杨惠娟 对话 李晓菱
全球化浪潮之下，“东方美学”似乎陷入了一种集体的叙事困境。一面是国际舞台对其独特性的渴望与好奇，另一面则是本土品牌在表达时难以挣脱的符号化窠臼。龙凤纹样、水墨意境，传统图式给予安全感的同时，却也在未曾更迭的语境以及高频的复刻中，渐渐凝固，失去了流动的生命力。
“东方美学”该如何挣脱“图式感”的束缚，成为一缕飞越时间，依然能被清晰辨认的“风”？
相惠·微风集持续关注与对话美学品牌，此次，我们将走近高端珠宝品牌轩灵。近年来，轩灵的艺术实践呈现出一种跨语境的品牌特质，无论是携手冷冰川刻墨艺术共同呈现的“开轩览物华”艺术展，还是从工笔花鸟画家江宏伟作品《樱花桃红》衍生的“花岛·五瓣花”系列珠宝，皆能从容消弭传统与当代的界限，突破古今图式语言的藩篱，直抵共通的精神叙事。
值得探究的是，当一切表达被不断简化，轩灵美学凝练的终点指向了线条的美学。作为中国传统美学的灵魂所在，线条不仅成为轩灵抽象表达东方意蕴的核心线索，更在极致简化中为观者预留出广阔的想象空间。让东方美学的意境在纯粹的线条律动中，突破形式束缚，实现跨文化的共鸣。
这是一枚从赵孟頫《竹石图》中走出的珠宝，没有再现古画里的虬枝老竹，却将“竹影横斜水清浅”的意境凝于方寸。正面的竹叶以白金勾勒出高低起伏的弧度，挺括如微型建筑，高净度的祖母绿被精准切割，在光线下流转出“暝篠深留翠”的幽微。
背面的竹节则隐于金属肌理之下，哑光质感与正面的璀璨形成虚实对话，传统竹节符号太直白，中空外直的气节藏在暗处，反倒更显东方文人风骨。最巧妙的是旋转开合的机关设计，轻转间，仿佛风过竹林时的瞬间定格，传统文人画的意境，突然有了可触摸的当代节奏。
“大雅仁风·竹影留翠”，极东方的名字，并未困囿于传统“图式”的牢笼，而是将意象抽象为一种充满生命律动的线条美学，轻盈且坚韧。
曾经深耕金融行业多年的李晓菱，创业始于对珠宝行业局限性的深刻洞察与对创新表达的强烈渴望。
只是创业初期，资金的压力、团队的组建、市场对新兴本土高级珠宝品牌的观望，都是横亘在前的现实难题。直到一位参观工作室的德国访客直言“这样的工艺你们中国人做不出来”，这样的刺痛，却也成为她坚定高级珠宝事业的起点。
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在品牌探索初期，李晓菱曾走访诸多国际展览，目睹香奈儿、百达翡丽等百年品牌深厚积淀的震撼后，逐渐意识到一个关键问题：彼时的团队尚未想清楚品牌究竟要讲述怎样的故事。
梳理的过程，也是一次做减法的过程从初创时的 10 个系列，一路精简至如今核心的 4 个系列，这样的决策在信奉 “规模、效率、产品矩阵” 的商业逻辑下，无疑是逆流而行。但拥有金融背景的李晓菱，却有着超越商业表象的清醒认知：“想走得远，必先接受慢。” 她深刻洞悉，高级珠宝的艺术性与文化性塑造，其底层逻辑与快消品截然不同。这种 “慢”与“减”，是为更好地“叙事”腾挪出纯净而深邃的表达空间。这既是对 “岁月沉淀文明” 的笃信，更是对品牌长期价值的战略性投资。
李晓菱坦言，轩灵的美学，也曾经历过一场“文化祛魅”。
早期受国际化视野影响，她也曾刻意回避龙凤、梅兰竹菊等视觉标签，担心陷入“国风”的刻板印象。直到一次美国藏家向她提出一个独特的设计委托“精卫填海”时，对方坦言西方工艺虽精妙，却无法理解这则中国神话背后的坚韧灵魂。
她瞬间敏锐捕捉到中国传统文化在高级珠宝领域未被充分发掘的叙事潜力。这场觉醒，也让 “中国叙事” 成为轩灵珠宝的核心基因，为品牌注入了区别于其他品牌美学的底色。
