时尚的力量- 大数跨境

科学出版社

2014-08-21

导读：时尚到底是什么？时尚和服装有何不同？某些理论学家认为，时尚---这里指的是衣着品位的持续变迁---起源于文艺

时尚到底是什么？时尚和服装有何不同？

某些理论学家认为，时尚---这里指的是衣着品位的持续变迁---起源于文艺复兴时期。其他人则认为法国宫廷名媛的创新角色是关键时点。对于法王路易十四时期的宫廷名媛姑且不论她们的其他功能，至少她们是第一个决定“美丽的理想”及“高贵品位”的非贵族阶级。她们是以自身的独特品位，而非社会阶级的出身而赢得尊敬的。

当中产阶级于19世纪兴起时，民主化浪潮也迅速地在各地蔓延，启蒙运动的概念更广泛地为人接受，特征与个性成了现代文化的核心概念。时尚的功用在于反映内在自我、灵魂和独特的个性。因此，在19世纪，时尚变成现代性和单调的城市生活的重要元素。

时尚与历史

时尚本身不与任何既定的意义或习俗有所联结，每一季它会自动更新，生成新的意义系统，传统文化的地位或宗教等既定象征在其中并不存在。德克·洛维特（Dirk Lauwaert）在《道德与时尚》一文中也提到，时尚是如何永远“不朽”，又持续地与当代的道德与文化主题发生链接的。

芭芭拉·范肯（Barbara Vinken）在《永恒》一文中说明了马丁·马吉拉、山本耀司、川久保玲等概念性设计师，如何以服装设计体现“时间的流逝”和“磨损的布料”，通过时间和历史等概念，使20世纪90年代的时尚更接近概念性的艺术世界。

时尚从历史中汲取元素以凸显当代特性。1863年，波德莱尔在《现代生活的画家》（La peintre de la vie moderne）中论及时尚如何将强调当下、转瞬的美学和永恒相结合。在《虎跃》这篇文章中，尤里奇·雷曼（UlrichLehmann）试图定义时尚与历史的关系。他主要以本雅明于20世纪30年代末所提出的“虎跃”概念，证明时尚这种独特的文化现象在不断变化，并实现了我们的历史观。本雅明所提出的时间概念也同样是芭芭拉·范肯《永恒》一文的主题。

时尚与社会

时尚并非如知识分子所以为的昙花一现和虚无。在裙褶长度、不同颜色的表象之下，时尚其实是反映社会和与其联结的一面镜子。

哲学家吉尔·利波维茨基（GillesLipovetsky）在《时尚社会的艺术与美学》中表示，就文化现象而言，艺术将越来越趋向时尚。过去两者之间的界线分明：艺术是永恒的，时尚追求的是当下。艺术是原创、独一无二的，时尚是追随流行的。时尚是针对大众的，艺术只留给知识分子欣赏。时尚只是创造毫无意义、稍纵即逝的经验，艺术则是体现永恒之美。如今两者的界线已渐趋模糊。不仅是艺术，包括博物馆和文化遗迹也臣服于时尚营销的引诱定律之下，同样强调消费主义、诱惑、体验和当下瞬间。

与吉尔·利波维茨基齐名的艾瑞克·德·奎裴尔（Eric de Kuyper）在《如果一切都是时尚，那么“时尚”发生了什么事？》中强调，时尚不断地攻城略地扩延至其他不同领域，时尚其实不再与时尚有任何关联，时尚在我们的文化中一直代表某种矛盾。时尚使男女之间的关系变得紧张，时尚让你变得有个性，但同时也让你成为团体的一分子。如今时尚变得普及，人人唾手可得，以上所说的矛盾已不复存在。

时尚的意义系统

罗兰·巴特在他于1967年写成的《流行体系—符号学与服饰符码》（Système de laMode）中率先尝试从符号学的观点来定义时尚的意义系统。他指的时尚只限于照片图像，如时尚杂志内页的照片。2006年，帕特里夏·克雷费托（Patricia Calefato）同样将所谓的“真实”时尚—通过媒体传递，如电视、网络、音乐与时尚杂志的照片等，定义为一套意义系统。因此，她从宏观的跨界观点（她称之为时尚理论）进行研究。她将时尚视为一套意义生成系统，主要研究穿着服装的身体的文化与美学。克雷费托在《时尚的符号系统》一文中回答了某些问题，例如，时尚系统如何产生意义？时尚如何沟通？符号与身份认同之间是何种关系？时尚如何处理男性与女性之间，以及大众文化与精品之间的差异？

