眼到手才能到

学习中国画说容易也容易，拿起笔就能画；说难也很难，成千上万的画家里出不来一个大家。它有一套规律可循，也有许多奥妙需要心领神会。

临摹的作用在于，一方面研究古人的笔墨规律，另一方面是通过研究古人的笔墨规律，最终形成主观的笔墨观；写生的作用是，一方面研究客观的山石结构和自然运化规律，另一方面是通过研究客观规律，最终形成主观的画面造型、结构、布局观。最终在艺术上形成自己的特性，主要靠的是主观的笔墨、布局观。

绘画的本质就是你的眼睛、手和思维，这三者的统一。因为绘画本身是视觉艺术，是靠画面形象来说话的，所以艺术家一双眼睛的精练敏锐是至关重要的，眼睛要能看透、要入骨，一切真的美的，需要通过眼睛去鉴别发觉；一切假的丑的，也需要通过眼睛去挑剔弃除。

自然中提供的东西和绘画规律本身是磨合的，一方面是你的，另一方面是从自然中来的。你的东西就看你的修养，你的思想和眼睛。

思想很重要，它反映一个人的世界观、价值观与审美观。古代根据画家生存及生活情况不同，出现有不同的画家体系，有院体画家，文人画家，民间画家，山林画家。因为画家处境不同，追求不同，他们的世界观、思维方式自然不同，他们的画各有其特点。院体画，重于描绘，写实逼真；文人画，重写胸臆之气，重视气韵；民间画，重视直觉与趣味，质朴率真。山林画，调高格奇，不食人间烟火。民间画家混迹于市井，偏重于大众审美，市场需求，扬州八怪、海上画派均属此例。山林画家，多为隐于山林中之佛家、道家，以修行探寻大道为主，辅以绘画，以助修行。清代除“四僧”之外，著名的和尚画家还有弘智、自扃、普荷、七处、珂雪、智舷、诠修、超揆、超弘等人。他们讲究有缘者可得。

而现在画家从上到下，一律走的是一条道，即画画、参展、宣传、卖画。于是导致了画坛畸形，出不来大家。

我主张写意，不是要抠多么细，但是观察上的精微和笔墨上的微妙极其重要，微妙了才有妙韵，粗与细都有妙韵，西洋画也是这样，界画即使画得再细有什么用呢？只有通过你的笔墨它才有妙韵，它就是好画。

学习研究是把自己搞明白，创作是把学明白的东西表现出来。学习研究要含蓄，把方法、思想学到。创作要放纵，把学问、思想表现出来。学得挺好不会创作，是用学的心态和方法去创作了。创作也是一门学问，得过来人提点，多创作几次就能转化身心，逐渐得心应手。 

学，要有所得才叫学，不知为何而学，学而何用，为什么还要学？应该是学一门有一门的心得，走一步有一步的体会。似是而非，懵懵懂懂，学之无益。创作，重要是心态，其次才是方法。高手刹那之间就出意境，庸手写来画去不着边际。最好的方法一定是最简单的方法，其实就是一笔一墨，但这一笔一墨后头还有一笔一墨，所谓气韵相连笔笔相生是也！

传统文化重师承，因为精神层面上的东西占多数，只能靠师徒间心心相印，潜移默化，无法行之于笔端，就算写出来，也是一时之心境，非此道中人也无从体会。故无师不得真学问，自悟往往难以融汇惯通！

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