这篇给大家带来一篇文章，作者是Jeffrey Katzenberg，他在文中思考了AI对我们的冲击，我觉得蛮有启发的，历史总是惊人的相似
作者简介
杰弗里·卡岑伯格（Jeffrey Katzenberg），1950年12月21日出生于美国纽约，著名电影制片人与传媒高管。1984年至1994年担任迪士尼影业主席，任内主导推出《小美人鱼》《美女与野兽》《阿拉丁》《狮子王》等“迪士尼文艺复兴”时期的动画经典；1994年与史蒂文·斯皮尔伯格、大卫·格芬共同创办梦工场（DreamWorks），长期担任梦工场动画CEO，出品了《怪物史莱克》《马达加斯加》《功夫熊猫》《驯龙高手》等全球知名动画系列。2016年梦工场动画被NBC环球收购后卸任CEO，2017年与梅格·惠特曼共同创办风险投资公司WndrCo，并推出过短视频平台Quibi（2020年关停）。他的职业生涯横跨好莱坞与硅谷，是业内最早公开拥抱AI的动画掌门人之一。
x.com/jeffreykWNDR/status/2102774995315245469
《世界正在改变：AI 时代的创造力》中文翻译
作者：杰弗里·卡岑伯格
几个月前，我坐在硅谷的办公室里，看着一位科技创业者向我展示了一件非同寻常的东西。屏幕上是一个制作完成、光影精美、构图考究的动画场景。它令人惊叹，让我重新体会到了1986年观看《顽皮跳跳灯》（Luxo Jr.）时的感受。那是我第一次看到电脑动画的3D角色“呼吸”，并且在一切逻辑之外，仿佛拥有了生命。它让我叹为观止。
当天晚些时候，我收到了一位相识三十年的艺术家发来的短信。她住在350英里以南——那座我职业生涯大部分时间所在的城市。在看过一段类似的视频后，她问我：“这是我们的末日吗？”我的回答是：“当然不是。”
过去十年的大部分时间我都在硅谷度过，但我职业生涯的核心在好莱坞。与这两个世界都深度相连，意味着我对它们都怀有深深的归属感，也有责任对两者坦诚直言。
2023年，我曾说过，这些新的AI工具将在三年内把制作世界级动画的时间和成本削减多达九成。一些同事感到震惊，许多人怒不可遏。
创意圈对AI的恐惧与抵制正在蔓延。我深深理解这种情绪，因为我曾在动画工作室里度过无数时光，看着才华横溢的艺术家们伏在桌前，为了重做一秒画面而反复打磨——因为第九版还不够完美，于是再来第十遍。我曾坐在放映室里，看着四年的心血在几分钟内播完，而我认识银幕上每一帧画面背后每一位倾注了无数小时的人。创作是一种召唤，真的没有别的词可以形容。在外人看来，有人把这视为抵抗；从内部看，这是爱。
人们不会为不关心的事情如此拼命。来自好莱坞的抵制，正是一群对自己的手艺怀有炽热热爱的人们的集体努力。
历史是否正在重演？
这段历史比双方可能意识到的都更加复杂。1906年，美国最著名的作曲家约翰·菲利普·苏萨发表了一篇题为《机械音乐的威胁》的文章。他警告说，留声机将成为“人类技艺、智识与灵魂的替代品”。
苏萨的斗争其实并非针对机器本身，而是关于钱。机器在演奏他的作品，而造机器的人一分钱都没付给他。他的奔走促成了1909年《版权法》的诞生。他没有阻止这项技术，而是改变了技术使用他作品的条件。
一百年前，声音走进了电影。我们今天记得它是奇迹，它也确实是。我们忘记的是谁为此付出了代价。在有声电影出现之前，成千上万的音乐家靠电影院的乐池为生，每晚在世界各地的城镇为每部电影现场配乐。当电影原声带出现时，一位作曲家和一支管弦乐团的作品被录下来，随着一部电影进入数千家影院。工会拼尽全力反抗，在全国各地的报纸上刊登广告，警告“罐头音乐”的威胁——其中一幅广告画着，一个机械人撕扯着竖琴的琴弦，而天使在哭泣。
他们不是傻瓜，也不是卢德分子。他们是对的。那些乐池工作确实一去不返。然而（这是我们必须鼓起勇气承认的部分），声音给我们带来了歌舞片、现代配乐、特效、声音设计、音频工程，以及一个远比它所颠覆的那个艺术形式宏大得多的艺术世界。它还帮助好莱坞在整个二十世纪乃至新世纪一直站在世界娱乐的最前沿。损失是真实的，但艺术形式却扩张了。
