近日，在“魔都”上海最时尚艺术的事件莫过于：印象派大师—“莫奈特展”（于淮海路的K11购物艺术中心举办），此次画展呈现有52幅印象派大师的真迹，其中包括莫奈晚年的名作：3米长的《紫藤》和2米高的《睡莲》，此外，莫奈在十几岁时画的讽刺漫画也是难得一见的珍品，另外还有3件莫奈生前所用物品展出，同时40幅“印象派之父”克劳德·莫奈的作品、12幅由莫奈收藏的印象派著名画家雷诺阿等人的作品也十分难得。
值此重大艺术潮流事件之际，为了亲赴实更好地欣赏名作，请让我们先开启对于整个“印象画派”的解读之旅。
1874年莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。
印象画派得到发展的原因在于其反对陈旧的古典画派，以及矫揉造作的浪漫主义派系，在19世纪光学理论发展的启发下，印象派更注重在绘画中对光的研究和表现。
以马奈，德加为代表的印象派大师开启了纯粹语言探索的历程，表现户外的阳光是他们共同的主题，到了印象派后期塞尚、梵高、高更将许多矛盾的造型因素集大成探索出全新独特的风格并深远影响了后来的艺术发展样式，他们用强烈色彩灿烂与颤动的用笔、质朴原始的表现风格，集体表达着追求宁静生活环境的纯真态度。
1．吹笛少年——把印象主义的光和色彩带进了人物画
《吹笛少年》
画家：马奈（法国印象派著名画家）
1866年
巴黎奥赛美术馆
画中的吹笛少年以右脚为重心站立，左腿向外伸展，上身自然向左倾斜，手指在乐器的孔洞上按压，悠扬的音符流泻而出，脸上神情专注，谨慎的演出。
马奈革命性的现代色彩构图风格，在《吹短笛的男孩》中表现得更简洁有力，平涂颜色的笔触突出了色彩纯粹的力量，黑与白之间，他完全屏弃渐弱的灰影带来的暧昧性，独爱由最光面直接引入黑暗的反差色彩构图，在这幅画中没有阴影，没有视平线，没有轮廓线，以最小限度的主体层次来作画，否定了三度空间的深远感。杜米埃说过马奈的画平得像扑克牌一样。
2． 日出·印象——为印象画派确定名称的传奇之作
《日出·印象》
画集：莫奈
1872 年
现收藏于：巴黎马尔莫丹艺术陈列室
“印象派”与“最初带有贬义色彩，一些人嘲笑画家是把颜料装在管子里吹上去，随便涂抹一下，签上名了事。不过也可以理解最初人们无法接受这些没有章法的，放佛胡乱涂抹的东西，因为它给人们的视觉冲击是空前的，没有参照的。
这幅画面上没有明确的形体和结构，只有跳跃的色彩和光线。全部画面是画家对日出时景物在光线的照射下瞬息的把握。这确实是与传统彻底决裂的，因为传统的观念认为物体是有固定颜色的，不会出现色彩的游离和变化，可是在这幅画中，莫奈表现出的正是在光线照射下，各种物体在光线的照射中所呈现出的色彩斑斓和变化的特征以及明暗的效果。从中我们也能看出印象主义绘画所重视的不再是物体的本身，而是以物体为媒介，反映色彩的强烈变化，奉光线为老师，以色彩的摇曳多姿为绘画宗旨。
3． 红磨坊的舞会——光与影、明与暗和谐组合构成摇曳多姿画面的作品
《红磨坊的舞会》
画家：雷诺阿
1876 年
现收藏于巴黎奥赛博物馆
画中背景是位于巴黎马特尔高地的一处很受欢迎的露天歌舞厅。三对跳舞者组合成了一个正边三角形的构图，看上去均衡、对称。一场普通的舞会，在画家的笔下变得特别雅致有趣，甚至让人有一种到了缥缈仙境的感觉，集中体现了那个时代自由、闲适的时代精神。
虽然雷诺阿的个人生活并不是一帆风顺，并且经常被经济困难和疾病困扰，可是他的作品中丝毫看不到阴暗和不安的调子，这反映了一个艺术家乐观的情怀和为世界创造欢乐的艺术操守，在整个艺术史上留下了让人备感温馨的闪亮一页。
4． 向日葵——夸张的形体和激情四射的色彩与画家涌动的创作激情的强烈碰撞
《向日葵》
画家：梵高
1888 年
现收藏于：阿姆斯特丹国立梵高博物馆
梵高在自己绘画的成熟期创作了《向日葵》这幅作品，画面上朵朵葵花夸张的形体和单纯而强烈的色彩，使人头晕目眩，那火焰般的向日葵仿佛是一朵朵燃烧的生命，充满了智慧和灵气，被画家赋予了一种生命蓬勃燃烧的冲动和张力。
“生活对我来说就是一次艰难的航行，但我将奋斗，我将生活得有价值，我将努力战胜，并赢得生活”——这是生活在低处、灵魂在高处的梵高对待生活的态度。作为一位用生命创作的画家，梵高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执着的追求中，树立起了划时代的丰碑。
5． 星月夜——跨越时空的旷世之作，标新立异、大胆创新的典范
《星月夜》
画家：梵高
1889 年
现收藏于：纽约现代艺术馆
1889 年5 月8 日，梵高精神第二次崩溃之后，来到离阿尔25 公里的圣雷米自愿接受精神病院治疗。那时，医生允许他白天外出写生，他住院一个月后，画了这幅画，画中的村庄就是圣雷米。
从绘画技巧来看，画面构图极为准确，画中以树木衬托天空，以获得构图上微妙的平衡。特别是那些柏树的线条画得流畅而别具一格，这幅画的色彩主要是蓝和紫罗兰，旋转的黄色、蓝色的天空似乎要把人带入奔腾的激流，前景中的柏树用了深绿和棕色，意味着黑夜的笼罩，整个画面着色搭配协调，浓淡相宜，深浅适中，很好地配合了画中的氛围。
画家的这种幻象的画风，超出了中世纪艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做过的任何尝试，它来自画家某种直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。作品预示了画家用幻想作为手段而对自己的主观世界加以表达的探索，这种探索充斥着一种震撼人心的力量。
6． 我们从何处来？我们是谁？我们向何处去？—— 神秘的象征意义，追求原始性的创作风格
《我们从何处来？我们是谁？我们向何处去？》
画家：保罗·高更
1897 年
现收藏于波士顿美术馆
画面长达四米半，从左到右依次向我们展现了人生的不同阶段以及时间流逝和生命消失的过程。整个大地代表母亲，它孕育了一切生命，又终结了一切生命，使它们最终又回归到她的怀抱。画中的树木、花果、动物——一切的生命都象征着时光的流逝和生命的一去不返。此画可以说是高更对塔希提岛多年生活经验的综述，也是献给自己的墓志铭。
高更厌恶现代文明，一直追求最原始、淳朴，反映生命本真的东西，这也使他的艺术更加风格化、个性化。他摆脱了明暗对比以及立体透视等绘画手法，而是将色彩直接平涂在画布上，进行平面式的创作。且虽然画面中的形象、色彩和构图看上去很像神话传说，其实画家在此所表现的只是那些土著人一种偶然的臆想。