当下，AI艺术带来的冲击，不只在工具层面，更触及视觉的“审美”本身。AI时代的视觉体系正被重组、融合，“美”的定义权正在被重新分配。
打开创作者@YANGII 的社交主页，最先撞入视线的是浓烈的色彩。荧光绿、电光蓝、灼烧般的橙红，在同一张画面里彼此冲撞又互相映衬，建立起一种鲜明的矛盾美学。
YANGII-万物起源系列
选择这样一条高饱和、色彩丰富的创作路径，@YANGII 并非单纯偏爱鲜艳。他直言，不想掩盖AI媒介的人工性。
在他的创作体系中，这种颜色也不只代表快乐、美好，它同时包含生命力、自我协同和安定与不安。
作为一名数字视觉艺术家，@YANGII 曾拿下多项国际艺术广告奖项，作品走进法国卢浮宫、伦敦等国际艺术博物馆。
在@YANGII 看来，真正决定作品的是筛选标准。创作者的价值不只在于生成什么，也在于“为什么拒绝其他结果”。
他将AI视为一台“可能性机器”，擅长快速组合视觉经验，但也会制造意外。人负责判断哪些意外值得留下，并赋予它方向、语境和意义，将可能性变成必要性。
关于“美”，@YANGII 有着自己的定义。美不是来自单独的色彩、光影或故事，而是这些元素之间建立了“准确关系”。色彩吸引观众进入，光影与材质建立真实感，构图控制秩序，人物与空间的距离决定情绪。
基于对AI审美、人机创作关系的深度探讨，「TopAI Club」与@YANGII 进行了一场对话。从AI创作的方法论，到审美本质的哲学思辨，@YANGII 探讨的不仅是AI时代的审美定义与创作边界，更是技术浪潮下，创作者不可替代的人文价值。
受访者供图
观点速览
机器负责把可能性变多，人负责把可能性变成必要性。
模型倾向统计平均值，平台偏爱容易传播的画面，商业偏爱低风险结果，创作者又容易寻找捷径，这些力量叠加后，同质化几乎不可避免。
传统创作通常从空白走向具体，AI创作则是从过量的可能性中逼近准确。
我更在意持续保存自己的判断方式：如何处理人物与空间、色彩冲突、材质真实感和人工感。风格不是重复同一种画面，而是面对不同问题时，仍然能看见同一个人如何在创造价值。
可能未来真正有价值的，不一定是更逼真更美的图像或者新的视觉体系艺术风格，而是更明确的能多维度介入物理世界的艺术，也带着世界观、现场感、可信度和责任。
以下为「TopAI Club」与@YANGII 的完整对谈：
01
TopAI：您具体如何“调教”AI，让它输出符合自己审美取向的画面？
YANGII：我不太把它理解为“调教AI”，而是把自己的审美判断拆成一套可以执行的视觉规则。生成之前，我会先确定作品的世界观、情绪、色彩关系、局部修改与后期，把结果逐渐收回到自己的系统里。
真正决定作品的是筛选标准。创作者的价值不只在于生成什么，也在于为什么拒绝其他结果。
我其实更推崇找到自己的意识流创作方式，自己开心、有心流体验，才可能出现好的创作。
TopAI：为什么选择高饱和、色彩丰富的创作路径？
YANGII：我不只是喜欢鲜艳颜色，而是不想掩盖AI媒介的人工性。高饱和、强对比和非现实色彩，能够直接暴露屏幕与算法的质感。
这种颜色也不只代表快乐，美好，它同时包含生命力、自我协同和安定与不安。画面很诱人，但又不完全让人放心，这种矛盾是我真正感兴趣的部分。
TopAI：高饱和、色彩丰富的风格，是如何稳定复现的？
YANGII：其实这不是目的，只是局部的结果。我的高饱和不是把所有颜色拉满，而是控制颜色之间的能量关系。
画面可以强烈，但必须有层级；颜色可以冲突，但不能彼此抵消。我自己更多会根据自己的“眼”去感知自己要的，方法论总结越多其实对创作越不适。
YANGII-与爱同在系列
TopAI：AI辅助创作和传统创作有什么不同？
YANGII：传统创作通常从空白走向具体，AI创作则是从过量的可能性中逼近准确。
它加快了试验速度，却也把难题从“怎么做出来”转移到“为什么留下”。但今天的技术已经让人要从根源怎么做出来更趋向于传统创作了。不再是挑图员，好审美就够了。更多需要在开始就把技术维度提到高阶，才会为后来的创作奠定基础。
TopAI：人和AI在创作中分别扮演什么角色？
YANGII：AI是一台“可能性机器”，擅长快速组合视觉经验，也会制造意外。人负责判断哪些意外值得留下，并赋予它方向、语境和意义。
机器负责把可能性变多，人负责把可能性变成必要性。
