金秋九月，万物丰盈。富士胶片邀您继续光影共享之旅，学习更多摄影知识和拍摄技巧。
首站，我们将远赴南美大陆。透过镜头，在这片充满激情与活力的土地上，我们将学习如何用影像诉说人文故事，将南美的缤纷色彩尽收眼底。
紧接着，我们将穿越时空，回到神秘的古蜀文明。在三星堆遗址，我们将探讨如何用光影诠释历史，用构图传递文物的庄重与神秘。这是一次与远古对话的奇妙经历，让我们共同揭开三星堆的神秘面纱。
第三站，我们将深入探讨人像摄影的艺术。如何运用自然光与人造光，创造出令人屏息的氛围感？如何捕捉模特瞬息万变的神态？我们将一同探索，让您的人像作品散发出独特的魅力。
最后，为迎接即将到来的十一长假，我们将为您奉上一份独家的旅拍指南。从如何选择最佳机位，到如何在旅途中捕捉光与影的完美平衡，我们将为您的假期摄影之旅保驾护航。
在上期光影共享课中，摄影师邬慎杰给我们分享了GFX 系统的16bit色深在人像中的应用以及拍摄观念作品的构思方法。
邬慎杰
富士胶片中国签约摄影师
中国人像摄影十杰
奥地利超级摄影巡回赛全场大奖
16bit 概念讲解
在8bit的情况下，画面中的一种颜色由256个色彩组成，而在16bit的情况下，一种颜色由65536个色彩组成。假设一个画面由红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七大色系组成，其中的影像信息量就非常大了。
©邬慎杰
这是一张黑灰层次丰富的照片，当它加上RGB颜色后，就会出现完整的色彩，这个色彩绚丽如何而来，其实一切取决于“灰”。当影像的“灰”够丰富，他的细节就会完整出现。
看到任何一幅照片，我都能通过阈值去预判每一个灯光的光比以及角度等，16bit的像素是紧密相连的，大家可以通过调整阈值直观地感受像素的紧密程度。16bit的紧密度可以给善于做色彩管理的摄影师更大的影像制作空间。
16BIT高调影像细节展示
16bit同样为高调带来丰富细节，这张照片中人物皮肤的细腻性、每一个高光部位的细节、每一个毛孔的紧密度都表现得非常好。
©邬慎杰
100%放大细节展示
我个人平时拍人像通常用GF110mmF2 R LM WR和GF55mmF1.7 R WR两种镜头。我喜欢用GF55mmF1.7 R WR镜头，因为在拍人像的时候，我希望照片有空间感。GF55mmF1.7 R WR的角度跟人的视角相等，它会带来更多透气感。而且它带有适当的微广角，如果我觉得模特的腿有点短，机位低一点，腿就拉长了；如果我觉得模特的脸有点宽，机位稍微高一点，脸就变小了。
©邬慎杰
作为人像摄影师，我比较喜欢运用类似的镜头。拍摄时，如果想不到什么样的镜头会更好，可以尝试盲目加大光圈，通过细节的衔接效果进行判断。
选择GFX系统的原因
一个摄影师在拍摄的时候要注意很多信息，我认为一台相机集彩准、色深、质感、锐度、便捷、速度、反应、对焦等性能于一体，是好相机。作为商业广告摄影师，我最看重影像质量，其次是便捷度。
©邬慎杰
我一直选用GFX系统是因为它特别方便，影像构成也非常好，这样的设备给我带来了无限的创作空间，我可以肆无忌惮地表达我对人像的理解。
亿像素人像作品分享
所有正能量的照片，眼神光都会在瞳孔之上，大家进行正能量的表达时，尽可能把眼神光控制在瞳孔之上。要表达忧郁的时候，可以把眼神光移到瞳孔中间。
©邬慎杰
《大象无形》是我在做的一个主题，无拘于线条、肌理等，我只是在制造我认为的像，它无论是由线条、肌理、块状组成，还是胡乱涂写，都是我寻找的一个模式。
©邬慎杰
