源于艺维ArtHUB
更多精彩内容，请关注《漫艺术》“内观与旷达”专刊！
合作或投稿
请发邮件至：maanart@163.com
