泰勒画廊欣然宣布，将于纽约空间呈献展览“‘继续绘画’：詹姆斯·毕晓普与纽约”（To Continue Painting: James Bishop and New York），展出美国艺术家詹姆斯·毕晓普（James Bishop，1927–2021）的绘画与纸本作品。展览由艺术史学家莫莉·沃诺克（Molly Warnock）策划，将于2026年1月15日至2月28日在纽约展出。
本次展览汇集了创作于约1960年至1987年间的8件绘画作品与11件纸本作品，呈现毕晓普艺术生涯中一个高度密集、富于创造力并逐渐获得重要认可的阶段。展览选址亦别具意义，画廊距离艺术家昔日位于里斯佩纳德街（Lispenard Street）的工作室仅数个街区，使作品与其创作语境形成微妙的时空呼应。
展览标题“继续绘画”（To continue painting）源自毕晓普于1973年向美国国家艺术基金会（National Endowment for the Arts）提交的一份资助申请。在那份文件中，他对申请资助的目的仅以“为了继续绘画”这一句话作答。这句朴素而坚定的陈述，既概括了艺术家一生的创作信念，也成为理解其艺术实践与精神内核的关键线索。
《老荷兰》，1979年
布面油画
194.3 × 194.3 厘米
这是十余年来纽约首次为詹姆斯·毕晓普举办的作品个展，具有重要的学术与历史意义。展览期间，策展人莫莉·沃诺克将于1月28日在泰勒画廊与艺术家艾米·希尔曼（Amy Sillman）及大卫·里德（David Reed）展开一场公开对谈，从绘画实践、艺术语言与时代语境等角度，深入探讨毕晓普的创作及其在当代艺术史中的位置。
詹姆斯·毕晓普在美国与欧洲战后艺术语境中，以一种内敛而克制的抽象语言，开辟了一条属于自己的道路。他的创作在强调过程与物质性的同时，也极力呈现内在的表达。这位出生于密苏里州的画家于1958年移居巴黎，随后大半生在法国的布莱维度过。他曾将自己形容为“抽象表现主义中较为安静的一派”，这一自述恰如其分地概括了其作品中低调却深远的力量。
本次展览中最早呈现的两件布面油画作品《无题》（1961–62）与《时刻》（Hours，1963），清晰展现了毕晓普与当时美国绘画语境之间的深刻关联。尽管他的创作在某些层面上与色域绘画（Colour Field Painting）形成呼应，但与同时代艺术家不同的是，毕晓普始终在经过底涂处理的画布上作画，使颜料不再渗入织物纤维，而是如同一层“皮肤”般停留于画面表层，明确保留了画笔运行与手部动作的痕迹。正是这些痕迹，使他的作品与极简主义拉开了距离，尽管在形式语言上，他的确展现出一种高度凝练、趋向简化的倾向。其中，《时刻》尤为关键，它预示并奠定了毕晓普此后逐渐成熟的创作方法与构图关注点，这些特征贯穿并塑造了他随后数十年的艺术实践。
在创作过程中，毕晓普通常将拉伸完成的画布平放于工作室地面，并以铅笔先行勾勒出画面的几何结构。随后，他通过倾斜画布，使稀释后的油彩在重力作用下自然流动，同时又将颜料的运行轨迹严格限定在预先设定的结构边界之内。这一方法在引入偶然性的同时，始终保留了艺术家对画面的掌控，也进一步强调了画布作为“承载体”的物理条件，如其尺寸、肌理与平面属性。
在《时刻》（Hours）一作中，这一创作过程最终形成了画面中央由蓝色与绿色交织而成的近似方格结构，其外侧环绕着一圈不规则的深钴蓝色边缘。这道色带既为画面构图提供了框定，也在视觉上呼应了画布本身的比例关系，使作品在秩序与流动之间达成微妙的平衡。
这一视觉语言在展览中其余6件大型绘画中反复出现。这些作品均采用了与人体尺度相当的77 × 77英寸（约195.6 × 195.6厘米）正方形画幅，这是毕晓普在1967年至1986年间长期使用的标准尺寸。画面中，大面积的灰白、赭石、橄榄绿与灰色色域被若隐若现、不断变动的线条所切割。这些结构令人联想到门、梯子与脚手架，诗人约翰·阿什贝利（John Ashbery）曾形容毕晓普的绘画是“一半建筑，一半空气”。这种近乎建筑式的空间划分始终因艺术家对颜料的处理而保持鲜活的呼吸感。画面中偶尔出现的不规则与轻微的不对称，不断提醒观者：绘画的身体本质上是不稳定的、始终处于生成之中的。
重复与变奏同样构成了毕晓普创作中的核心母题，这一点在本次展出的11件纸本作品中尤为清晰可见。相较于大尺幅绘画，这些小幅作品邀请观者以更近距离、更私密的方式进入画面。即便是在纸上创作，毕晓普也未随同代艺术家转向当时日益流行的丙烯颜料，而是始终坚持使用油画颜料，珍视其所带来的通透质感与深邃层次。这些纸本作品中，许多延续了相近的几何构成元素，在背景与前景之间悄然游移，通过遮蔽与显露不断制造视觉张力。形式在反复中被重新排列，每一次细微的调整，都会在整体与局部之间生成新的关系与紧张感，使作品在克制之中始终保持着微妙而鲜活的变化。
莫莉·沃诺克
Molly Warnock
毕晓普的‘重复’并非线性推进的‘一个接着一个’，而更像是某种形态在与另一形态发生接触时悄然浮现，一种自始便彼此牵连、相互生成的关系。这种重复并不指向序列，而是一种更为亲密的共存状态。”
这些明亮而纤细的作品，为我们提供了一条深入理解毕晓普艺术实践的路径：一位画家如何在有限而克制的结构中，通过不断的重复与微妙的差异，持续探索暧昧与不协调的张力。他以近乎沉默却始终不懈的方式，长期投身于绘画本身，将这一实践视为一种缓慢而专注的探寻。
詹姆斯·毕晓普（James Bishop）1927年生于美国密苏里州尼奥肖，2021年卒于法国布莱维。曾就读于圣路易斯华盛顿大学与黑山学院，并在哥伦比亚大学师从迈耶·夏皮罗（Meyer Shapiro）学习艺术史。1966年，在巴黎与布鲁塞尔多次成功举办个展及收获美国评论家安妮特·米歇尔森（Annette Michelson）等人的积极评论后，他相继在巴黎让·富尼耶画廊与纽约费施巴赫画廊举办个展，确立其国际声誉。
此后，毕晓普的作品曾在多个机构与画廊举办过众多个人展览，包括：纽约钟楼艺术中心（1973年）、纽约罗莎·埃斯曼画廊（1974年）、罗马达莱桑德罗–费兰蒂画廊（1975年）、米兰弗朗索瓦丝·兰伯特画廊（1977年）、慕尼黑吕迪格·舍特勒画廊（1977年）、纽约德罗尔/科尔伯特画廊（1979年）、旧金山丹尼尔·温伯格画廊（1981年）、纽约西蒙/纽曼画廊（1987年）、慕尼黑弗雷德·扬画廊（2004年）、温特图尔美术馆（2007年）、芝加哥艺术博物馆（2008年）以及纽约卓纳画廊（2014年）。
毕晓普的作品被全球多家重要公共机构与收藏体系所收藏，其中包括：芝加哥艺术博物馆、路易斯安那现代艺术博物馆（丹麦胡姆勒拜克）、慕尼黑国家版画与素描馆、纽约现代艺术博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、旧金山现代艺术博物馆、温特图尔美术馆以及苏黎世美术馆。