其实更多的时候，我在寻找着历史上每一位艺术家对社会的反应，哪怕是他用笔触从肌理、从结构在制造着的影像，我会幻想着学习这些从古埃及时代到文艺复兴、巴洛克时期等的每一位艺术大师对社会现状的表达，甚至我开始把自己的理解拍出来。
©邬慎杰
这是受到梵高《向日葵》的启发而创作的作品，我用了真花、假花以及颜料堆积出向日葵。
©邬慎杰
在爱尔勒时期，梵高开始模仿自己的瓶中向日葵，我用了另外一种方式展示向日葵，它虽然不同，但都是一种结构的表现。
传统油画与数码造像
到现在为止，我一直在制造自己的像，我觉得我所制造的是自己的影像，并不是给大家看的或评论的，我只是拍出我想要的。
©邬慎杰
100%放大细节展示
这幅作品，我学习了高更的作品，高更被称之为综合主义的油画大师，我把这个作品命名为综合主义，他极度地把景泰蓝艺术，即色彩与色彩之间没有过渡色的模式做到了极致，同样我也通过这个理念来制造影像。这张照片中，红与黑没有过渡色，形成强烈的对比，粗糙的水泥结构和嘴巴皮肤上的细腻形成对比，制造了具有对立面的综合主义，这也是社会的一种反映。
©邬慎杰
这是目前我比较喜欢的一幅作品，这幅作品和莫奈有联系。莫奈先生对所有的影，都是采用平涂式的阴影过渡，他没有展现极大反差的阴影面。莫奈先生曾经有句话叫做，一生只爱一个女人。当他第一任妻子去世的时候，他跟全世界讲，我的眼睛再也看不到东西，在这样的故事情怀下，我在他的眼睛上填堵了一堆废墟，他是看不见的，但是我希望从他眼睛里看到希望，让自己不要冷却，更暖一些。
©邬慎杰
很多时候，我们的作品就是这样延伸的，在拍摄前都会有一些思绪，平静的、动荡的、光滑的、粗糙的结构都可以展现出来。
©邬慎杰
我以前喜欢拍黑白，但是现在我不拍黑白了，我认为黑白给人的感觉太冷了，我需要世界温暖一点，让画面更有色彩，更有暖度。
©邬慎杰
在创作的时候，我希望大家做到一点，看到一些好玩的东西，先想好要拍成什么样，而不要盲目地开始拿相机去拍摄。很多人拍完作品以后，开始去写一段为这个照片编造的内容，我认为我们要把它倒过来，一定要先想好要表达的内容，再去制造什么。
©邬慎杰
彩色是色彩管理学，从前期色彩匹配的规划，到后边制作、品片的时候，也是一个色彩管理，可能在拍外景、人文或者街拍的时候没有那么多条件让大家去调整统一色彩，所以会把画面转成黑白，这样照片就感觉更艺术了，其实彩色的照片也可以。
如果想拍好一张彩色的片子，我给大家一个简单的入门的口诀，记住一个比例：用75%的大色块定色，再用20%的其他颜色作为视觉的中心点，最后用5%的最亮部位或者高光部位去提出要表达的思想中心。这样的照片一目了然，色彩也会比较协调，这是最简单的，当然后面还可以细化色彩。
数码造像：伦勃朗光
很多人理解伦勃朗光是三角形的轮廓光，但伦勃朗光并不是脸部的结构，伦勃朗绘画的光影艺术有多层次的明暗变化，我们可以把它理解成为是一个手电筒，它永远在制造亮暗的层次，他的画面有一个特点，画面前面是暗，过渡亮，再有一股暗，再一股亮，一共是4层。大家可以在网上搜一下伦勃朗的作品，看一下他的作品，你如果看懂了伦布朗的用光体系，你就会明白应该怎么拍。
©邬慎杰
文艺复兴时期，大家用的物体前后景深，往往是前高位的主光源很明亮，但是它的景深感是用排序或者结构几何体等制造的。在文艺复兴之后，伦勃朗是唯一一个用矩阵光在制造纵深的艺术家，大家可以学习一下。
©邬慎杰
最后送给大家一句话，亿速向前，不止于色。希望大家在创作过程中能产生更多的想法。
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