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这位“未来考古学家”，呈现了一千年之后的考古现场。
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成立于1982年的Stone Island今年迎来了40周年纪念，日前则发布了电影《STONE ISLAND 40 YEARS OPENING VIDEO》，以呈现品牌自成立至今所秉持的价值观和创新精神，在此重要契机下，更同步释出了另一则《Safari》纪录片。
关于Stone Island对户外的探索精神，在这则影片中，以改装重塑Porsche越野车的方式淋漓展现，而这次成为全城热话的合作企划，最值得你留意除了两辆改装保时捷，更应是打造本次合作的当代视觉艺术家Daniel Arsham。
作为近年来最受关注的当代艺术家，Daniel Arsham特别地以「未来遗物」为主题，通过“虚构考古”的艺术概念，将时间的流动变得“可视化”，而每件雕塑作品的精美程度，往往令人忘记他是一名色盲艺术家。
即便如今的他，经过无数次被品牌相中后已出圈，成为名副其实的“潮流艺术家”，而在那些经他手成为爆款、在市场拥有极高炒卖价的单品背后，则是他在建筑、时尚等领域中值得被挖掘，你绝不可忽略的独特视觉美学语言。
01.
假如时间有形状，
就会被凝固在他手中
要认识Daniel Arsham，不需长篇的文字，不需罗列其学历及成就，只需看一眼他的创作：在他的作品上，往往以白、灰任一单色作为整件作品的色彩呈现。
之所以有此风格，则与他的“缺陷”相关：Daniel Arsham从小只能看见普通人眼中20%的色彩，换言之，他是天生的色盲患者。
但与大多数艺术家身上具有、与命运对抗的特质不同，他没有执意治疗这项“缺陷”，而是“顺势而为”，将在他眼中看到的“单色美学”，以雕塑的形式作为展现。
比起成为纷扰世界中的一份子，Daniel Arsham选择要世人接纳他眼中这个“色彩单一”世界的模样。
在成为艺术家前，Daniel Arsham并非以此为个人志愿，反倒是想要成为一名建筑师。在他小时候，他的家乡曾被飓风侵袭，在那场灾难之后，破碎的砖瓦与房屋结构、裸露的钢筋与石英材质，都为他带来不同的灵感。
也因此，他将建筑师热情与过往的想法，转移至艺术作品中。石英、火山岩等异材质，均成为了他常用于作品中的材质，而通过破坏、磨蚀的技艺，他的每件作品就如“出土文物”，见证着人类文明的历代变迁。
这也是Daniel Arsham“虚构考古”的起点：他将自身定位成1000年后的考古学家，以当代物品为灵感，辅以“侵蚀”的手法创作，令其看起来像是从陈旧衰退中衰退的文物。
各种被称为“未来遗物”的作品如一件件化石，他模拟出一场在未来世界中、人们对千禧年留存遗迹的考古探索，同时让观众深入思考自己的生活方式、消费观、物欲、环保问题等。
这种模拟考古过程的艺术创作，完成的则是每一场“复古未来主义”的火花碰撞。诚然，假如时间有形状，那就会是在Daniel Arsham手中那些艺术作品的样子。
从这种“侵蚀”创作手法中可知道，“时间可视化”是在其作品中最具代表性的语言。具体如一个时钟，抽象如一阵风，那些象征着时间流动的元素，却打破了时空、空间、想象的界限，以永恒的白色，被Daniel Arsham记录了下来。
实际上，Daniel Arsham也曾看到过颜色。2016年，他收到了好友送他的一幅、可令色盲看见色彩的特殊眼镜，自此，他得以分辨出比以往更多种色彩。
毫无疑问，这对艺术创作者而言是个很新的体验，但并不习惯这种感受的Daniel Arsham，在经过数次创作后，还是决定将这副会“令他分心”的眼镜收起。
“戴上眼镜看到了色彩后，我的人生势必多了更多细节，但未必带来更多有趣的事物。我感觉我在一个过度饱和的世界。”
02.
