苏东坡在评价王维的《蓝田烟雨图》时曾说：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”正所谓，“诗中有画，画中有诗”，这句想必大家都不陌生。
但有意思的是，有人给王维上面这句，又补了一首诗：“蓝溪白石出，玉山红叶稀。山路元无雨，空翠湿人衣。”
如果从“诗中有画”的角度看，前两句还算好懂，白石红叶，那是画家能画出来的颜色。但这后两句，“山路元无雨，空翠湿人衣”，想要画出来就很难办了。
明明没下雨，衣服却湿了。这种湿漉漉的，沁入心脾的凉意，要怎么画出来呢？如果非要画一个人穿着湿衣服，那只会显得狼狈，像落汤鸡，完全没了其中的诗意。
我想，这就是诗与画微妙的边界。有时候，最好的画，是没画出来的部分；而最好的诗，是那些无法被视觉化的感觉。
王安石也曾说过一句挺绝望的话：“意态由来画不成，当时枉杀毛延寿。”美人的五官好画，但那种流动的“意态”，那个瞬间的眼神，那个欲说还休的嘴角，太难捕捉了。
古人写美人，只用八个字：“巧笑倩兮，美目盻兮”。哪怕过了两千多年，你读到这两句，脑海里依然能浮现出一个鲜活的笑容。
而即使是达·芬奇画《蒙娜丽莎》，用了四年时间去捕捉那个谜一样的微笑，让画几乎变成了诗，但油画会龟裂，色彩也还是会黯淡。相比之下，反倒是那句“巧笑倩兮”，千古如新，永不褪色。
但是也有不少人想打破这个界限。
王昌龄就在《初日》一诗中写道：初日照净金闺，先照床前暖；斜光入罗幕，稍稍亲丝管；云发不能梳，杨花更吹满。
读这首诗，就好像是在看一幅印象派的画。阳光调皮地从窗户里钻了进来，先暖了暖床前的被子，然后钻进罗帐里，去摸一摸那些琴瑟笙箫。最后，杨花乘着风，落到了一个没梳头的少女的头上。
全诗没有出现人物的名字，但是处处都有人。光线的跳跃、温度的流转、杨花的轻盈，虽然是文字，却有着很强的视觉通感。
这又让我想起了德国画家门采尔的一幅画《带阳台的房间》。
画面里也是一样的。灿烂的晨光涌入房间，风掀动窗纱，光斑在地板上跳着舞，椅子静静地伫立着。主人没有出镜，但是可以明显感觉到，刚才有人离开，或者是你在看不见的角落里，享受着凉爽的早晨。
在这幅画里，光成了主角，填满每一个角落。此时的画就成了一首诗。线条和色彩已经不局限于对实物的再现，而被赋予了画家的情感，成为一首光的抒情诗。
如此说来，诗和画的表现力到底哪个更胜一筹呢？怕是胜负难分。如果在读诗的时候，试着在脑海中把它画出来，又或者在看画的时候，感受一下画面当下发生的故事，也许能感受到不一样的意境。