PLATAN 说
一个好展览，肯定是多层的，作品也是如此，永远有不断可以解读的空间，这就是艺术最为重要的扩容性。每一个角度都可以是解读的入口，因此找到进入的层次很重要。伍伟的全新个展“无阻”尤其，从最原始到最机械，2020年的几件新作把伍伟的核心点多层次地缓缓道出，可谓“费尽心思”，精彩非常。大量的作品以及空间细节，都可以发挥出戏剧性的道具作用，绝非简单的线性化呈现，图腾化的原始性、城市化的现代性、皮毛的材料性···几个关键点都在里面，可以去连线，做拼图。
伍伟“无阻”展览现场
当代唐人（北京）艺术中心第一空间
“无阻”的布策安排，可谓复杂精妙，隐藏的暗点没有专业的阐释和带看，一般很难全部掌握。但“少即是多”不是拒绝，而是吸引，每一个知识系统不同的观众，进入的点不同，都可以被赋予或解读出不同的意义。
这样的观展和理解层次，其实和伍伟的内在系统是相吻合的——材料、颜色、形式的每一个细节，肉眼所见的外表“皮毛”之下，绝不简单。找到触发点，也就找到了进入另一个世界的机缘。
进入展厅，主展厅的格局需要率先把握——包豪斯建筑特有的井盖围成了一个长方形（见下图紫色块），“框”住了的主作品《提丰》。需要注意的是，这个“框”里只有一个运动点作为突破口——主车架《提丰》。不仅如此，主车架-《缝隙》-视频，这三者之间构成了运动组合关系（红线），而且两两间存有对应/对立的紧张感——不只是简单的作品呈现，整个现场的所有造型都是统一的整体。
两个白色柱子（粉色块），分割空间的同时，为展厅置入“烛台”的仪式感，渲染出神性的模糊提示。此外，两个柱台、白色展台以及黑色展墙的组合，让人极易想起艺术史上大名鼎鼎的极少主义莫里斯的《两个方柱》，还有卡尔·安德烈“雕塑作为场地，切割空间”的黑墙形式来源。
除了目光可见之处以外，主展厅所有摆设都被精心设计，全部根据结构压在50×50的单元格里，半米是一个人能穿行其中的距离，但略微显窄带点压迫，内含了数学比例、身体交流等问题。这种数据化的互动，不仅最大限度扩展作品与空间的关系，这种陈列还模拟了城市格局中的权力意识。
相比主厅的疏旷，侧厅《提丰》零件的陈设密度更高，更碎，密集型的呈现让人想起工业化的廉价生产。此外，连接这两个空间的视频不停播放汽车的局部图片，恍如图腾般的图案，在原始与工业之间，在两个展厅之间都起到了过渡作用。
虽然有强烈的戏剧冲突，但同时又很均匀，无论是作品还是展厅的布置，实则都有遵守极少主义格林伯格的“统一性”原则——拧合在一起，又不冲突，达到某种平衡。
最后，如果说主厅和侧厅构成观看的前半部分，那么后半部分则展出了艺术家从平面到立体的两大线索——从前部分的《缝隙》翻到展墙另一面的《分裂与聚合》，可以看到伍伟在平面“状态”的对材料的最新也是最极端的自由创作；从《突出的形》对话《穷奇》，可以进入比工业文明久远的原始时代。
| 1 提 丰
《提丰》无疑是这次伍伟个展里的最重要呈现，也直接关联展题——“无阻”，指向的是城市几何学对人身体的驯化——遵循规矩，带来方便的同时，驯化身体，限制自由。作为一个引子，这种“双面性”为伍伟作品的众多议题释出预留了空间。
《提丰》金属、纸张 380 × 170 × 140 cm 2020
一般而言，机械与神话水火不容，但伍伟的《提丰》——希腊神话中的巨神，敢与宙斯较量，失败后内脏被掏出，演变为一系列可怕的怪兽。桑塔纳2000是艺术家童年记忆中，改革开放后第一批引进的政府用车，代表了某种权力，而拆解，是消解语意的最有效手段。况且，神话传说本身就是碎片，丧失了整体，留下了被肢解的一小部分。
“汽车”的躯壳如“提丰”的骨架，分离的零件为内脏，“皮毛”的动物性代表了原始文明跟工业的交织纠缠——剪纸处理成的动物“皮毛”斑驳分布，是躁动的生命疯长？还是病毒肆虐的变异入侵？拆解后的“零件内脏”的摆放并排，如古代祭祀，也如证据陈列，如真如幻的现场，显影出一个来自后工业社会的苍凉梦魇。
在形式上，整车拆解，全部染黑，仅显露出一个神秘的躯壳，既可抵消工业的效果，颜色的极简还具有反省性——在高速向前进的现代快车上，重返时间才能唤醒遗失的记忆，让我们在面对当今的城市规训机制下，重获活力。
最终在压抑的笼罩下，“皮毛”尖尖上长出的单纯耀眼的亮黄和橙色，让整组作品都活跃出了生气，给出了更接近于真实的希望。这种神的化身，在物种学层面上的“母体”基因，似乎也同样给出了人类审视存在的机会。虽然没有刻意，但冥冥中很切2020。
