美术史的基本概念
后期艺术风格发展的问题
〔瑞士〕海因里希·沃尔夫林 著
洪天富 范景中 译
划时代经典，现代艺术史学的奠基之书
五对核心概念，读懂文艺复兴与巴洛克的视觉密码
本书由瑞士艺术史家海因里希·沃尔夫林于1915年发表，一经问世便重塑了艺术史研究的范式，被誉为“现代艺术史学的奠基之书”。它不再局限于对艺术作品的简单描述与年代划分，而是以全新的视角搭建起艺术史研究的理论框架，成为20世纪艺术领域不可或缺的经典著作。
本书透过沃尔夫林提出的五对“观看模式”——线描和涂绘、平面和深度、封闭的形式和开放的形式、多样性和统一性、清晰性和模糊性，带领读者解码文艺复兴至巴洛克风格的嬗变。
这一开创性的形式分析方法，不仅奠定了视觉史研究的基础，更为艺术史、建筑史、美学乃至文学批评提供了通用的方法论范式，深刻影响了贡布里希、潘诺夫斯基等后世学术大家的思想体系。
经典理论的精湛译本
附录完整还原作者思想的晚期演变
本书由洪天富教授与范景中教授联袂译介，以精准流畅的中文再现原作的学术精髓，为中文读者架起理解西方艺术史形式分析的桥梁。译本附注详实，既保留德语原典的思辨逻辑，又兼顾汉语表达的明晰性，堪称艺术史研习者案头佳作。
特别附录沃尔夫林1933年修订的后记，完整还原作者思想的晚期演变轨迹，为中文读者提供最贴近原著精髓的阅读体验。滕固、宗白华、李泽厚等中国学界泰斗皆曾受此书启发，足见其在中文学术圈的深远影响。
全书图文并茂，帮助读者直观理解理论
作者简介
海因里希·沃尔夫林（Heinrich Wölfflin，1864—1945），瑞士艺术史学家，现代形式分析的奠基者。曾先后任教于巴塞尔大学、柏林大学、慕尼黑大学与苏黎世大学，对19—20世纪艺术史的学科化影响深远。主要著作有《文艺复兴与巴洛克》《古典艺术》《美术史的基本概念》《意大利和德国的形式感》等。
译者简介
洪天富，南京大学教授，从事德语文学教学、研究和翻译工作长达六十多年，译有《歌德谈话录》《儒教与道教》《变形记》《西方的没落》等。
范景中，中国美术学院教授，长年从事美术史、美术史学史、中西美术交流史以及相关人文学科的研究工作，著有《艺术与文明》《中华竹韵》等，译有《艺术的故事》《艺术与错觉》等。
目录一览
第六版序言
第七版序言
第八版序言
导 论
第一章 线描和涂绘
第二章 平面和深度
第三章 封闭的形式和开放的形式
第四章 多样性和统一性
第五章 清晰性和模糊性
结 论
后 记：1933年修订稿
图 录
试读章节
（节选自本书第一章《线描和涂绘》的第二节）
为了清楚说明线描风格和涂绘风格之间的对比，最好先在纯素描的领域寻找例证。
我们首先比较一下丢勒和伦勃朗的作品，它们的主题相同，都是女性裸体。一幅是写生形象《夏娃》，另一幅是派生出的形象《女人体》，我们暂且不考虑这一点，而是先看风格。伦勃朗的素描虽然独立完整，但画得粗略，丢勒的作品则精细，是铜版画的初稿。两件作品在技术手段上也不同，一幅用钢笔，一幅用粉笔，不过这也是次要的。它们的真正区别首先在于，丢勒所画的印象根据触觉的价值，而伦勃朗则根据视觉的价值。
丢勒，《夏娃》
伦勃朗，《女人体》
伦勃朗给我们的第一印象是把一个亮的人体画在暗的背景上；丢勒的人体也以一片黑暗为衬托，但不是为了让光线能从暗处放射，而是为了更鲜明地突出投影轮廓，换句话说，是为了强调围绕着投影轮廓的边线。在伦勃朗的画中，边线失去了意义，它不再用来确定外形轮廓，本身也没有什么特殊的美。谁要是想沿着边线追踪伦勃朗的形象，很快就会发现，那几乎是不可能的。涂绘风格的断断续续的线条取代了15世纪那种连续而均匀延伸的轮廓线。
对此人们也许不会提出异议，认为这正是速写的手法，我们在任何时候都能发现这种方法。当然，把迅速捕捉到的形象大略记录的速写也用不连贯的线条，但伦勃朗的线条甚至在完成的版画上也是断续的，它不能形成可触摸的轮廓，而总是保持着模糊的特点。
即使从造型的笔迹分析，丢勒的版画也是一件线描艺术作品，因为画中的阴影是透明的。一条又一条的线条画得均匀而清晰，似乎每一根线条都知道自己是美的线条，与其他线条共同行动，组成美的整体。它们依势随形，追附着形体的造型，只有标示阴影的线条才不受形体的限制。17世纪的风格已经不再考虑这些问题。它们的笔触各种各样，在导向和层次上有时可以辨清，有时则不容易，不过却有一个共同点，都给人团块的印象，并在某种程度上淹没在总体的印象之中。我们很难说清依据什么法则画出这些笔触，但有一点再清楚不过：它们不再遵循形体，不再寻求造型的触觉感，它们只求诸纯视觉的外貌，却又不危及形体的坚实。这些笔触个别来看毫无意义，一旦联系起来观察，就像我们说过的那样，它们联合成了一个独特而丰富的整体。
值得注意的是：这种素描方式甚至能告诉我们物质的特性。注意力越是远离要塑造的形体，就越能激发对事物外貌的兴趣，就越对物体给人怎样的感觉有兴趣。伦勃朗画中的人体让人感到肌肤柔软，富有弹性，而丢勒的人体则是中性的。
坦率地说，把伦勃朗等同于17世纪艺术，用个别的例子去判断古典时期的德意志素描，都是片面的。但是，正因为这种片面性，比较才富有教育意义，因为它能非常鲜明地揭示这两种概念的对立。
倘使我们从描绘人体转向单独的头部，那么风格的变化对细部形式的理解具有何种意义，就水落石出了。丢勒所画头像的特点，不仅在于他那独特的线条的艺术质量，而且在于：他运用了均匀定向的长线条，这些线条既包容一切，又很容易为人理解。丢勒和他同时代人所共有的这种特性，让我们看到了问题的本质。原始艺术家在素描中也处理过这个问题，从总体结构看，他们描绘的头像与此类似，但是线条并不突出，不像在古典素描中那样触目，形体还没有被压缩到线条中。
美术史的基本概念
后期艺术风格发展的问题
〔瑞士〕海因里希·沃尔夫林 著
洪天富 范景中 译
点击图片即可查看丛书书目
