西方世界艺术几千年的发展历程当中，雕塑的发展演变，是一门永远无法被人们忘怀的艺术精粹。雕塑是最能显示社会文化气息的大众艺术品。站在雕塑面前，不说话的塑像可以告诉你很多东西，通过作者的一刀一凿，你可以想象它生活的时代，“听”它诉说往事和历史。
好的雕塑可以让人回味无穷，从中看到自我，释放灵魂。好的雕塑就是艺术家的精神结晶，人类的智慧象征，可以让我们的身心沉醉其中。让我们共同走进7座艺术史上最著名的雕塑，感受其非凡的艺术魅力，了解背后鲜为人知的传奇故事，来一场跨越时空的对话。
Winged Victory of Samothrace
约公元前190年
《萨莫色雷斯的胜利女神》（又名《沙摩特拉的胜利女神》《萨莫色雷斯尼开像》）是约公元前190年被创作出的大理石雕塑，作者不详，现收藏于法国巴黎卢浮宫。
萨莫色雷斯的胜利女神被誉为卢浮宫镇馆三宝之一，安放在德农馆恢弘的达鲁阶梯之上。雄健的双翼向侧后方舒展，迎着海风展翅欲飞，以胜利的姿态激情凯旋。
然而她并非出土就这样。而是在很长一段时间都没有翅膀，灰头土脸的和其他雕塑堆放在一起，几乎很难引人注意。它的背后，隐藏着一段长达20年的考古和修复故事。
1863年，法国考古学家尚帕佐在希腊萨莫色雷斯岛无意中挖掘出这座雕塑。雕塑损毁严重，碎成近200块大理石残片，被尚帕佐统一打包运回法国。
所幸卢浮宫的文物修复能力非常强大，残片重新拼接后，可以辨认出这是一尊2米多高的胜利女神像。但可惜的是缺失了头部和手臂，翅膀部分虽有残片，但损坏严重无法重组。
于是卢浮宫决定维持现状，不再对雕塑做更多修复，静待新的考古发现。
这一等就是12年，事情突然出现转机：奥地利考古学家发现，当时和胜利女神一起出土的，还有一批灰色的大理石残片，无意中拼接起来，发现居然是一艘战舰的船头部分。
就是这个船头，彻底改变了胜利女神的命运。因为有一枚古希腊硬币图案，就是胜利女神迎风立于船头，宣告胜利的到来。因此考古学家断定，船头就是胜利女神的基座！
法国人得知此事，立马派尚帕佐前往萨莫色雷斯岛，成功地将船头底座打包运回了卢浮宫。
此刻，卢浮宫也已经开始意识到，胜利女神必定会成为无价之宝。他们开始斥巨资修复，首先为女神加上了船头底座，继而为她插上翅膀，但始终没有添加头部和手臂。
这就是卢浮宫的高明之处：有所为又有所不为。翅膀作为胜利女神的标志必须加，这样才有迎风飘扬的动感。但头和手臂，就未免画蛇添足了。
当胜利女神修复完毕后，算上底座和翅膀，雕塑高度超过5米，底层没有房间可以容纳。于是1884年，雕塑被搬到如今的达鲁阶梯上。
阶梯是由一连串高敞的圆拱连接而成，气势恢宏。而「胜利女神」就被放置在阶梯正中央，成为绝对的视觉焦点。
1950年，另一支法国考古队又在该岛发现了女神的手掌和无名指。同年，奥地利国家考古队在清理1873年至1875年间在萨莫色雷斯岛所得到的许多残片时，又发现了女神的拇指和食指。
1967年，又发现了女神左手的残片，但是没有把这些残片与收藏在法国卢浮宫美术馆的雕像主体进行拼合。
这座雕塑除了雕刻本身的精美，最厉害的是：它能充分调动我们的想象力，营造出无与伦比的强烈气场。胜利女神生动逼真的造型，让我们感受到的不仅仅是一个人的气场，而是气氛昂扬破浪前行的完整空间。
这才是这尊萨莫色雷斯的胜利女神难以超越的魅力所在。
Venus de Milo
公元前100-130年
《米洛斯的维纳斯》（又称《米洛斯的阿芙洛蒂忒》、《断臂的维纳斯》）是古希腊雕刻家阿历山德罗斯于公元前150年左右创作的大理石雕塑，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