安妮可·斯梅丽科（Anneke Smelik）在《时尚与视觉文化》中指出，少了媒体，时尚便不存在。若没有时尚，时尚杂志、照片、女性杂志便不存在，但没有了这些媒体，时尚也无法存在。时尚要成为某种艺术形式、商业实体，就必须依赖媒体。斯梅丽科解释了媒体如何在复杂的文化现象中扮演举足轻重的角色，使时尚成了当今视觉文化不可或缺的一部分，同时更进一步地阐述了这种转变的过程。

德克·洛维特试图解释穿衣的意义。服装帮助穿衣者定义他的自我身份：服装反映了其内在自我，同时也为他塑造出另一个社会形象，让他得以面对外在世界。时尚也与身体相互结合。性别、性诱惑力、性欲唯有通过服装及服装所代表的符码才能得以展现。并且他在其中提到男性对服装的体验与定义不同于女性。

时尚是一种表演艺术

时尚的本质就是表演艺术，最理想的表演平台便是走秀与时尚摄影。有段时间坊间出版了大量的礼仪书籍，硬性规定何为合宜的举止，然而，到了19世纪，随着风尚型男的出现—这群人将毫无特色的城市当作他们的表演舞台—表演、面无表情地行走成了时尚的固定元素。到了20世纪，表演变得抽象化、风格化，形成今日我们所看见的时装秀。

人们常说，所谓的风格，不在于你穿了什么，而是你如何穿着和你对诠释的某种形象的态度，这一点正是罗塞塔·布鲁克斯（Rosette Brooks）在《布鲁明戴尔的叹息与耳语》一文的主题，这篇文章探讨了20世纪70年代盖·柏丁（Guy Bourdin）为布鲁明戴尔百货公司的邮购目录所拍摄的照片。她特别指出，20世纪70年代的时尚摄影出现了重大的转变，拍摄焦点从产品本身转移至产品形象。这代表了时尚摄影越来越类似于娱乐，甚至是艺术，而不再只是传递产品信息。

时尚与全球化

时尚原本是只存在于西方的文化现象，其他地区相对而言较为陌生。然而，2006年其他地区的文化也开始站上了巴黎的时装舞台。时尚一直是国际事件，以巴黎和伦敦为中心。现在凭借着全球传播系统和网络，世界各地都可同时观看巴黎时装秀。巴黎依然是时尚中心，但如今在各大洲，特别是西方世界之外，都有举办时装周。1980年之前，时尚界就开始关注其他文化的时尚发展，但多半从欧洲本位的角度（性吸引力）出发。欧洲之外的一切成了刺激灵感的来源，并依照西方人的品位转化为西方的时尚。根据西方标准，民族服饰不属于时尚。但这种严格的区分现在已不存在。取材于地方传统的时尚反而受到重视与珍藏。泰德·波尔西默斯（TedPolhemus）在《地球村的世界该如何穿着》当中，深入分析了这些时尚新进者应具备哪些要件。

时尚与艺术

随着20世纪80年代后现代主义的兴起，时尚设计师被赋予了新角色。凯琳·夏奈特（Karin Schacknat）在《混搭的艺术》中解释，时尚设计师现在不再专注于创作令人赞叹的完整画面，他们成了符号学元素的制造者。时尚因此变得更为抽象，也更接近视觉艺术。时尚与艺术的联系早已存在数世纪之久，但是夏奈特认为，这份关联已有了改变。以往很长一段时间这份关系仅是单向的：艺术家将时尚当作描绘人们的表现手法之一。但是这种情况在19世纪中叶出现了变化，部分原因是摄影的发明和首位女装设计师的出现，也就是查尔斯·沃斯。沃斯受到当代浪漫精神的影响，为艺术家塑造出独特天才的明星形象，他也乐于这样推销自己。20世纪初的保罗·普瓦雷（Paul Poiret）则是更进一步与艺术家合作埋首于艺术创作。女装设计师的出现使裁缝师的技巧提升到了艺术层次，时尚与艺术有了融合的可能。20世纪初期相继发展出不同的概念，更加促成时尚与艺术的结合。

本文摘编自（荷）娜达·凡·登·伯格等著，韦晓强吴凯琳朱怡康许玉玲译《时尚的力量——经典设计的外延与内涵》。