在工坊最初为我们展示的“竹影留翠”系列，李晓菱说，在早期设计中，竹叶是对称排列的，设计师在反复勾勒中突然划掉重画，“太像标本了，没有风动的灵气”，最终呈现的不对称结构，才让竹这一代表性的东方符号，摆脱了“气节象征”的单一解读，成为可佩戴的流动诗学。
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最终成品中，未见直白的“竹石相依”，却可感竹叶的舒展、竹节的坚韧、竹影的空灵。正反面的显与隐，暗合传统绘画“疏可走马，密不透风”的构图美学，却由珠宝的材质语言重新诠释。
当“竹影留翠”在国际展场上被问及“如何解读东方”时，李晓菱的回答耐人寻味：“我们不谈‘东方’，只谈‘人对自然的共鸣’。” 这种超越地域的视角，或许正是轩灵破解东方美学国际表达难题的关键。
英文无法直译“竹影留翠”，只能用Bamboo Fan这种极简表达。“意境无法翻译，但感受可以共享。”当西方观众触摸到扇骨的温润、看到祖母绿随光线变化的翠色时，无需解释“中空外直”的寓意，也能体会到那种介于坚韧与灵动之间的平衡。
“大雅仁风”系列的经典表达，从故宫折扇中汲取的“仁风”意象，最终化作可拆分的珠宝构件，2018 年米兰设计周特别大奖的加冕，也印证了这一表达的国际穿透力。
轩灵选择在故宫、伦敦 V&A 博物馆、上海孙科别墅等文化地标展出，并非简单的场景嫁接，而是构建了跨越时空的对话。在故宫，"大雅仁风" 系列与馆藏折扇隔空对话，当代设计的灵动与古扇的沉静形成张力；在 V&A，竹影系列的抽象线条与西方珠宝的几何美学相遇，证明东方意境无需翻译即可被感知。正如李晓菱所说：“传统不是博物馆里的标本，它应该能在当代呼吸。”
许多品牌的困境在于，将东方美学简单地理解为可识别的符号语言，结果陷入“自说自话”的僵局。但李晓菱希望将其上升为一种共性的感知，或许从“留白”的想象空间开始，从“线条即生命”的感知方式开始。但无疑，“去符号化”的表达，让东方美学从“他者叙事”变为“共通体验”。
以时间培育种子，每一件作品的开发需经年累月。
“每件作品都要经过平均 8 个月的打磨，最长的甚至耗时一年”，工坊内，匠人正在錾刻一片金箔，放大镜下，金箔上被雕出微妙的弧线。光顺着线条走，像毛笔的飞白。
李晓菱要求工匠每月临摹古画，“不是学画，是学线条的呼吸感”。对工艺的极致追求，让珠宝超越了装饰属性，成为“以器载道”的当代载体。
她还要求团队广泛涉猎艺术、历史、哲学甚至金融，强调将深厚的文化底蕴与现代设计思维、前沿工艺技术进行创造性融合。在她看来，珠宝的灵魂与独特性，正诞生于这种跨领域的知识碰撞与转化之中。
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这种碰撞与转化，不仅仅是工艺层面的精进，更是一种美学体系的自我构建与生长。
所以，我们在谈论东方美学时，是在谈论什么？是一种 “不向外求，而向内寻” 的审美逻辑，它不执着于图式的符号，而在意精神的深度；不追求对世界的征服，而强调与万物的和谐。
它藏在笔墨里、园林中、茶烟间，藏在任何的叙事方式里，更藏在“于无声处听惊雷”的生命感悟里。
轩灵的探索，本质上是一场关于“传统如何活在当下”的实验，比起一件珠宝，他者看到的更是一种无需向外证明，只需向内求索的自信状态。
它既带着文化的基因，又长着时代的筋骨。在方寸之间，连接起过去与未来，本土与世界。
THE END
撰文 | CC
视觉 | Cecilia
影像 | 壹壹
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