昨天一位纽约的朋友发来一组大都会观展回来的照片，一瞬间有种蒙圈的感觉。
第一反应是，这些画被 PS 了么？怎么都是没有画完的半成品啊！
原来，这些确实是画家的原作，而这个展览的名字就叫《未完成：看得见的思想》( Unfinished: Thoughts Left Visible )。
在这些未完成中，其中有一些是画家基于创作的需要故意不把作品画完，而也有很多是画家由于各种外部因素被迫暂停作品创作。换句话说，那就是人家的草稿，根本就没打算让你看！如果这些大师们地下有知，估计会有很多人骂娘吧。
展览展出的作品，从文艺复兴的达芬奇、拉斐尔到伦勃朗、鲁本斯，再到梵高、塞尚，从头看下来，简直就是一部西方艺术史的书写过程。这比白纸黑字的教科书不知道要强上多少倍。
那么话说回来了，艺术作品到底画到什么程度能算完成呢？这大概是每个艺术家和观赏者都曾思考过的问题。
这是展览中最早期的作品：扬·凡·艾克的《圣芭芭拉》，扬·凡·艾克就是文艺复兴时期北方艺术的佼佼者，众所周知的是他画的那张结婚照，写实水平堪比单反照相机。
学界关于这幅画到底是故意未完成还是创作中途中断，一直有争议。我们可以通过这种带有手稿痕迹的作品想象艺术家的绘画过程，这就是有图有真相的典型代表。
达芬奇的《女人的头像》我们可以看出脸面已经刻画的非常细腻而头发却还是草稿模样。说到达芬奇，我们能自然联想到他久负盛名的代表作品《蒙娜丽莎》与《最后的晚餐》。他自创明暗转移法、画面看上去含蓄、深涵、富于理智、过度象烟雾一般，没有截然的分界。
这是拉斐尔在1775年绘制的西班牙贵族肖像，图中一个哈巴狗形空白，贵族肖像的面孔也被抹去，不知道是画家对自己绘画作品的不满意涂抹掉，还是想表达其他的含义呢？不过我认为是前者，优雅完美的拉斐尔怎么会允许出现一点瑕疵？
这是梵高的《瓦兹河畔》，画于1890年。不得不说，草稿上的每一笔都很梵高。
塞尚的《绿罐子里的牡丹花束》，画于1899年。当西方艺术史一次次远离高度润饰而渐渐趋向于朴质，构成了现代主义的基本形态。这一点在梵高、塞尚和毕加索的多样性的未成品前可见一斑。
这个作品是"EXCEL小王子"蒙德里安作品《双线和黄色的组合》，画于1934年，说好的三原色呢？
图为爱丽丝·尼尔作品《詹姆斯·亨特黑人新兵》，画于1965。尼尔是20世纪先驱女艺术家，也是最重要的肖像画画家之一。据说，画中的这个人再也没有回到这个座位上，当时新兵即将参加越战，这幅肖像画描绘了一个生活被打乱的人。所以，朋友们且行且珍惜吧。
弗洛伊德的《倒影自画像》，画于1965年。在此幅作品中，艺术家只完成了脸部，画布的其他部分依旧只是纷乱的线条。如此一幅半成品却别有一番韵味。
你可能会问，弗洛伊德？和那个心理学家西格蒙德·弗洛伊德什么关系？没错，这个佛洛依德的全名是卢西安·弗洛伊德 （Lucian Freud），他正是西格蒙德·弗洛伊德的亲孙子。
要说这心理学家的心理实在是强大，老弗洛伊德从小就让年幼的孙子读四行诗《绞刑架下的歌》，在他的起居室里挂上布鲁盖尔的画（就是画过《通天塔》的那位），搞得卢西安变得神秘兮兮，焦躁多疑。后来很多与他打过交道的人都说他孤僻和封闭，接近于他爷爷所描述的“精神病者”的状态。
毕加索作品《在红色扶手椅女人》（左）和《查耐尔之家》（右）
这些未完成的艺术作品，或是线稿，或是一方空白的画布，或是大的色块；而这些恰恰使得艺术中的每一个点得以激发。
展览把艺术家对作品的探讨的细微痕迹呈现在观者面前。观者想象自己就站在这些艺术家的身后，看着他们不停的修改、创作甚至自己也参与其中。
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