| 2 缝 隙
与《提丰》冰冷的秩序感遥之呼应的是黑色展墙纸上悬挂的小幅作品《缝隙》，靓丽的橙色觉醒了整面展墙和整个空间，勾连起活跃的流动气氛。同时，耀目的色彩正如勃然而出的生命，和冷漠僵化的工业之间的达成一种抗衡。
《缝隙》木板上纸张 40 × 40 cm 2020
展墙另一面的巨幅作品《分裂与聚合》说得上是对“皮毛”这一材料应用的最自由表达，简单、直接、快速，伍伟在手机上偶然绘制，再放大到油画布上，用丙烯颜料做的黑底，“皮毛”粘在上面。
在直觉突发的即兴创作下，伍伟试图引导观众感受画面背后的某种经验和秩序——黑色的背景仿佛宇宙的深处，时间和空间的概念早已被抛弃，在不断的分裂与聚合中，新的秩序得以生成。
另外从画面的构成上讲，由黄色和黑色“皮毛”所组成的块状，浮动于虚无之上，不是作为细节，而是作为结构本身，呈现整体。因此，带有强烈的原始冲动和热情的生命体，不仅是视觉行为，也是思维行为，最终“秩序”统筹了所有的构成，跳跃的色块开始稳定并出现和谐，反而显得庄重而宁静，有了一种新的气度。
《分裂与聚合》木板画布上纸张 300 × 600 cm 2020
至此，就不得不说下伍伟的“皮毛”了。毕竟剪切纸张处理成类似于动物皮毛，是伍伟最具有辨识度的手法。从最开始的皮肤，到书籍再到纸张和皮毛——结合唐卡制作的“堆绣”技巧把层层皮毛与形状结合，堆叠出凹凸的生长趋势。十年，伍伟用最简单的材料创造出一个神奇的境地，转变成人们对物质世界的反思。
现在，“皮毛”不再被框定，也不必一定附着，它可以用任意的形态跟任何东西发生关系，覆盖、隐藏、限制，把内心的感受一点一点扩散，甚至可以隐藏在后面，不一定要炫技，在《分裂与聚合》的呈现就尤为酣畅，材料和触觉都不再是第一观感，而是对生命直觉性的强调，是解放了的秩序和形式。
《突出的形》木板上纸张200 × 300 cm 2020
在“形体”之外，《缝隙》《突出的形》鲜艳的色彩，则归属到伍伟的另一条重要的线索——民俗。河南作为中原的中心，它深厚的传统文化积淀，让传说性的存在（封建迷信）被延续下来，成为现在生活的一部分，这也是伍伟作品里面能折射出来的。
| 3 穷 奇
自前面几件作品看下来，在黑色的基调下，剩余的颜色就是橙色和黄色。这两种颜色都来源于民俗里的“老虎”。但其实《山海经》里也没有老虎，“虎“只是一个元素，神怪都不过是杂交的组合——或改变色彩，或添变语言声音，甚至只是改变某种装饰造型。
有意思的是，伍伟的创作方法也跟杂交造神类似——不断改换视角和观察点，但不打破整体性，在不确定中张望着确定的方向，在视觉的各种变数博弈中取得平衡。而且一直以来，伍伟在作品中使用的神话典故，落实到作品中不过是一种感觉，譬如《穷奇》。
《穷奇》金属、纸张 65 × 65 × 120 cm 2020
传统的很多东西，利用当代的方式可以大量的“新瓶装旧酒”，但伍伟没有这样做。他的《穷奇》就是黑色跟橙色相间的皮毛覆盖，没有信息，也没有叙事，有的只是强烈渗透氛围——吃人的恐惧与不祥。
虽与神兽关联，但伍伟只是抽取了清晰但没有实体的“感觉”，把形象呈现为一种“皮毛”纹路关系，其内部空间是一种精神上的构想，像一个普世寓言，而不是实际经验。
伍伟的平面作品都以“状态”命名，比较抽象化；相对应，伍伟的雕塑装置类作品，都以具体“角色”命名，譬如这次展览的《穷奇》《提丰》。提丰是希腊的神，穷奇是《山海经》里的野兽，来源具体，能对接形象原有的内涵想象。但无论是平面，还是立体，都是他想象起飞的踏点而已。
经由《突出的形》对话《穷奇》，最后一个展厅正是带领观者进入伍伟的“原始性”系统。作为展览的最后一组作品，也再次呼应到最初《提丰》神话的原始与工业的点醒上，头尾咬合。
十年，伍伟一边勾连文化记忆基底的同时，也积极面对当代艺术生态的对话，并在大量的阅读和实地驻留后，摒弃线性基本逻辑，展开分布式思维，通过不同的点拼出自己的图景。随着不断的重审添减，回旋推深，创作在循环层面的递升中愈加丰盈。
由点及面开始，由面归于点而终结，伍伟的最初和现在看似并没有本质上的区别，但实则已经换了逻辑。他建构了一个系统。
伍伟出生于1981年，中国河南省郑州。2012年毕业于中央美术学院实验艺术系，获硕士学位，现居北京。