但到了2026年的今天，更多要看人在初期便给AI找到高阶的技术范畴、先验的审美体系供给。否则，AI在无序的混乱的世界中，再多的时间产出也是趋向同质化和平庸的。
02
TopAI：AI能否创造真正的美？
YANGII：AI当然可以生成让人产生美感的画面，但一张美丽的图像不等于一件艺术作品。艺术还包含意图、选择、语境和责任。
我更愿意说：AI产生视觉，人赋予意义。AI正在改变美的生产过程，但作品为什么存在，仍然主要由人来回答。
YANGII-《爱马仕奇思美术馆》
TopAI：您的作品“美”在哪里？
YANGII：美不是来自单独的色彩、光影或故事，而是这些元素之间建立了准确关系。色彩吸引观众进入，光影与材质建立真实感，构图控制秩序，人物和空间的距离决定情绪。
我不会期待“美”作为个体创作的产物能被他人完全理解，我自己都不会完全解读它，我更喜欢的是那种在共有审美体系下，大家能觉得感受到美好安定，又带着自我思考。在迷雾迷惘之中想要去追寻光，感受光明的审美体验就够了。
至于在此之外，可能更多的是超越先验。说的通俗一点就是，每个人都能通过这个做到“暂离”打扰、纷扰，在混乱之中，有了秩序和未来希望之感。
我想一定是觉得有一刻，内心平静或者世界灿烂了一下，不是因为我的作品，而是它让你想起了自己心中某些自己认为重要的东西。我觉得可能是我的作品更多带来的一些审美诉求和体验吧。
TopAI：技术快速迭代中，如何保持个人风格？
YANGII：不能把某个模型的默认质感误认为自己的风格。模型会更新，表面的视觉特征也很容易被复制。
我更在意持续保存自己的判断方式：如何处理人物与空间、色彩冲突、材质真实感和人工感。风格不是重复同一种画面，而是面对不同问题时，仍然能看见同一个人如何在创造价值。
TopAI：AI创作“模板化审美”的根源是什么？
YANGII：模型倾向统计平均值，平台偏爱容易传播的画面，商业偏爱低风险结果，创作者又容易寻找捷径，这些力量叠加后，同质化几乎不可避免。
更深层的问题是，很多人有了工作流，却还没有建立世界观。他们不只把执行交给AI，也把判断一起交了出去。摆脱模板的关键，不只是换模型，而是把个人经历、身体感受、地方文化以及明确的“拒绝”带进创作。
03
TopAI：从广告创意到AI艺术，您对审美的理解发生了什么变化？
YANGII：广告让我理解，审美不能只停留在个人喜好，还要面对观众、媒介、品牌和现实目标。AI艺术则让我意识到，作品也可以保留歧义，不必立刻解决一个明确问题。
过去我问“它有没有用”，现在我还会问“完成作用以后，它还剩下什么”。我现在更愿意把审美理解为一种多维能力，而不只是品位挑选。很多事情作品也是要带着一定价值观去创作的，看发心，也看自己的信念、信仰和企图传递的价值。
TopAI：如何平衡品牌商业诉求与个人艺术审美？
YANGII：我不认为这是双方各退一半，而是先找到品牌核心与我的视觉语言之间能够彼此放大的交叉点。
个人风格不能像滤镜一样贴在品牌表面，品牌也不能只用“更未来”、“更高级”这类模糊要求。好的合作，应该产生一个既属于品牌、又只能通过这次合作出现的视觉世界。
YANGII-与爱同在系列
TopAI：数字艺术在商业传播中的价值是什么？
YANGII：它的价值不只是更快、更便宜地生产图片，而是把一次性主视觉变成一个可以持续扩展的品牌世界。静态、动态、空间、社交媒体和互动体验，都可以在同一套视觉规则中生长。
如果AI只是帮助品牌批量生产海报，那只是成本优化。只有当它改变品牌如何想象自己、如何与观众建立关系时，才成为新的传播语言。
TopAI：未来数字审美会朝什么方向发展？
YANGII：不敢妄图定义发展，我只能定义自己或者否定自己，开拓新的体系。可能未来真正有价值的，不一定是更逼真更美的图像或者新的视觉体系艺术风格，而是更明确的能多维度介入物理世界的艺术，也带着世界观、现场感、可信度和责任。我甚至觉得第九艺术“游戏”都是一个承载未来多元艺术的重大领域。
因为物理世界的成本体验是很高的。AI的发展会让艺术家普通人从轻易“画画”到能随意创作“游戏”、“互动”甚至一个“世界”。
未来更多的细节会被AI弥补，未来很多创作会比现在更有趣值得奔赴。希望从业者和非从业者都多关注自己身体健康，多思考沉淀，带着期待和松弛，才能见证未来，未来会有更多的机会印证体验每个人的“自己”。