雕像表现出的爱神维纳斯身材端庄秀丽，肌肤丰腴，美丽的椭圆形面庞，希腊式挺直的鼻梁，平坦的前额和丰满的下巴，平静的面容，流露出希腊雕塑艺术鼎盛时期沿袭下来的思想化传统。
论艺术魅力和无与伦比的女性之美，大概没有哪座雕塑，能媲美断臂的维纳斯的崇高地位。但她是如何被推上神坛的？
维纳斯是古希腊爱与美的女神，在米洛斯的维纳斯出土之前，最有名的是意大利美第奇的维纳斯。
它曾经被拿破仑掠夺回法国，在卢浮宫存放达12年之久。而当拿破仑倒台后，意大利就无情地收回了雕塑。
这件事对法国的刺激很大。幸好没过几年，米洛斯的维纳斯就出土了。
米洛斯的维纳斯在中世纪捣毁偶像运动中被埋入地下。过了一千多年后，1820年2月，在爱琴海的米洛斯岛上，一个农夫在一座古墓旁整地时挖掘到一尊女性雕像。她分成上、下两截，农夫立刻将它们埋于原地，并报告了在岛上的法国领事。
领事即通知当时设在君士坦丁堡的法国大使。同时在爱琴海搞测量的一位希腊艺术的爱好者、法国海军士官鸠尔·丢孟·都尔维尔对此非常关注。当他看过这些雕像的部分碎片以后，认为它们是一个整体，并第一个断定这就是维纳斯的雕像。于是立刻告诉农夫，法国决定把她买下，要他不必再到处声张了，随即赶到君士坦丁堡，向大使陈述详情，促使大使下了决心并派专人前去交易。
不料岛上的长老开会决议命农夫将雕像卖给在土耳其任职的一位希腊大官，当法国人赶到岛上时已经是雕像装船的关头了。见此情景，他们几乎要动武，命令法国船舰随时准备行动。一场暴风雨推迟了土耳其船只的起航，双方展开了激烈的争夺。在混战中，维纳斯雕像的双臂被摔断了。最后几经周折，雕像终于转到了法国船上。后来又给岛上赠送金钱，从而取得了岛上放弃雕像的誓约书。雕像顺利运抵巴黎，1821年3月2日，国王路易十八才正式接受献礼。
从这一天开始，它便成为法国国家财产，并被陈列于卢浮宫特辟的专门展室中，与《蒙娜丽莎》、《胜利女神像》并称为卢浮宫三大镇馆之宝。
然而这尊维纳斯先天不足，手臂缺失，专家曾提出多种复原方案，但卢浮宫坚决拒绝，执意保留破损的状态，并冠以“残缺美”的概念。这与当时蒙娜丽莎被盗后，依然在原位保留空墙和画框异曲同工。
维纳斯的断臂成为千古之谜，令观者过目难忘。卢浮宫通过推崇“缺憾美”的观念，将这尊雕塑的劣势转变成优势。
诚然，光有残缺没有美，不过只是哗众取宠。事实上，无论断臂与否，这尊维纳斯都堪称古典雕塑的杰作。
断臂维纳斯诞生在亚历山大大帝征服希腊，横扫亚欧非后的300年，即希腊化时期。与古希腊时期相比，此时的艺术受到东方文化的冲击，更具动感。
断臂的维纳斯的精彩之处，除了优雅的S形身躯，更在于那摇摇欲坠的裙摆。左腿稍微前挪，仿佛正试图撑住滑落的裙子，时间凝固在这一刻，断臂维纳斯那份欲遮还露，欲语还休的魅力不言自明，留给人无尽遐想。
这尊断臂维纳斯融合了不同时代的审美特质，既有古典雕塑的艺术美，又有现代观念的残缺美。成为传奇，既是巧合，也有必然。
THE PITY
1499
米开朗基罗的“圣殇”，堪称艺术史中最迷人的雕塑之一，也是这位文艺复兴天才最具代表性的成名作。
1497年，年仅22岁的米开朗基罗，收到红衣主教让 • 比列尔斯的委托，创作一件圣母玛利亚怀抱死去耶稣的雕塑。计划放置于梵蒂冈圣彼得罗尼奥教堂祭坛，在1500年圣年庆祝典礼之际，供全世界朝圣者前来瞻仰。
米开朗基罗选材异常苛刻，耗费足足九个月时间挑选大理石，再将其从卡拉拉采石场运至罗马。
雕塑采用经典的金字塔构图，描绘圣母玛利亚怀抱着被钉死的基督无比悲痛的场景。基督仰面躺在圣母玛利亚双膝之间，肋骨上的伤痕清晰可见。
玛利亚身着长袍和斗篷，右手托着基督，面容哀痛。长袍既衬托了轮廓，又调和了构图比例。
