周日的冬日午后，阳光明媚，和青年艺术家 Nisky 约在了星巴克见面。
他一身黑衣，清爽短发，和夏天见面的感觉不太一样，但聊起天来，仍然还是那个低调谦逊的大男孩。
Nicky 俞杨
严格意义上来说，Nisky 算是一个艺术圈外人士，他不喜社交，更多是沉醉于创作，艺术家只是一个职业代称。他一般只在代理画廊需要做展览推广的时候，才配合接受一些媒体的采访。
不过，对于不了解他思维模式的记者来说，其实很难在短短几十分钟的沟通中，感知其作品背后的奇思妙想。所以，对于今天的约见，我们彼此都非常开心，特别是谈起最近的创作，他充满了快乐。
白罗曼司，125 x 200 cm，布面丙烯，2016
01
艺术这个行业，总是给人以高冷的感觉，而且艺术家也多少带有神秘的气质，但其实，他们只是这个时代的精神产品创作者而已。
艺术创作运用的材料也不复杂，颜料、物件、声光电，或者自己的身体，围绕形式和内容，去做个体的情绪或思想表达。在展览过程中，与大众产生精神或情感上的共鸣和交流。
失梦狂飙，125 x 200 cm，布面丙烯，2016
只是现在很多艺术家创作的作品，实在让人有些难以接受和欣赏，更多偏向概念化和自嗨，似乎主动选择了和大众疏离。而作为 80 后青年艺术家，Nisky 让人感觉他是在认真作画，并乐在其中。他的画，不玩概念，自然成趣。
大众对国内青年艺术家的了解，很多时候都是从媒体新闻中得知，特别是 80、90 的新生代。每年有着大约 50 万的艺术生走向市场，真正让被媒体报道的却非常少，而能让藏家关注并且收藏的，更是凤毛麟角。
同时，因所处时代全然互联网化，拥有新的审美风潮和方向，能让市场和藏家接受，需要较长的时间进行培育。
所以，尽管每年这么多的艺术生，但毕业之后真正能拥有艺术家这个职业称谓却很少。创作从来不是一件容易的事情，创新更是。
神之颤音，116.5 x 116.5cm，布面丙烯，2016
Nisky 的经历比较特别，他的绘画创作，是从大学毕业之后开始，时间已接近 10 年。7 年前，他被法国的知名画廊签约，作品已经在国内外多次展出过，同时还被国外的藏家收藏过。
但他却是一个非纯艺背景的艺术创作者，同时还做着更为之着迷的音乐编曲工作。此外，他不混迹艺术圈，不太多关注艺术本身，日常聊天交流的，更多也是非艺术圈的朋友。画室里面积最大的，不是画桌，而是满墙壁的书籍、碟片。
正是这种反差，让他的作品也呈现出特别的风格气质。很难界定它属于什么时期，因为作品里面有着未来主义、非洲原始艺术、波斯细密画、中国山水甚至毕加索等影子，同时又隐藏着很多音乐符号的穿插。
另外，他喜欢把绘画作品当做是音乐一样来创作，如交响乐的篇章一样，分有几部曲部。这让人在看到他的二维平面作品的时候，仿佛在听一组交响乐。这种艺术之间跨界混搭的特质，就显得格外让人着迷。
明天穿着一首歌，125 x 200 cm，布面丙烯，2017
02
非同类之间的跨界，同类之间的跨界，都能产生更有趣的的新东西。在多元化时代，人们审美更趋向于个性化、多元化、娱乐化，比如动漫、游戏、潮文化的出现，都是一种更具装饰性的极繁主义的回溯。极繁主义的代表风格，是“巴洛克”和“洛可可”风格。
如今我们生活在一个信息巨量瞬变的时代，需要在许多的信息里面去删选，但不是简单的一元化二分法的思维。Nisky 的作品，则是他对平时吸收的庞杂信息的，一种全新形式输出。
密思·弗劳娃，121 x 188 cm，布面丙烯，2016
看 Nisky 的作品，会有一种越看越上瘾的感觉。里面似乎埋伏着很多隐喻的符号，单个也好，群体也罢，最后组成的画面很繁杂化。
若是相对于中国传统文化中的留白概念，或北欧的极简主义，日式的性冷淡风，显然他是走了相反的美学路径——极繁主义。这是他的刻意为之还是偶然探索？不得而知。
蕾切尔茨堡，125 x 200 cm，布面丙烯，2014
《格调》一书中提到，只有跨界和混搭，才能打破旧的审美阶层的固化模式，模糊掉精英和大众的界限，从而建构新一代的新审美风向。
显然，这对创作者本身的要求是极高的。不仅仅是形式上的简单交融，而是一种在思维、在概念上的一种交互的整合，结果是可以经得起检验的。
帕萨塔利亚，135 x 220 cm，布面丙烯，2016
03
但对于绘画或者音乐，他喜欢的是纯粹。比如绘画就是线条和色彩，而音乐更多是旋律和节奏。所以在形式上，会更多尊重这种纯粹性，内容则是慢慢叠加，而不是反而行之。
Nisky 最喜欢把自己的作品，拿给身边不懂艺术的人看，让他们给出最感官的评判，比如好不好看，好不好听。就如白居易写诗一样，读给妇孺，去评判。
圣山，125 x 200 cm，布面丙烯，2015
代理他的画廊，当初首先也是从看上了他作品的特别性，从行业敏感度上相信他会是一个冉冉之星，而没有太多关注他的学术背景和学艺经历。
因为对符号化的东西格外敏感，所以对当下最喜欢的艺术家，他选择了徐冰。他说欣赏这种很投入地，去创作一些东西的态度。而且创作是体系化的，感觉非常厉害。
专辑封面
他还笑着说，在给自己的规划中，前 10 年玩绘画，后 10 年玩音乐。现在就在开始筹备一个音乐专辑，自己会做主唱，目前还在找一个女生伴唱。音乐给予了自己很多灵感，这是热情所在，还未考虑过市场化的路。
作为一位创作型选手，他更喜欢保持低调和神秘，而不是过度曝光，引发审美疲劳。在面对市场和学术的时候，会尽量做到折中。一方面能保持创作的自由度，一方面又能找到欣赏自己的藏家。
面对未来艺术创作也越来越 AI 化，他倒是不怎么担心。因为自己作品特点，就是两种艺术的跨界。如果人工智能的原理，在于背后算法的话，它至少需要两种艺术(音乐和绘画）的算法，最后还要输出为混合的元素，而不是单一的元素。
从这个角度来说，人工智能可能无法模仿，这种特有的美学风格。而且创造性与概念性的东西，短时间还是很难被取代。事物发展的规律，都是盛极而衰，物极必反的，没必要太去担心，或者以后会变成一种合作关系，艺术家的 AI 助手之类的。
科隆诗章，200 x 125 cm，布面丙烯，2015
后记
在所有创意行业，艺术是最讲究创意的门类，算是靠才华吃饭。大众虽然无法人人都能在艺术上，达到一定的创作高度，但创新的思维，却是可以学习借鉴的。
当每个人都去认真寻找属于自己的所爱，然后专注其中、去坚持，去创作，这种不断的挑战自我的感觉很棒，为世界创造新事物的结果，也很有意义。这是眼前这位大男孩所带给我最大的感悟。
或许在当下玩概念严重的艺术圈，人人都可以成为艺术家。但在能体现人类智慧的创作面前，希望人人都可以保持对审美的敬畏吧。
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