这是一个反复上演的故事。抵制技术，就面临着被时代抛弃的风险。看看柯达和百视达吧。拥抱技术，则打开了新的可能性之门。想想苹果和奈飞。
我从沃尔特·迪士尼身上学到的
上世纪80年代中期，我被委以重任，执掌迪士尼的动画部门，当时公司正处在一个拐点上。动画不只是另一个业务部门，它是公司的灵魂，是一种因沃尔特的天才与热情而备受尊崇的艺术媒介。但当时的生产体系笨重而苛刻。一部电影由12.5万张手工绘制和上色的赛璐珞片构成，逐帧拍摄。每一次修改都以月为单位付出代价。这种种难度也塑造了我们能讲述怎样的故事。
我们在一个出人意料的地方找到了出路：沃尔特本人。迪士尼档案馆里保存着令人惊叹的录音，是沃尔特亲口讲述他的创作过程；还有他亲笔写下的文字、笔记和故事板，是他在创作每个阶段留下的工作成果。这真是一份礼物。聆听、阅读、与这些作品相伴，我们听到他谈论角色、情感，谈论当角色真正活起来时观众的感受。他谈到要做出大胆的选择，要把一个场景打磨到真正打动人心。我们没有听到一个关于铅笔或画笔的字眼。事实上，沃尔特以技术专家闻名，他一生都在追寻最尖端的工具，常常亲自发明工具来实现他脑海中的画面。但他从不以工具来定义动画。他定义动画的标准是：观众是否相信这个角色。他的原则历久弥新，而工具不是。
这个领悟改变了一切。我们与一家名叫皮克斯的北加州年轻公司共同开发了电脑动画制作系统（CAPS），用CGI取代了手工绘制的赛璐珞片。在《小美人鱼》中，最后一个场景闪耀着旧工艺根本无法呈现的立体感和光影；在《美女与野兽》中，舞厅段落以电影般的运镜流动起来，把观众带入当下的情感之中；在《阿拉丁》中，奇迹之洞显得辽阔而鲜活，魔毯本身也成为了一个复杂而引人入胜的角色；在《狮子王》中，角马奔逃的场景承载着宏大的规模与强烈的冲击，把情感张力推到了我们从未达到的高度。技术没有削弱手艺，它扩展了画布，给了艺术家更大的创作空间。
十年之后，画布再次扩展。当迪士尼推出皮克斯的《玩具总动员》时，那不仅是技术上的里程碑，更证明了全电脑动画电影能够承载真正的情感力量，能让观众欢笑、落泪并相信。在梦工场，我们做出了艰难的决定：让手绘动画退场，成为一家全电脑动画工作室。这是正确的选择，但并非没有痛苦。它让才华横溢的人们失去了他们在行业里倾注毕生的位置。有些人跃入新工具的世界，做出了职业生涯中最好的作品；有些人再也没有。
工具从来不是重点。工具每一代都在更替，真正恒久的是品味与想象力——那种让观众为之动容的神奇能力。我们这一代最伟大的故事讲述者之一乔治·卢卡斯曾简洁地捕捉到这个问题的永恒本质：“重要的不是如何做，而是为什么做。”
一个真正的区别
我问了一个领先的AI模型一个困扰我数月的问题：推理和创作之间的区别是什么？它的回答改变了我对这个行业正在发生的一切的看法。它说……
推理和创作是两种截然不同的认知模式，尽管它们也协同工作。推理本质上是评估性和分析性的。它作用于已经存在的东西：事实、前提、证据。它走向一个在某种意义上已被输入蕴含的结论。推理受逻辑和真理约束。它的目标是抵达某个正确之处，而不是发明某个新的去处。
创作本质上是生成性的。它产生以前不存在的东西。关键的是，没有一个唯一的正确答案等着被发现。一张白纸有无限的有效回应。创作包含着无法仅靠逻辑充分论证的选择。品味、直觉和愿景填补了演绎穷尽之后的空白。
推理是硅谷一直在精进的东西；创作是好莱坞践行了一个多世纪的东西。今天的AI几乎完全运行在分界线的推理一侧。它可以出色地演绎、评估、优化和模式匹配。而尽管它能创作，与“有创造力”之间仍有真正的区别。它尚不具备那些使我们成为人的东西：共情、投入、意外之喜，以及那种源自一个人试图说出只有他才能说出的话的创造力。当机器人生成一件艺术作品时，它并不试图传达任何东西。那是统计，不是灵魂；那是对已有之物的模仿。相比之下，人类的创造力不是重复零和一的模式，而是做出新的东西。