米开朗基罗一反传统，将玛利亚刻画为少女，他说：“圣母是纯洁崇高的化身和神圣事物的象征，因此能够永保青春。她永恒而高贵的形象，象征着人类追求美好事物的理想。”
据说这件雕塑由于过于逼真，所有人都怀疑是否是如此年轻的米开朗琪罗所做。他一气之下，在圣母玛利亚胸前的衣带上雕刻了自己的名字，这也成为唯一一件米开朗琪罗亲自署名的作品。
DAVID
1499
米开朗琪罗的大卫雕像，是文艺复兴雕塑的巅峰之作，被誉为“天下第一美男子”。即便时至今日，世界各地的美术学院依然会将它视为素描必修课。
大卫是《旧约》的民族英雄，一次战斗中，他在上帝的庇佑下，一举击败敌方将领哥利亚，并砍下对方头颅。
大卫像最初的雕刻工程始于1464年，计划由雕刻家多纳泰罗完成，作为《旧约》中12个英雄雕像之一。
多纳泰罗在卡拉拉白色大理石上刻出下肢、躯干和衣着形状，但由于材料过于脆弱，只好搁置。1466年多纳泰罗去世，留下这尊未完成的雕像。
在米开朗基罗之前，曾有很多大师级的雕塑家，试图挑战雕刻大卫，但由于大理石本身脆弱且有杂质，难度极高，最终都放弃了。
1501年，26岁的米开朗琪罗被任命完成这件作品。以他的天分，雕刻“大卫”并非难事，但也足足花费两年多时间，才最终完成雕像。
此前关于大卫的雕塑很多，但多描绘胜利后的形象，脚踩歌利亚的头颅。
但米开朗基罗的大卫却突破传统，不再侧重胜利的姿态，而是定格在即将奔赴决战前的瞬间：大卫勇敢的直视敌人，目光坚毅，姿态沉稳。
雕塑的重心完全在右腿上，左腿只起辅助作用，这种古希腊发明的雕塑站姿名为“对立式平衡”，直到文艺复兴才被艺术家重新发掘。
大卫除了拥有希腊雕塑般完美的躯体，还有难以置信的细节。比如米开朗琪罗为了让眼睛更加有神，将瞳孔雕刻为可爱的心形，仿佛发光般炯炯有神。
米开朗琪罗的大卫，和其它雕塑家的作品对比，正是凭借其自信沉静的高贵形态，呈现出超越时间的艺术感染力。
除了雕塑形体本身的完美，米开朗琪罗的大卫的社会时代背景也同样难以复制。
大卫雕像完成之时，恰逢佛罗伦萨结束混乱，进入共和的时代。大卫那种不畏强敌的英勇神情，完美体现了当时佛罗伦萨人的坚强意志。因此它被直接立于市政厅前，不再是宗教人物，而成为佛罗伦萨精神的象征。
如今，「大卫」的真迹已经被移至学院美术馆。但佛罗伦萨市政厅，就是如今的维奇奥宫前，依然能够欣赏到「大卫」雕像的复制品。
No.5
拉奥孔与儿子们
Laocoön and His Sons
公元前一世纪
1506年，在罗马第十位皇帝 Titus 宫殿旧址附近，一位葡萄园农民无意中发现了一座古代雕塑群像。谁能想到，这成为了改变欧洲美学的重大文物发现。
这座技艺精湛的雕塑群的出土，一下子吸引到了热爱艺术的教皇尤利西斯二世的注意，教皇以丰厚的赏赐收购，甚至派米开朗琪罗亲临出土现场。
艺术家和学者对诸如雕塑主题、作者、年代等问题经过相当长时间的讨论，最后推定，这是特洛伊故事中拉奥孔父子的雕塑。
作品取材于希腊神话中特洛伊之战的故事。波塞冬祭祀拉奥孔，在特洛伊战争中告诫同胞，把希腊人留下的木马搬进城中非常危险。
因此，希腊的保护神雅典娜派了两条巨蟒，缠死了祭司和两个儿子，这座雕塑刻画的正是这一触目惊心的场面。
巨蟒用致命的绞缠方式，扼杀拉奥孔和他的两个儿子。拉奥孔头部后仰，嘴唇微张，面容由于痛苦而变形。一旁同样被蛇缠绕住的儿子，绝望地望着父亲。
根据考证，《拉奥孔》群像是公元前50年左右希腊罗德岛上的三个大雕塑家阿格桑德洛斯、波留多罗斯和阿塔诺多罗斯集体创作的，最早安放在希腊罗得岛。
1506年出土时，拉奥孔父子三人的右手手臂都是残缺。教皇曾召集艺术家商讨雕塑如何复原。其中拉奥孔的残臂的姿态，曾引发巨大的争议。
