黑川雅之，日本建筑与工业设计界教父级人物，作品跨越建筑、家具、茶具、灯具、时计等多个领域。1937年出生于名古屋，1967年获早稻田大学建筑学博士，同年成立黑川雅之建筑设计事务所，2001年成立Design Tope公司。他成功地将东西方审美理念融为一体，形成优雅的艺术风格。建筑代表作为日本21世纪纪念塔和石头博物馆等；“GOM系列”、潜水用氧气罐(Grand Blue Fieno)等多件作品被纽约现代艺术博物馆与纽约大都会博物馆永久收藏。他还潜心研究东西方审美理论，其著作《基于不对称美学的物体理论》、《八个日本美学意识》、《设计的修辞法》等成为日本高校设计专业学生的必读书籍。
Sodegaura Tower观景台，以优美弧线与简约立柱勾勒出凉亭延绵不绝的景致。
黑川雅之的童年恰逢二战后日本重建的特殊时期，母亲弹奏的琵琶和曼陀铃琴音，以及长期致力于当地建设的建筑师父亲搁置于家中的手稿图纸和建筑模型，构成了他对那段岁月的主要印象。相比由父亲一手调教的兄长黑川纪章（闻名国际建筑界的日本共生建筑“新陈代谢”派的代表），黑川雅之更像是一匹难以管束的“黑马”。他曾经表示，自己最初的许多设计其实都是在表达“对父权的反抗”，而年少轻狂时的反叛却使他另辟蹊径，成为这个建筑世家中唯一一个同时涉足产品、家居、室内与建筑设计的人。
Sodegaura Tower，简单的圆柱体，流畅的线条，给人带来视觉享受的同时，还给人以开阔的视野。
无论是建筑空间、器皿用具，还是品牌的商标设计，倘若集结他的创作，人们会从那些形式多样的作品中发现一个完整而又独立的“小宇宙”，一个你无法仅用所谓“风格”来简单描述的“黑川式”的设计美学体系。日本文化和东方审美观自然而然地影响着黑川雅之的设计思路和手法，多年潜心研究东亚文化的他将东方思想归纳为多元性和包容性，并依据自己的理解对东方以及近现代设计的审美意识做了梳理。
以现代设计结合高冈漆器的传统手工艺的名为Moon的托盘。
在黑川雅之看来，“暧昧”是一种美的行为，对空间的定位和不安本身就包含着“暧昧”，而它也最能体现美的部分；“气场”可以表达一种士气、一种品位、一种智慧，设计就是通过器物的“气场”来传达各种品位。东方人重视“你中有我，我中有你”的“群体”感觉，这意味着设计的局部与整体、设计与周边环境的和谐。东方人作画时，常常会特意创作物与物之间的“空间”，营造“无中生有”的境界；设计时会产生“偶然性”，设计师要不断地在偶然性中发现必然性，然后为其所用，为偶然所诱发。与此同时，创作产品时，虽然有时会出于设计师的自我满足，没有考虑到消费对象和目标，但这种“非连续性”恰恰会让消费者对作品产生一种崇敬感或静默感。一张设计简约的茶几，使用者可以在什么都没有中发挥想象力去感受创造，这就是“创造的连续体”。除了视觉，设计师还应该用“五感”去感受设计。
Vista别墅通过简约的设计和流畅的线条，使建筑内部与光、空气及自然的外部空间相连。
关于这些审美意识，人们可以在东京西麻布的那栋由他亲手设计的黑川雅之建筑设计事务所大楼里深切地感受到，也可以从被纽约现代艺术博物馆(MoMA)选为永久收藏 的“GOM”橡胶文具系列或者类似于“Sugi”系列杉木器皿那样的杰作中一一得到印证。虽然浸淫着优雅的东方情愫，但黑川雅之的设计最终呈现的效果却显得简约明快、无比现代，这或许是因为他没有单纯地刻意植入传统日本的文化符号。
Hanakage餐厅的设计灵感来源于日本数寄屋，以不涂漆、不装饰、形式简洁至极为特征。
“设计是内心浮现出来的一种生命的力量”——对于自己所从事的工作，黑川雅之做了如是定义。就像歌舞伎在跳舞时总会以自己的内心和意识将手指动作拉长10厘米，以期达到优美的手部表达，这位即将进入耄耋之年的设计师也依然在驱动自己的内心和意识“往前走”。他说：“这样的话，我的好多想法终归会被实现，这就是我强烈生命力的一种欲望。”
根据日本金泽在栓木上贴超薄金箔的传统工艺，这款名为“金云”的作品呈现出材质的木纹之美。
