【图库】崔宇作品

Q=青桐platan

A=崔宇

Q：这次个展从委托项目中生成扩延，可以说是一次中国雕塑的国际输出了，而且级别也是很有分量的。对于这次展览在策划和呈现，以及参展的作品，你的看法是？

A：展览的主办方是韩国国际文化交流院，展览作为“中韩公共外交和平论坛”的系列活动之一，是在《安重根》雕像创作的引发下，更加全面地呈现我作为这件雕塑作品作者的创作生涯，以期让韩国的观众可以看到关于作者更多的创作面貌。所以展览的统筹由韩国国际文化交流院院长宋基出先生担任，展出场地大韩民国议政府艺术殿堂是官方的多功能展厅，展品主要是选择了具象类的作品（安重根的雕塑偏向传统具象的表现手法），时间跨越2006年至2018年。具体的，在风格内容上绕开了当代，更多选择了具有中国特性且延续东方传统精神的作品，这样中韩双方都可以在这个脉络传承下对话交流。同时，为了展览的丰富性考虑，也分别挑选了不同系列的作品参展，在具象的框架中是相对完整的，基本上各种尝试都有，甚至包括很少展出的一些绘画性作品。

Q：《大韩义士安重根》铜像的创作契机是怎样的？

A：这件作品的创作初因是中国察哈尔学会的委托，创作朝鲜民族对外抗争的英雄烈士安重根（朝鲜被日本占领后，安重根流亡丹东，并在哈尔滨火车站刺杀了日本首相伊藤博文）。接受委托后，我花费了大量的时间进行了解这个人物，在韩国本地当然也有安重根相关的雕塑作品，但是造型风格主要是站着或者坐着，而我所做的这件作品，主要表达了刺杀的那一个运动的瞬间，雕像涵盖了整个事件，英雄式的壮举勇敢无畏，而且单腿着地的重心力学把握十分精确，视觉冲击力极强。

这个雕像在韩国各大纪念馆都有陈列，所以可以说拥有比较庞大的群众基础。在这次的“唯物主义”个展中，雕像也会一同展出，七八米高的大雕像在户外，如同纪念碑。展览现场呈现的是雕像的缩小版，大概七八十公分。除此以外，在这个作品的创作过程当中，还有一件《安重根书写东洋和平论》的雕像，主要表达了东亚和平的愿景，也会一同展出。

Q：委托项目在你创作中占有一定的比例，在你看来，委托定制和创作之间的关系是怎样的？委托是否会带来一些创作上的限制？

A：我觉得这两者毫不冲突，甚至是相互滋养的。米开朗基罗、罗丹的很多重要作品都是当时重要家族的委托定制，毫不夸张的说，在那个时代没有委托就没有创作。今天，很多集团或政府都有表达某种精神的需求，只有方向没有细节，所以它们更愿意委托给艺术家进行创作，这也是很多公共艺术的起源。当然，这跟纯艺术是有一定区别的，街头、广场、商场等，因为需要考虑到广泛的受众，公共艺术受到更多方的检验。出资人负责相关的材料费用，艺术家进行创作主导，各方的势力联合在一起，雕塑的费用很高，光靠个人投入是巨大的，必须借助一些社会力量，才能进行更大项目的创作。

当然这种创作的一些制约就需要艺术家进行调节，有些东西可以让步，有些则不能。我的很多委托项目，都是在以往创作系列的认可基础上，出资人一般很少会干涉具体创作的细节，这也是委托可以生成的必要条件，否则他可以去找更廉价的加工。所以每一次的委托，无论规模大小，都会尽全力去创作，这就是创作。

这次在韩国的展览，可以说是一次比较高的认可，虽然以前也做过很多的国家项目，譬如奥体公园等等，但这还是第一次在国外展出，而且是由中国雕塑家创作的韩国民族英雄雕像，这件事情本身就很有意思。我们也希望能够把中国的雕塑艺术推向国际，把民族的东西拿到世界各地去碰撞出一些新的影响。

Q：今天更多的艺术家都会绕开具象，但你带有明显观念化的创作过程中，仍然坚持着具象的线索，是出于什么考虑？

A：传统雕塑并不是观念先行的，技术性的门槛要求很高，功底靠着一代代的传承和经验积累。你说得对，不在主流中的写实创作在今天面临着更多的困难，首先一方面是来自于传统的深入，这本身就需要很高的天赋和坚持；其次是创新，具象这种手段发展到今天，它的可能性已经被大量的挖掘，往前的一小点突破都是十分困难的，不像其他的当代艺术门类尚且在高速的发展期当中。但是在我看来，当代跟传统在某种程度上是互补的，就像当代雕塑，当你具备观念的品质，再融入到纯熟的技法创作当中，这跟直接上手的表面形式，是完全不一样的。所以，作为一种媒介，到底该如何使用，产生新的影响力，给人某一瞬间的震撼，才是最重要的。所谓的流派都有好坏，表面的形式，是最无关紧要的。