百年来，无数艺术家试图复原这座雕塑。有人觉得，既然拉奥孔是在与巨蟒纠缠，那么手臂应当是伸直的；而米开朗琪罗凭直觉认为，身处恐惧和绝望中的拉奥孔，手臂应是蜷曲回折的。
奇妙的是，五百年后的1906年，拉奥孔出土的地方居然又挖出一截断臂，因时间久远，并没人将两者联系起来。又过去几十年，机缘巧合，梵蒂冈博物馆将手臂和拉奥孔组接，竟然完美吻合，这才成就了如今的拉奥孔像。
这只新出土的手是弯曲的，证明了米开朗琪罗作为艺术大师，敏锐的直觉与判断。如今在欧洲各地，还能看到不同手臂的拉奥孔，大抵可代表不同时代艺术家对“残缺”部分的构想。
黑格尔《美学》中说，“尽管它表现出极端痛苦，高度真实，身体抽搐，筋肉跳动，却依旧保持着悲剧美的高贵品质，丝毫没有流于丑相。”描绘痛苦，却以美的方式。这也是这尊雕像最迷人的魅力。
No.6
圣特蕾莎的沉迷
Ecstasy of Saint Teresa
1647–52
意大利杰出建筑和雕塑家贝尼尼，最著名的作品是圣彼得教堂前广场和柱廊，但因为太过华美，抢了主教堂穹顶的风头。贝尼尼也因此备受争议，以致沉寂10年之久无人问津。
圣彼得教堂及前广场柱廊
最终，贝尼尼依靠这件维多利亚教堂-科纳罗小礼拜堂“圣特雷莎的沉迷”，一举改变命运，二次翻红，可见这件雕塑当时的影响之大。
“圣特雷莎的沉迷”刻画了一个极其特别的瞬间：西班牙特蕾莎修女，曾在梦中有圣灵相通的体验：天使将神圣的爱之箭刺入她的心脏，她在疼痛和狂喜的交织中，深深陶醉，无法自拔。
贝尼尼“圣特雷萨的沉迷”之所以影响巨大，除了技艺的高超，更重要的原因是其所引发的巨大争议。
特蕾莎双眸轻合，嘴唇微张，身躯漂浮在云端，因为狂喜而微微痉挛，沉浸在难以言喻的极致欢愉中。
贝尼尼很巧妙地游走在“神圣”和“情欲”的边缘，从形体到感官，都充满令人心醉神迷的想象空间。
此外，如果只是孤立地欣赏这座雕塑就太可惜了。为了衬托氛围，贝尼尼足足用20多种彩色大理石装饰礼拜堂。从天而降的金色钢丝仿佛聚光灯照亮金碧辉煌的舞台中央。
贝尼尼甚至还在舞台两侧雕刻出观众，共同见证着这一幕华丽的舞台剧，戏剧张力十足。
面对“圣特雷萨的沉迷”教会没有批判，反而赞赏有加。因为当时正值反宗教改革盛期，教会需要这种强烈，并震撼人心的作品来打动信徒。
当虔诚的信徒试图与上帝灵魂合一时，没有任何一件作品，比“圣特雷萨的沉迷”更令人震撼和臣服了。尽管其中含有世俗的情欲，贝尼尼也用完美的“神性”压制住了。
No.7
思想者
十九世纪法国伟大雕塑家罗丹的“思想者”，无疑是世界最著名的雕塑之一。它也并非独立的作品，而是巨型雕塑“地狱之门”的一部分。
1880年，罗丹受巴黎装饰艺术博物馆邀请，雕刻一扇青铜大门。罗丹沉思良久，最终受到但丁《神曲》的启发，创作出不朽雕塑“地狱之门”。
罗丹将《神曲 • 地狱篇》中的“从我这里走进苦恼之城，从我这里走进罪恶之渊，你们走进来的，把一切希望抛之于后”作为青铜大门的创作主题。
门上共雕刻186个分别为情欲、恐惧、理想而不断争斗、折磨自己的人类形象，而“思想者”正是其中之一，原型正是《神曲》的作者但丁。
“地狱之门”上方是三个低垂头颅的男性，被称为“三个影子”，他们将观者的视线引入“地狱”。门楣之下横幅的中央就是“思想者”。
横幅之下即使地狱入口，即将被打入地狱的罪恶灵魂，正在做着痛苦而绝望地最后挣扎，所有人物都是裸体。因为罗丹认为，只有赤裸的躯体，能以最直观的方式呈现思想和情感。
罗丹从40岁开始创作“地狱之门”，直至77岁生命完结。37年的创作历程，融入了罗丹自己对于人生的思考和观念的转变。
思考者究竟在思考什么？也许永远不会有答案，但却给予我们一个思考和领悟的契机：关于生命的意义和价值，关于生活的理想和真谛，而答案，需要我们用一生去探寻。