采访：
Noblesse：作为当今日本的设计大师，回顾自己几十年来的创作，你会怎样形容自己的设计风格和设计语言呢？
黑川雅之：杰出的设计往往都会被误解。人们或许会以为设计师是“为了设计而设计”，但我不同意这种观点。我的设计主张是一切应来自自然。这就像生孩子一样，我要生一个什么样的孩子，这是不能设计的。经历十月怀胎之后，孩子自然就诞生了，我（的设计）也是这样。作品诞生之后，它会遗传我的很多基因，我基因中的优缺点都显现在它身上，所以我的作品具有两重性——有好的部分，可能也有不够好的地方，就跟我的孩子一样。其实，在设计过程中，我所做的只是“无意识”设计，就是用我自己的一种感受在进行设计。
N：你早先学习的是建筑设计，然而你的设计作品从平面、家饰，到家具、空间，有很多跨界之作。你是如何在众多不同的设计领域中做到游刃有余的呢？
黑川：与其说是跨界，还不如说我是在完善自己整个人生的规划。我没有刻意去跨界，但有一点是我一直在追求的，那就是美。诚如你所言，现在“跨界”之风盛行，然而我是无意识的，从没想过一定要刻意通过“跨界”来创作什么作品。我不认为做建筑的人就只能做建筑，不同的设计领域包含着许多互通的东西，在它们的内部有一个共同点，那就是美，所有美的东西都能让我感动。
设计师被杉木自然清新的纹理特征与极好的触觉所感动，设计了此款碟和筷。
N：如果说设计是一种语言的话，你希望用这种语言向你的受众表达什么样的信息或者观点？
黑川：我本身是从事理论教育的，其实非常擅长表达，但是一旦进入设计的状态之后，我反而无语了。或许，人们看到我的作品，会发现某些细节的处理是相当“黑川式”的。这就意味着我的作品就是我最好的表达，它们就是我的语言。
N：你很早就开始从事一些设计理论的推广和活动组织工作，比如在1998年创立的“物学研究会”。当时创立这个研究会的初衷是什么？
黑川：简单来说，创建这个研究会是因为我本人拥有强烈的好奇心，并且对我所关注的一切都会产生想要挑战的欲望。在日本，一些大企业都有自己的设计团队。社会上，人们使用的很多工业产品和物件其实都是由这些团队设计的，而不是由像我这样的自由设计师设计。当时我就考虑到，让这些设计师进入我所组织的一个社团里，与我们这些自由设计师——也是前辈——一起研究，从而激发他们的创造性思维，提高他们的设计水准，包括与他人之间的沟通交流能力等。
N：你认为人与物之间的最完美关系应该是怎样的？
黑川：作为一名优秀设计师，对“物”的理解确实非常重要。很多人都没有理解这一点——物，首先是可触摸的，它的触感超越了视觉，人们可以通过感官去感受与触摸它。对工业产品设计师来说，触摸也是重点。大家需要关注材料，并学会用自己的感受去触摸它，这也是我一直在提倡的观点，即人与物之间的关系要靠触摸来构成。因为我觉得物要靠“真”来打动人，当你在触摸“真”的物时，你会发现自己在享受它，并感受到一种“爱”和“被爱”的感觉。人与物之间，是需要“真”来表达的。
铁壶，日本传统工艺与现代设计完美结合。
N：在做设计时，你的灵感通常来自哪里？
黑川：作为设计师，灵感是大家都在寻找的。就我自己而言，我的工作时间与休息时间总是交织在一起的，甚至有时连睡觉时的梦境都与设计有关。这个螺丝怎么拧，这个部件怎么安装，这个产品用什么材料……这些都是我整天考虑的问题，而头脑里每天都可能迸发出新的创意。
N：你今年已经76岁了，我们很想知道你究竟是如何保持旺盛的创造力的？
黑川：我希望自己到80岁时依然保持这种旺盛的创造力，以及这种对“物”的爱。关于这个问题的答案，其实就是刚才提到的好奇心——我的好奇心非同一般。与此同时，我还许下了许多愿望，这个想做，那个也想做，我一直有这样的欲望。或许，这些愿望就是我能够将设计做到现在的真正“源动力”。所以，不断许愿，不断期待，你的愿望就会一步步实现。如果什么期待、梦想都没有，就会一事无成。
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