当代艺术具有很强的世界性，内涵是被隐藏的锋芒，所以作品内在的精神才至关重要，雕塑与公共空间结合的可能性更多，当你深入到当代艺术的理念之后，还能够反馈到传统的雕塑当中，这对雕塑家而言只有好处没有坏处。具象是一种手段，核心还是表达一种精神，这种精神，需要观众有所体认，才是真正的传达。

Q：人物在你的创作中是常见的表现题材，但人物其实并不容易出效果，在这其中你比较着重表达的是什么？

A：人物方面可能还是在早期的“@”系列表达比较多，是在2004左右开始创作的，那时候大学还没毕业，人物是日常接触到最主要的题材，更像是一种训练式的表达。因为，雕塑需要大量的系统核心训练，把记忆形象感知记录下来，保持一种感觉和感受力，抓取人物最为本质和鲜活的特质，每个时代都有自己明显的烙印，身处其中或者会看不清楚，这就需要艺术家具有很强的提炼能力，而不仅仅是一种手艺。

Q：除了人物以外，还有一个重要的主题就是马，但你笔下的马，尤其在神情状态的刻画上，似乎不类动物？

A：马系列的创作也是起源于一个委托项目的需求，他们需要一个更加当代的，新颖，而且是基于中国传统的马形象。所以，我去了内蒙，花了极大的功夫研究琢磨，当然也不能是纯粹的现实照搬，需要融进一些自己的东西。从外表来看，它的构成关系源于中国传统家具，整洁流畅，结构严谨，没有繁复的细节，呈现一种流线性的美感。至于内核，在更多的时候，我不把它当成一匹马，而是一个人，发卷、眼神、体态，就像一个少女、贵妇或猛男，尤其在眼睛的处理上，很多时候我都直接制作成人的眼，或者其他，譬如有一匹绿马，做成了狐狸的眼睛。所以，“马”只是一个躯壳，作为一种手段，表达我想要表达的内容。

Q：为什么要做纸黏土系列？这种轻便的材料并不是当代雕塑的常用材料？

A：“纸黏土”系列是比较后期的，这种材料可以跟任何材料相接，它的实验性更强，更加直奔主题，不被各种细节风格所束缚。纸黏土的色彩和成型率十分直接，可以直接看到效果，而且捏塑的过程，很难进行二次加工。对雕塑艺术家来说，每一个人或事物都是几块泥巴空间上的错位，能否看到这样的关系？破译并准确识别制作？所有这些关键，都很考验艺术家的技法功底和提炼能力。而直面大众，作品的好坏，效果都被放大了。

其次，在物质高度发达的今天，很多闲置或无用之物，或是一些生活垃圾（箱子、木板、塑料瓶等等），通过纸黏土的结合，再生成新的艺术品。艺术的发展需要跟社会以及公共发生关系，艺术需要有一个新的普及模式，让观众可以直接见证甚至参与艺术品的生成过程。从无到有，艺术不再高高在上，这比成品的摆设观看，更加生动和具有震撼力。与此同时，作为衍生的重要部分，观众还可以把它买回家，也是艺术向公众普及最直接和接地气的方式了。

话说回来，其实我并不局限在所谓的艺术圈里面，我这么多年在做的很多事情，都是算是一种跨界吧，让其他领域的人了解艺术。艺术圈太小了，我们需要越过这个小圈子，去跟更多的人和领域进行合作以及传播，才能让现实发生一点改变。

Q：2005年至2018年间创作的雕塑和绘画作品共计60余件，展览展出作品的面貌还是比较整体的，从中也能看到不同的系列面貌。是否有回顾或总结过去自己的创作历程？

A：没有。我觉得自己还很年轻，还没有到回顾的时候，我是82年的，现在才30多，还没有到我真正的创作高峰。现在更多的是一种积累，传统的积累需要很长的时间，不可能在年轻的时候就迎来一个大的爆发。也有，但那得是一个多大的天才！还是得想清楚，很多东西不怕走错路，错了就纠正，但必须要有一个体验的过程。重要的是保持一个年轻艺术家持续进步的决心，我希望不论多大的岁数，我的作品还是不断往前的，而不是停留在某一阶段。

把一个东西做好，做到炉火纯青，再往下延续。当然，创作也需要进行一些阶段性的调节，不能长时间局限在某个人物或者风格当中，什么都会去尝试，我们都还年轻，不能一下子就把自己定位了。真正想要干什么？更多是心境的问题，都是跟着心走，把自己想要做的东西做出来，这个事情更有意义。至于今后的发展，其实很模糊。

Q：现在创作的激发点是？

A：更多还是跟生活的环境和时代有关。随着阅历的变化，思想自然而然发生改变，人的生命就是一个体验的过程，能把自己真实的体验转化成作品、输出，就很好了，我希望我的作品能够表达出一种“成长”。