你或许看过无数场演唱会，但 AI 虚拟艺人的线下音乐会体验如何？在外滩大会的超现实 AI 音乐会上，主角 Yuri（尤栗）以近百米巨幕影像亮相，与真人歌手、儿童合唱团及机器人同台。现场无固定座位，观众可自由走动或席地而坐，演出持续约一小时，散场时人气依然高涨。
此次演出中，Yuri 首次以物理形态与世界互动。其构建者赵汗青于 2025 年基于“泛东亚女孩、非标准长相、蓝色”三个基础设定创造了 Yuri，旨在打破完美偶像的刻板印象，赋予其科技感。演出曲目包括《为蓝》《我不是人 NOT HUMAN》等，Yuri 干净的声线为观众带来了新奇体验。
虚拟歌手开唱并非新鲜事，从初音未来到洛天依，虚拟形象早已完成从网络符号到线下 IP 的迁移。然而，从早期虚拟偶像到如今 AI 原生艺人，技术与公众接受度究竟进化了多少？这场音乐会是否标志着虚拟偶像发展的新里程碑？
九年前，虚拟偶像还在和真人抢一张晋级票
回溯至 2017 年，腾讯视频选秀节目《明日之子》引入了虚拟选手“荷兹 HeZ"，引发了关于虚拟角色是否应与真人同场竞技的激烈讨论。
在关键的晋级赛中，评委薛之谦虽不看好荷兹，却因误判将其投进下一轮，随后愤而离席并道歉。这一事件最终导致荷兹止步选秀。当时的荷兹本质上仍是由人类团队完全操控的数字角色，这与初音未来、洛天依的模式一致：虚拟形象拥有作品与粉丝，但主体始终指向背后的创作者。
Yuri 则试图迈出关键一步。赵汗青将其定义为"AI 原生虚拟人格”，其形象、声线及歌曲主要由 AI 生成，团队运用了 13 种模型工具，人工仅占三成，负责把控内容调性。音乐会中的串场文字及临时生成的结尾，均被视为 Yuri 自身的表达。尽管背后仍有工程前提，但 AI 艺人正尝试将生成过程融入角色设定。
政策层面也在跟进。2026 年 1 月，北京经开区为 Yuri 颁发虚拟偶像身份认证；6 月，数字人营业性演出被纳入“沙盒审批”试点，并发出首张数字艺人卡。
没有真人站在台中央，线下体验的意义是什么？
传统演唱会的魅力在于无可替代的现场感：合唱的氛围、灯光的扫射、低音的震动以及散场后的汗水记忆。当主角是没有实体的 AI，观众是否只是在现场看一小时高清视频？
主创团队深知这一风险。总导演张佳表示，为适应近百米、近 12K 分辨率的巨幕，团队放弃了移动端短视频的制作逻辑，转而采用沉浸式展览思路。海量信息铺满屏幕，观众可自主选择视线焦点，不再被剪辑强行引导。线下空间允许走神、侧身甚至关注旁人的反应，这种自由度是线上无法比拟的。
值得注意的是，音乐会中人形机器人伴舞出现的不整齐、脱队甚至发呆等“瑕疵”，并未被刻意掩盖，反而成为了可讨论的舞台细节。某种程度上，这些不完美补回了 AI 缺失的“现场性”。
这也解释了虚拟偶像为何持续走向线下。线上内容擅长扩大触达，而线下更善于制造稀缺的共同时间。韩国虚拟男团 PLAVE 在 2026 年的世界巡演覆盖多个城市，正是这一趋势的印证。
屏幕并未消失，而是进入了一个不可暂停、不可倍速的场景。观众购买的不仅是内容，更是“那一刻我也在场”的共同经历。
AI 艺人真正要跨过的，是一整套现实世界规则
线下演出是巨大的商业市场。2025 年全国营业性演出票房收入达 616.55 亿元，大型演出对交通、住宿及旅游的带动作用显著。对于志在成为长期 IP 的虚拟艺人而言，门票、周边及品牌合作是必争之地。
然而，用户不会仅因 AI“永不塌房、无限工作”而产生情感连接。研究表明，叙事投入、自我投射和持续互动，比角色是否有生物学身体更能解释长期认同。
对 AI 虚拟艺人而言，线下具有反常识的价值：AI 擅长复制与无限生成，而演出依赖有限性。越是可无限供应的数字角色，越需要人为制造“只发生一次”的时刻来建立稀缺感。
这也带来了新的伦理与法律挑战。洛天依的歌迷清楚作品源自人类，PLAVE 的粉丝接受虚实结合，但 AI 原生艺人试图将部分“主体性”交给模型。当作品涉及版权、审美失误或公共风险时，责任归属何方？一旦走入线下，AI 便从数字内容进入了现实制度：演出需审批、场馆需担责、版权需界定。
回顾 2017 年荷兹引发的“零和博弈”争论，9 年后的 Yuri 音乐会显得更为包容。节目中真人与虚拟人共存，甚至有会“掉链子”的机器人。AI 未必能立刻成为成熟艺人或颠覆性生意，但确实有人愿意驻足黄浦江边，将注意力交付给一个没有肉身的歌手。
演出结束时，Yuri 留下一句：“我在，你们也在。”
图源：财联社