奥斯卡导演都是如何指导演员表演的？

奥逊·威尔斯有句名言，你可以在一个周末学会所有关于电影制作的知识，但你无法在一个周末学会表演。出色的表演可以使一部好电影变成一部令人难忘的电影。

这样的表演不仅仅靠演员的技巧，而是通过演员和导演之间至关重要的关系来实现的。

▲奥逊·威尔斯

让10位导演定义他们的工作，你会得到10种不同的答案。能够洞察别人的潜能并以某种方式将其释放出来的能力。

当然，指导演员没有固定的公式。这个过程取决于电影的主题，以及导演和演员的喜好。

 

 

01

选角和排练的策略

尽管如此，许多导演一般都会遵从一些经验法则，首先是选角和排练的策略。为一个角色找到合适的演员是电影成功的关键，但不同的导演有不同的选角方法。

对于导演罗伯特·奥特曼来说，选角是一个发现和创造的过程，他的目标是找到能够给角色带来新意的演员，但是当这些演员来演这些角色的时候，他们给这些角色注入了一些我以前从未见过的东西，我看到他们塑造的角色栩栩如生。

▲罗伯特·奥特曼

弗朗西斯·福特·科波拉对威拉德上尉有更具体的设想，让他放弃了像哈维·凯特尔这样的演员。哈维·凯特尔被选中了，然后因为一些分歧他被放弃了：

我并不是百分之百觉得他适合这个角色，因为哈维是一个令人兴奋的、有天赋的、擅长即兴表演的演员，但威拉德这个角色更像是一个见证者。他必须能够观察这些事情，而不是一直都很有表现力。

选择演员通常意味着要看他们以前的作品并进行试镜。对科恩兄弟来说，试镜过程至关重要：我们真的不喜欢和演员见面，除非他们在看书，因为我们发现，除非他们真的在表演，否则我们无法判断他们是否适合这个角色。

▲科恩兄弟

其他导演更喜欢在演员读剧本之前讨论角色。斯特林·海登说斯坦利·库布里克就是这样找到他的：其实我有点受伤，因为他说，我想让你扮演杰克·里珀将军。他描述了里珀的样子，我想，你一定认为我是右边的男孩之一。他说，正因为你反对那个角色，所以他认为这可能行得通。

对于许多导演来说，演员理解他们签约的电影的意图是至关重要的。

更具体地说，演员要从内到外了解他们的角色。乔丹·皮尔解释道：这些人中的每个人都掌握着我们一起讨论的角色的关键。作为合作伙伴，我的全部希望是在某种程度上，我的演员会比我更了解这个角色。

▲乔丹·皮尔

当然，选角过程也需要导演向潜在的演员推销自己的愿景。索菲亚·科波拉不知疲倦地为《迷失东京》请到比尔·莫瑞。我花了几个月跟踪他，幸运的是韦斯·安德森对我和米奇·格拉塞都很好。我的朋友是他的朋友，为我美言了几句。我写过信，作为导演，你必须坚持下去，有那种毅力和决心，别人对你说一百次不也不能放弃。我认为这是作为导演的一部分。

一旦演员确定好，排练就开始了。对许多导演和演员来说，排练提供了他们在片场没有时间进行实验的空间。

对格蕾塔·葛韦格来说，排练是不可或缺的。我认为如果你找的演员都很优秀，他们知道自己在做什，通过排练，他们只会变得更深入、更好。所以我认为排练的过程比什么都重要，因为一旦你开始拍摄，你就真的在按时间表在拍摄，所以你必须继续下去。在排练的过程中你可以尽情的发挥创意尝试各种东西。

▲格蕾塔·葛韦格

简·坎皮恩利用排练空间与演员建立联系，同时让他们融入角色：我喜欢让人们觉得我对他们的表演过程有很深的信任，因为我不指望他们马上就能进入角色。我一次又一次地看到这种情况。这是一个过程，人们需要花点时间在环境中寻找自我。很明显，你选择他们是因为你看到他们做了很多了不起的事情。

有些导演很少排练。对于克里斯托弗·诺兰来说，排练只是为了确定后勤安排，尤其是对情感要求更高的场景。你倾向于把排练当作一个相当简单的分镜头排练，弄清楚摄像机放在哪里，拍摄场景的顺序，诸如此类的事情。你让演员们为他们要做的事留点余地。

▲克里斯托弗·诺兰

 

其他导演则完全放弃排练过程，这也成为了斯皮尔伯格的首选方法：当我年轻的时候，我曾经排练过一些最精彩的场景我所见过的最精彩的一幕在我面前上演，却没有摄影机拍摄。然后我们到了片场。有时候，我无法让一个演员和另一个演员像第一次一起演一个场景那样重现。对我来说，这应该在镜头前进行，而不是在排练厅。

无论采用何种方法，前期制作中与演员的合作都会对现场的表演产生巨大影响。

02

给提示

一旦摄像机开始工作，导演必须善于给予提示。

 

片场可能是一个压力很大的地方，像是有很多活动的部件和一个滴答作响的时钟。导演工作的很大一部分是确保他们不要忽视故事，这意味着要得到故事所需要的表演，同时也意味着导演需要给出清晰有效的说明。