“破烂风”的潮流单品，
怎么卖到五位数的？
Daniel Arsham逐渐意识到，色盲其实是他独有的天赋：“这让我成为想要的样子，也让我做想做的东西。”他不在乎在观众眼中，他的作品是什么颜色，因为他更喜欢作品在自己眼中所呈现的样子。
对Daniel Arsham来说，材质便是颜色，这种“忠于自我”的态度，逐渐铺平了他向潮流领域进军的道路。
2017年，Daniel Arsham被adidas相中，双方随后展开了数次合作，而凭借极具科技未来感的FUTURECRAFT 4D鞋款，Daniel Arsham的名字逐渐从艺术领域的框架中跳出。
得益于Daniel Arsham这种“将当下变成过去”的独特技艺，无数最前沿、备受追捧的潮流单品，都可以“艺术品”形态展现。对年轻玩家们来说，这种体验极其新鲜，Daniel Arsham无疑成为了一名“最懂年轻人”的艺术家。
之后的事相信你也不难猜到，当时尚、潮流品牌愈发热衷于、以艺术形式包装每个企划，同时具此特质的人选，继村上隆和KAWS后，蹿红的Daniel Arsham成为了最佳的人选。
2019年，Daniel Arsham以与他作品最为契合的“时空旅行”为主题，与RIMOWA展开合作并打造了限量500件的手提箱。这件艺术性胜于“实用性”的单品，登上了苏富比拍卖行。
随后，Daniel Arsham陆续接到LV、Calvin Klein、UNIQLO、IKEA等品牌的橄榄枝，并与Dior创意总监Kim Jones联手，以白、粉色的单色调艺术装置，作为Dior Men SS20的秀场装点，展现出随时间挪移的破旧感。
这个秀场后，Daniel Arsham的名字不仅被更多人熟知，更彻底成为了“流量密码”。经其以“风化”状态重塑的皮卡丘、米奇等动漫人物，被打造成玩偶周边后发售，即便成为了市场上有着五位数炒卖价的单品，却也引致无数人疯抢。
而Daniel Arsham的影响力也持续扩张中，近期与之展开合作的单位，不乏Tiffany & Co.、Porsche、Stone Island等大名，至于每次跨界联名在新生代玩家中的受欢迎程度，都愈发坐实其“最具影响力的当代艺术家”地位。
03.
没有男人能抵抗，
复古跑车的诱惑！
将服饰、鞋履、玩偶等周边单品等作为载体，令艺术不再仅有高昂价格、难以接近的一副姿态，潜入大众视野之间，润物细无声，做到这般“雅俗共赏”，或许正是“潮流艺术家”在近年变得愈发吃香的原因之一。
而当艺术家涉足潮流领域，虽其艺术家的身份得以被更多人熟知，但如KAWS的“XX”，村上隆的“太阳花”，当艺术化为符号，并变得与潮流印花一样唾手可得，反而令其作为“艺术”浑然天成的神秘感、距离感荡然无存，难以体现价值。
“我希望用我的作品，与全球的爱好者交流。也许你们对艺术还不感兴趣，但你还是能通过这潮流这个媒介，看到了我的艺术作品。”Daniel Arsham认为，潮流与艺术的跨界关系，应是自然而然地发生的。
或许也正因为这种自然而然的共存，最和谐与平衡地实现跨界的形式，Daniel Arsham的作品总是充满着热情、热爱，却不带有“潮流”一贯的功利性与目的性。
这种特质，在其与Porsche的多次联名中，体现得由其淋漓尽致。在孩提时代，Daniel Arsham就喜欢画运动鞋、相机和各种保时捷车型，尤其是具有传奇色彩的911车型，这成为一种伴随他至今的激情。
于是在2019年，他就运用自身独特的艺术技法，为Porsche的车身镶嵌进水晶，改造出一台来自1000年后的“破洞版”Porsche 992，意在探究“考古”的人们对其感受。
至于在2020年，他与Porsche再次合作，经过完整修复和重新诠释的Porsche 911 Turbo，被重塑为全新的930A车型。
也正如文章开头提及，在与Stone Island打造合作时，同样为Porsche的复古车型注入了创新设计，以930和Mercedes Unimog 404两款特别定制车款，赋予了贴合Stone Island一贯户外机能的硬核外观。
从平面图画，到周边单品，再到汽车与雕塑，Daniel Arsham对于多种艺术载体都有着十足的驾驭能力，而这一切都离不开他在基于多种媒介结合的创作上，同时赋予的热情、热爱。
作为一个大男孩车迷，他对保时捷的追求与热爱，也被他特意记录到一个专门的账号中。将“Car”及其姓氏“Arsham”结合而成的“Carsham”，不仅由其每天记录，他对保时捷的艺术创作，更收录古今众多的保时捷车型。
将爱好变成自己工作，而在运用其进行艺术创作的同时，再将其发展成为可用于记录、鉴赏、社交的“新爱好”，Daniel Arsham展现的魅力和影响力，远不只是一名“潮流艺术家”。
04.