有一天，AI或许会弥合这个差距。三年前，正在构建AI的领军者们还会把今天取得的成就称为“不太可能”，甚至“不可能”。如今，“不可能”已不再是“不太可能”。
今天，推理与创作之间的分界线是真实存在的。即便是最顶尖的技术专家也承认，我们还没有走到那一步。目前领域内没有人能说出跨越这条鸿沟的科学路径。理解这个差距，正是我们寻找共识的地方。
前进之路
2016年，我以出售梦工场为好莱坞的一个章节画上句号，又在北加州开启了新的一章，与人共同创办了WndrCo。我们投资了50多位正在构建下一代技术的创始人，目睹硅谷的突破如何涌现——先是实验，然后是平台，最后成为重塑整个行业的基础设施。值得记住的是，上一场动画领域的伟大革命也来自北方。皮克斯是一家北加州公司，它不是在好莱坞片厂体制的惯例中锻造出来的，而是在硅谷的技术突破中诞生的。我在这座桥的两端都度过多年。当然，我并没有所有答案（就拿Quibi来说吧！）。但以我漫长职业生涯过去和现在的双重视角，以下是我看到的……
北加州那些构建这项技术的杰出人物做出了非凡的东西。他们有资格让我们这些其他人即使不是信徒，也至少可以乐观地相信：接下来发生的一切将会了不起。但他们没有制造出一位艺术家。工具很强大，但工具不是让故事有意义的东西。那种知识活在350英里以南，活在一群用毕生心血塑造了你正在构建的模型的人心里。正确的前进之路，理应把他们纳入其中——带着署名、同意与报酬。与故事讲述者一起建设，而不是踩在他们之上。品味是无法合成的，它独一无二地属于人类。
与此同时，好莱坞需要接受：AI不会消失。他们把精力花在试图让它消失上，就没有精力去决定它以何种条件存在。而条件就是一切。北方需要一样它既造不出也买不到的东西：创造力。那种创造力，能面对一张白纸，凭空召唤出唯一正确的答案，并让观众痴迷了一个世纪。没有它，这台有史以来最强大的推理引擎，仍将缺失那个让故事值得讲述的唯一东西。
学会驾驭这些新工具的艺术家们，将做出工程师做梦都想不到的事情。他们一向如此。爱迪生发明了电影，却拍出了糟糕的电影。是卓别林、劳埃德、基顿和许多其他人，让电影有了情感。现在，画布即将再次扩展。我们现在就应该决定：我们打算在上面作画。
历史中有太多宝贵的教训。这种事发生过很多次，而它从来不是由技术决定的，而是由条件决定的。苏萨没有阻止留声机，他帮助制定了让作曲家得到报酬的法律。而两年前，当编剧和演员们走上罢工纠察线时，他们争取的正是苏萨在1906年争取的东西：同意、报酬，以及一个基本的认知——人类创作劳动有其必须付出的价格。那场斗争的条款仍在谈判之中，但这一原则比我们任何人都古老。
“用工具还是不用工具”的争论是一个陷阱。首先，我们必须都同意：应该存在条款。然后，我们才能展开关于公平究竟要求什么的至关重要的辩论。
我从史蒂夫·乔布斯身上学到的
多年前，史蒂夫·乔布斯说过：“苹果的DNA里写着，单靠技术是不够的。是技术与人文、技术与艺术的结合，才产生让我们心灵歌唱的结果。”他当时在描述一件设备。但他完全可以是在描述这个双城记。
我所看到的即将到来的未来
随着门槛和成本下降，被拍出来的电影会更多，而不是更少。制片厂将能够承担更多风险。桌边会有更多座位，很快还会出现全新的故事形式。上世纪80年代，动画被视为这门生意中无足轻重的一隅。今天，它是世界上最受喜爱、最赚钱的故事形式之一。在真人电影领域，史蒂文·斯皮尔伯格、詹姆斯·卡梅隆和彼得·杰克逊等电影人拥抱新的视觉工具，不是把它们当作捷径，而是当作乐器，并在此过程中扩展了电影。每一次故事讲述遭遇真正的技术变革——从同步声音到彩色，再到电脑动画——它都重新定义了媒介的边界，并在过程中变得更大。
毫无疑问，我并没有所有答案，但我相信创作的机会将再次扩展。我们如何走过这一切，是一个选择。北方有新的工具，南方有创作的灵魂。最好的未来，将汲取两个世界的精华。