为了让提示真正发挥作用，演员必须相信他们在一位很好的导演手中。这意味着需要建立一种相互信任的关系。

对于瑞恩·库格勒来说，这是年轻导演与演员合作的关键。我第一次拍故事片时很多事情都不确定，比如我对演员的要求是诚实的，就像我可以告诉他们我想要什么，但是，我总是对他们敞开心扉，我认为他们对此有很多回应。

▲《布达佩斯大饭店》

一旦建立了信任的基础，指导就会更像合作，而不像命令。即使是像韦斯·安德森这样控制欲强的导演也是如此。阿德里安·布罗迪解解释道：韦斯很善良，很体贴，尽管在他的作品中有这些特殊性，但这是一种合作。你会发现很多东西。这很有趣，很有生命力。

在做指导时建立合作精神，可以让演员在表演时仍然能自由发挥。奥逊·威尔斯认为，导演的角色实际上是为演员服务：我认为导演应该是表演的助手和基础，我认为这是一个非常困难的工作。

好的指导也是清晰的指导，阿尔弗雷德·希区柯克以能给出直接明了的指导而自豪。然后说：看看这里，看看那里，看看下面，看看对面，四处走动。然后回家？然后你可以回家了。

▲阿尔弗雷德·希区柯克

同时，对于昆汀·塔伦蒂诺来说，好的指导是不会让演员不知所措的：你说的话要具体，因为如果你太武断，他们就会如鱼得水。

善于指导也意味着知道什么时候不该指导。过度指导演员会让他们不知所措，最终反而不利于对他们表演。如果导演在拍摄前已经与演员就他们的角色进行了广泛的合作，这一点尤其正确。

正如大卫·柯南伯格所解释的：我不去管演员，找好演员，然后让他们演好。这并不是说不和演员一起工作，而是很多事情都发生在你进入片场之前。你要和他们谈剧本，谈角色。你和他们一起工作，你和他们一起构思场景。是的，但我觉得我是在拍我发现的东西。这几乎就像是一种艺术。理想情况下，导演可以通过指导实现他们的愿景。

▲大卫·柯南伯格

03

自由发挥

许多导演也喜欢自由发挥。但自由发挥可以有很多形式，比如在交付过程中做一些细微的变化到即兴创作整个场景。

一定程度的自由发挥是不可避免的。无论导演的拍摄计划多么复杂，他们必须预料到意想不到的事情。人们常说，表演就是反应，导演也是如此。

凯莉·莱卡特解释道：当你在拍电影的时候，你会放下你已经计划好的一切，你会向发生在你面前的一切敞开心扉。但这也是令人兴奋的地方，就像有些事情你没有想到，人们会互相回应，对动物的反应，或者对天气的反应，都是不同的。

▲凯莉·莱卡特

不同的导演对即兴发挥的接受程度不同。约翰·卡萨维茨推崇在电影中使用即兴表演。他的长期合作的演员吉娜·罗兰兹谈到了他是如何让演员保持警觉的：总会有这样的场景或者一场戏，他不会告诉你接下来会发生什么。所以总会有一个即兴的场景，他们很有趣，因为你永远不知道他们什么时候会出现。

如果做得好，这种水平的即兴表演可以使场景感觉真实，自然的对话和真实的反应。当然，这种方法需要对角色有深入的了解。他说：我给了你这个角色，别问我，作为一个演员，你应该比世界上任何人都更了解这个角色，要靠你来实现它。

即兴创作对喜剧也很有帮助，让导演在片场听到笑话，看看什么行得通，什么行不通。导演贾德·阿帕图以这种策略而闻名，他认为这是另一种写作形式：它更像是在脚踏实地的改写它，只要演员们一上台表演，我就会想，现在我知道是什么了。我喜欢得到很多备用素材，因为当我在剪辑的时候，有时候你觉得好笑的笑话并不好笑，对吧？

▲贾德·阿帕图

然而，不太刻意的非结构化即兴表演可能会适得其反，尤其是那些故事情节复杂的电影。正如达伦·阿罗诺夫斯基所指出的：当你开始玩文字游戏时，唯一的问题是演员很容易发现剧本其他部分与之相关的文字和想法。你有没有觉得人们无法不关心？人就是那么奇妙。

但是即兴发挥并不仅仅意味着当场想出对白。演员的表演是由情感、语气和动作上成千上万的小细节组成的，他们可以决定在每一次拍摄中改变其中的一些或全部选择。

马丁·斯科塞斯说这是罗伯特·德尼罗最喜欢的方法：如果你愿意，我可以这样做我有个想法，我可以这样做，我有另一个想法，让我试试，我不会告诉你是什么，我就开拍你知道，因为有些化学反应产生了。

▲马丁·斯科塞斯

这种类型的多功能性有时可以通过做大量的拍摄来实现。很多人认为拍了很多镜头的导演控制欲强，追求的是特定的表演，但有时他们想要的恰恰相反。

史蒂夫·麦奎因解释道，这就是选择和思考你在特定时间想要做什么的过程。有时你用尽了所有办法，突然间答案就出现了，反其道而行之。

指导演员是一门艺术。精彩的表演就像是是一个小奇迹，但它不是凭空出现的。这是演员和导演紧密合作的成果，双方在选角和排练上都付出了努力。