“我的庭院有它自己的想法”
“迷恋建筑的原因之一是，上头的颜色很少，一切是有关结构及对称。”在一次访谈中，Daniel Arsham如是说：“在人类制造的所有产品中，建筑是最大、最持久且与文化最有关联的表现形式，这是唯一能够恒久的东西。”
这便不难理解，为何即便Daniel Arsham作为色盲，作品也尽以单色呈现，但你丝毫不会认为其作品枯燥乏味。他对建筑结构的热爱，人与自然之间关系的探索，正是其中的关键。
不在美国纽约市区的长岛，是一个可以在周末暂时出逃的避世之所，Daniel Arsham在此地购买了一座房产，而房子是由在长岛本地颇负盛名、也是其最钟爱的一位建筑师——Norman Jaffe亲自操刀的。
在Jaffe创作时期，受到了不少日本文化的影响，因此我们可以看到，这个房子的建筑本身，不仅有着美式住房的开阔，又不乏日式的禅意与克制，甚至在房屋外的户外空间，建造了一大片枯山水。
P.S.：“枯山水”是日本式写意园林的一种形态，也是日本画的一种形式，一般是指由细沙碎石铺地，再加上一些叠放有致的石组所构成的缩微式园林景观。枯山水常被认为是日本僧侣用于冥想的辅助工具，这些静止不变的元素被认为具有使人宁静的效果。
但凡你打开Daniel Arsham的社交网站，就会发现他一周总会花上数个小时，为庭院变换不同的图案，甚至会记录哪个图案令他感觉更好：“我认为在房子、岩石、树木，甚至斜坡之间，会有一个我的庭院‘最想要’的理想模样，我需要找到它。”
这番看起来十分“中二”的发言，实际上是他近年来一直在作品中所强调的，生态环境与艺术之间的关系，而他也曾表示，“可持续发展”将是未来几年艺术工作中的重点研究方向。
不仅如此，Daniel Arsham更特意从一家可再生能源企业中聘请了一位顾问，评估其“碳足迹（个体、组织、或产品产生的温室气体总排放量）；
并购买“碳抵消”（通过购买“碳信用额度”方式，抵消个人生产的温室气体），抵消他在航空旅行、产品运输中造成的碳排放。通过这种“补偿”方式，Daniel Arsham正积极探索其“自然”之间更深的联结。
05.
“破坏大王”的时尚风格，
却意外的“peace”
除了在艺术、潮流领域已十分显眼的成就外，Daniel Arsham最受人称道的，是与他的单色美学艺术作相呼应、以柔和静谧的氛围感所营造出来的穿搭风格。
即便Daniel Arsham选择的单品，多以象征着美式街头风格的卫衣、卫裤、球鞋为主，但与那些致力于通过混搭、撞色博取眼球的年轻人选择不同，在Daniel Arsham的造型中，你甚少看到饱和度极高的杂乱色系，更不会有浮夸张扬的大片印花。
大多数服饰的主色调均为白色、米色，所有的搭配，都遵循着“简约、利落、统一”等基准出现，每套穿搭虽柔和，但足够有力，足够坚定。
此外，身为Sneakerhead，但有着“老灵魂”的Daniel Arsham，自然有其独特方法演绎球鞋。
以同色系穿搭搭配复古跑鞋，是令造型出挑的方法之一，而他在2020年，则特意将在当时被认为“hype到极致”的Dior x AJ 1鞋款，经由球鞋客制师之手，为鞋款的里里外外都进行了打磨做旧，打造出“战损”成色的版本。
在Daniel Arsham看来，这种拥抱缺陷与不完美事物的手法，就如日本的侘寂哲学，将我们都向“未来哲学”推进。
06.
艺术“商业化”，
是不可理喻的吗？
诚然，随着近年来潮流品牌愈发频繁地与艺术家展开服饰、球鞋联名，一改以往为玩家们留下的“神秘”、“高高在上”印象的艺术家们，难免开始被诟病“变得商业”。
而将潮流和艺术关系平衡得当，甚至已被称为“最懂制造爆款的艺术家”的Daniel Arsham，早在18年就大方表达自己对此的看法：
“我的艺术品或许有些很贵，或许有些不会让人感到舒服，这就如同高中生不太会去看我的展览，致使我觉得如果能藉由和adidas的合作与他们互动是蛮有趣的。
如果这引起了他们的兴趣，或许他们就会来看展，所以我觉得，人们所谓的商业合作，就是替艺术家做触及更多年轻观众的服务。”
自从Marcel Duchamp将小便池变成一件高贵的艺术品，或是Andy Warhol大量生产了Campbell的汤罐变为艺术以来，这些所谓商业化和传统艺术无法理解的“不可理喻”行为，都变成了众矢之的。
显然，探索艺术与大众市场的交集，并不是我们这个时代独有的，受潮流影响而衍生的Pop Art之所以有此影响力，诞生如Andy Warhol等伟大艺术家，原因或许就正如Daniel Arsham所表达，潮流和艺术之间的关系，向来都不应该是站在对立面进行拉扯的双方，而应是相辅相成的。
“如果Andy Warhol还活着的话，他也一定会做球鞋，我百分之一千肯定。”Daniel Arsham如是说。
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Daniel Arsham创造的艺术既是一种期待，也是一种审视，期待未来，审视当下。
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